“El arte es tanto una necesidad humana como comer y beber. La necesidad de la belleza y la creatividad que la encarna es inseparable del hombre ", escribió F. M. Dostoievsky.

De hecho, la historia atestigua que el hombre siempre ha sido inseparable del arte. En las montañas, en cuevas de diferentes países del mundo, se han conservado antiguas pinturas rupestres. Estos dibujos expresivos de animales y cazadores se hicieron en los días en que la gente no sabía escribir.

Los monumentos del arte nos dicen la gran importancia que tuvo en la vida del hombre y la sociedad humana. Los antiguos griegos crearon un hermoso mito sobre las musas: las hermanas eternamente jóvenes que personificaban las artes y las ciencias. Melpomene es la musa de la tragedia, Thalía es de la comedia, Terpsícore es de la danza, Clea es la musa de la historia ... El mito dice que cuando el dios Apolo, el santo patrón del arte, la poesía y la música, apareció acompañado de musas, entonces toda la naturaleza escuchó su canto ... Música, museo - estos las palabras provienen de la palabra Muse.

El mito poético de las musas hermanas no ha perdido su significado. Cada tipo de arte tiene sus propios medios expresivos: en música es sonido, en bellas artes es color, línea, etc., en literatura es una palabra. Pero la esencia relacionada de todos los tipos es que el arte es una de las formas de conciencia social, que se basa en el reflejo figurativo de los fenómenos de la realidad.

Las artes visuales relacionadas con la percepción visual incluyen pintura, gráficos y escultura. Estas artes crean imágenes en un plano (pintura y gráficos) y en el espacio (escultura).

Una pintura, dibujo, grabado, escultura que tiene un significado independiente, es decir, no se asocia a ningún conjunto artístico ni con un fin puramente práctico, lo llamamos obras de caballete... Esta definición proviene de la palabra "máquina" (en este caso, caballete), en la que se coloca el lienzo cuando se pinta el cuadro. E incluso el hecho de que la pintura esté necesariamente enmarcada enfatiza la independencia, es decir, el aislamiento de la pintura de caballete del entorno. El marco separa la imagen, crea una oportunidad para percibirla como un todo artístico independiente. Algunas pinturas de caballete se reproducen en el libro.

A diferencia del caballete pintura monumental por su finalidad y carácter, se asocia con el conjunto arquitectónico. Frescos, mosaicos, paneles, vidrieras se incluyen orgánicamente en la arquitectura, complementando y enriqueciendo la decoración del interior o de todo el edificio. Buenos ejemplos de pintura monumental son los frescos de Rafael en el Palacio del Vaticano, las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. La pintura monumental alcanzó el nivel más alto en el arte bizantino y ruso antiguo.

En nuestro tiempo, la pintura monumental se usa mucho en palacios culturales, clubes, teatros, estaciones de metro, estaciones de tren, etc. Muchos de ustedes han visto los mosaicos en el metro, creados por bocetos de P. Korin, A. Deineka y otros maestros soviéticos. Murales del interior de la estación de autobuses y del Museo de las Fuerzas Armadas de Moscú (artista Y. Korolev), murales del Museo Tsiolkovsky en Kaluga (un grupo de artistas encabezado por A. Vasnetsov), vidrieras de maestros lituanos, paneles de artistas georgianos adornados por muchos edificios nuevos en nuestras ciudades.

El arte monumental del México moderno ha ganado fama internacional. Los mosaicos de Siqueiros y otros artistas importantes reflejan la heroica lucha del pueblo mexicano por su independencia.

No siempre es posible trazar una línea clara entre un caballete y una obra de arte monumental. Esto se debe al hecho de que la pintura de caballete a menudo tiene la calidad de la monumentalidad. Y a veces las obras monumentales tienen un significado independiente, al ser percibidas como pinturas de caballete terminadas.

También hay una gran área de artes y oficios. Se trata de muebles, vajilla, ropa, tejidos, alfombras, bordados, joyas, etc. de elaboración artística. Sin embargo, algunos tipos de artes decorativas y aplicadas (tapicería, persecución, escultura decorativa) también pueden considerarse obras independientes. La pintura, que está destinada a decorar o revelar el diseño y el propósito de un objeto y no tiene claramente un significado independiente, se llama decorativa.

Así, la pintura se divide en caballete, monumental y decorativa.

Imagen

Un cuadro de caballete que tiene un significado independiente. A diferencia de un boceto y un boceto, una pintura es una obra completa, el resultado de un trabajo a largo plazo del artista, una generalización de observaciones y reflexiones sobre la vida. La imagen encarna la profundidad del diseño y el contenido imaginativo.

Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, pero en este proceso, la imaginación creativa juega un papel importante.

El concepto de pintura se aplica principalmente a obras de naturaleza temática, cuya base es la representación de eventos históricos, mitológicos o sociales importantes, acciones humanas, pensamientos y emociones en composiciones complejas de múltiples figuras. Por tanto, la pintura juega un papel protagonista en el desarrollo de la pintura.

La pintura consta de una base (lienzo, tablero de madera o metal, contrachapado, cartón, tablero prensado, plástico, papel, seda, etc.), sobre el que se aplica una imprimación y una capa de pintura. La percepción estética de una pintura se beneficia enormemente cuando está encerrada en un marco apropiado (baguette) que separa la pintura del mundo circundante. El tipo de pintura oriental conserva la forma tradicional de un rollo desplegado que cuelga libremente (horizontal o vertical). La pintura, a diferencia de la pintura monumental, no se asocia rígidamente con un interior específico. Se puede quitar de la pared y colgar de otra forma.

Las alturas del arte se han alcanzado en las pinturas de pintores destacados. En las diversas corrientes del modernismo, se pierde la trama y se rechaza la representación, por lo que se revisa significativamente el concepto de cuadro. Una gama cada vez más amplia de pinturas del siglo XX. llamadas pinturas.

CARICATURA (It. Caricatura, de caricare - cargar, exagerar) es un género de bellas artes que utiliza los medios de la sátira y el humor, grotesco, caricatura para una valoración crítica de cualquier fenómeno social, político y cotidiano o de personas y hechos específicos. El efecto cómico de una caricatura se crea mediante la exageración y la agudización de rasgos característicos, comparaciones inesperadas, asimilaciones, metáforas, una combinación de lo real y lo fantástico. La caricatura se utiliza principalmente en la gráfica de periódicos y revistas, pero también encuentra su lugar en la pintura satírica y las pequeñas artes plásticas, en los carteles e incluso en la pintura monumental. La caricatura se puede ver en el arte popular, especialmente en los grabados populares. Los dibujantes destacados fueron J. Effel (Francia), H. Bidstrup (Dinamarca), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - Rusia).

IMAGEN - pintura de caballete, que tiene un significado independiente. A diferencia de un boceto y un boceto, una pintura es una obra completa, el resultado del trabajo de un artista a largo plazo, una generalización de las observaciones y la profundidad del concepto y el contenido imaginativo. Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, pero en este proceso, la imaginación creativa juega un papel importante. El concepto de pintura se aplica, en primer lugar, a obras de naturaleza temática, cuya base es la imagen de importantes eventos históricos, mitológicos o sociales, acciones humanas, pensamientos y emociones en composiciones complejas de múltiples figuras. Por tanto, la pintura juega un papel protagonista en el desarrollo de la pintura. La pintura consta de una base (lienzo, tablero de madera o metal, contrachapado, cartón, tablero prensado, plástico, papel, seda, etc.), sobre el que se aplica una imprimación y una capa de pintura. La percepción estética de una pintura se beneficia enormemente cuando está encerrada en un marco apropiado (baguette) que separa la pintura del mundo circundante. El tipo de pintura oriental conserva la forma tradicional de un rollo desplegado que cuelga libremente (horizontal o vertical). La pintura, en contraste con la pintura monumental, no está conectada rígidamente con un interior específico. Se puede quitar de la pared y colgar de otra forma. Las alturas del arte se han alcanzado en las pinturas de pintores destacados. En las diversas corrientes del modernismo, se pierde la trama y se rechaza la representación, por lo que se revisa significativamente el concepto de cuadro. Una gama cada vez más amplia de pinturas del siglo XX. llamadas pinturas.

GALERÍA DE ARTE - un museo de arte, que exhibe exclusiva o principalmente obras de pintura. La galería de arte también se llama secciones de pintura en los grandes museos y salas de palacio destinadas a colecciones de pinturas. En la antigua Grecia, el depósito de pinturas se llamaba Pinakothek; más tarde, se llamaron así grandes colecciones de pintura, es decir, galerías de arte. Muchos de los museos de arte más grandes del mundo son galerías de arte y se llaman galerías, incluida la Galería Nacional en Londres, la Galería Nacional de Arte en Washington, la Galería Estatal Tretyakov en Moscú, etc.

CEPILLO- una herramienta de un artista, principalmente un pintor, que es un bolígrafo con una siesta al final. Los pinceles para pintar se usan generalmente de cabello: cerda (de cerda de cerdo blanca), kolinkovy (de cabello de marta roja - una columna), ardilla, hurón, etc. Para pintar con acuarela, para trabajar en pequeños detalles, son adecuados, por ejemplo, pinceles de cabello fino y suave ardillas Para pintar con gouache, témpera, pinturas al óleo, se eligen pinceles de cerdas duras. Antiguamente, los artistas usaban un pincel de tejón, llamado flauta, con el que alisaban la superficie de la pintura, destruyendo los rayones que quedaban en la pintura con un pincel de cerdas. Los pinceles son redondos y planos, con cerdas cortas y largas, duras y suaves. Cada pincel tiene números (1, 2, 3, etc.). Cuanto mayor sea el número, mayor será el tamaño del pincel. Las puntas del cabello en el cepillo deben ser puntiagudas, no cortadas. El cabello debe recogerse de manera que quede paralelo y no se erice hacia los lados. Un buen pincel conserva su forma incluso después de lavarlo con agua, y uno malo se eriza incluso si está mojado en pintura. Tal pincel no es adecuado para pintar en absoluto. Recientemente, los artistas han preferido los pinceles planos para dar una forma de trazo más definida. Hoy en día, un pincel ancho y plano se llama flauta. Se utiliza para pintar grandes superficies e imprimar lienzos. Los pinceles también se utilizan en gráficos y caligrafía.

KITSCH (Kitsch alemán: letras, basura, mal gusto): productos pseudoartísticos que satisfacen el gusto artístico bajo y las necesidades estéticas poco desarrolladas. El kitsch se caracteriza por la intensidad del color, el eclecticismo, la redundancia de la decoración, la imitación de materiales preciosos. Las manifestaciones del kitsch son posibles en todo tipo de artes plásticas, pero la mayoría de las veces se encuentran en la producción de arte en masa, la industria de los souvenirs, en los gráficos impresos en masa y en algunos tipos de artesanías.

CLÁSICO (del latín classicus - ejemplar) - en la historia del arte, la era de mayor auge del arte antiguo en los siglos V-IV. antes de Cristo mi. Arte clásico: el arte de la Antigua Grecia y la Antigua Roma durante su apogeo, así como el arte del Renacimiento y el clasicismo europeos, basado directamente en las tradiciones antiguas. En la era de los clásicos se trazan los principales órdenes arquitectónicos, se desarrolla la planificación regular de las ciudades, florecen la escultura monumental, indisolublemente ligada a la arquitectura, y el arte decorativo. Las imágenes de personas armoniosas, dotadas de igual belleza física y espiritual, fueron creadas por los más grandes escultores Miron, Polycletus, Phidias, Praxitel, Skopas. La pintura (Polygnot) fue muy desarrollada en el arte clásico. En el siglo V. antes de Cristo mi. Se crearon las obras arquitectónicas más perfectas de la Antigua Grecia: los templos del Partenón (arquitectos Iktin y Kallikrates) y el Erecteión, ubicado en la Acrópolis de Atenas, marcado por la unidad artística del conjunto y todos los detalles arquitectónicos y escultóricos. El arte clásico está asociado con el florecimiento de Atenas y otras ciudades-estado, en las que existía un sistema de democracia esclavista.

CLASICISMO (del lat. classicus - ejemplar) - el estilo artístico del arte europeo de los siglos XVII-XIX, una de cuyas características más importantes fue la apelación al arte antiguo como modelo más alto y la confianza en las tradiciones del alto Renacimiento. El arte del clasicismo reflejó las ideas de una estructura armoniosa de la sociedad, pero en muchos aspectos las perdió en comparación con la cultura del Renacimiento. Los conflictos entre personalidad y sociedad, ideal y realidad, sentimientos y razón dan testimonio de la complejidad del arte del clasicismo. Las formas artísticas del clasicismo se caracterizan por una estricta organización, equilibrio, claridad y armonía de imágenes. La arquitectura del clasicismo se caracteriza por un sistema de orden inspirado en muestras antiguas, claridad y corrección geométrica de volúmenes y planificación, que destacan sobre la superficie lisa de los muros de pórticos, columnas, estatuas y relieves. Una obra maestra sobresaliente de la arquitectura, que combina el clasicismo y el barroco en un solo estilo solemne, fue el conjunto del palacio y el parque en Versalles, la residencia de los reyes franceses (segunda mitad del siglo XVII). En pintura, la principal importancia se ganó por el desarrollo lógico de la trama, una composición clara y equilibrada, una clara transferencia de volumen, con la ayuda del claroscuro el papel subordinado del color, el uso de colores locales (N. Poussin, C. Lorrain). También se reveló una clara demarcación de planos en los paisajes con la ayuda del color: el primer plano debe ser necesariamente marrón, el medio, verde y el lejano, azul.

una obra de pintura que tiene un valor artístico independiente y tiene la propiedad de estar completo (a diferencia de un boceto y un boceto). K., por regla general, no está asociado, como un fresco o un libro en miniatura, con un interior o un sistema de decoración en particular. Consta de una base (lienzo, tablero de madera o metal, cartón, papel), imprimación y capa de pintura.

Excelente definicion

Definición incompleta ↓

Pinturas

1. K. ( griego pinakes) eran tablones de madera, losas y tejas de cocción. arcilla o piedra, metálica y otros platos con imágenes aplicadas, figuradas u ornamentales. Las primeras evidencias son las metopas de arcilla de Therma (siglo VII a. C.); de la esfera etrusca - losas de Bokkaner y Campania. Corinthian K. sobre arcilla de Pendescufia y K. sobre madera de Pitsa (siglo VI a. C.) tienen un formato más reducido. Helenístico. K. en mármol, por ejemplo en Herculano, copia el clásico. muestras. Las pinturas murales romano-campanas han sobrevivido en gran número, que, por regla general, constituían uno de los componentes decorativos de las pinturas murales. Los retratos de medio cuerpo de los muertos, perfectamente conservados en la mayoría de los casos, son de especial importancia. Heirloom Rome. los retratos lat. Excelente definicion

Definición incompleta ↓

Imagen - una obra de pintura con un carácter completo (en contraposición a un boceto y estudio) y valor artístico independiente. Consta de una base (lienzo, tablero de madera o metal, cartón, papel, piedra, seda, etc.), imprimación y capa de pintura. La pintura es uno de los tipos de arte de caballete. Las pinturas vienen en una variedad de géneros. Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, pero en este proceso, la imaginación creativa juega un papel importante. El final del siglo XIX en toda Europa estuvo marcado por una nueva visión dinámica del mundo. Un artista de principios de siglo tenía que corresponder a una vida en constante cambio: no tanto para reflejar el mundo que lo rodea (la fotografía y el cine ahora lo están haciendo), sino para poder expresar en una pintura su individualidad, su mundo interior, su propia visión. Las alturas del arte se han alcanzado en las pinturas de pintores destacados. En las diversas corrientes del modernismo, se pierde la trama y se rechaza la representación, por lo que se revisa significativamente el concepto de cuadro. Algunos artistas pertenecientes a diversas escuelas de pintura se han alejado de la imagen del mundo (personas, animales, naturaleza) tal como lo vemos. En sus pinturas, el mundo aparece deformado, a veces completamente irreconocible, porque los artistas se guían más por su imaginación que por la percepción visual de los fenómenos que nos rodean.

En el desarrollo de la pintura, la pintura juega un papel importante.

Una reproducción también puede llamarse pintura, si en el contexto apropiado no importa si es una copia o una obra original.

Una pintura en un sentido figurativo o más general es cualquier obra de arte completa e integral, que incluye una descripción vívida y vívida, oral o escrita, de una especie de naturaleza.

La pintura es el arte de un plano y un punto de vista, donde el espacio y el volumen existen solo en la ilusión. Gracias a la complejidad de sus medios visuales, la pintura es capaz de crear en un plano tal profundidad de espacio ilusorio y multidimensionalidad de la realidad artística que escapa al control de otros métodos de representación. Cada pintura realiza dos funciones: gráfica, expresiva y decorativa. El lenguaje del pintor es totalmente comprensible solo para aquellos que conocen las funciones decorativas y rítmicas del plano del cuadro.

En la percepción estética deben participar simultáneamente todas las funciones de la pintura (tanto decorativas, planas como gráficas, espaciales). Percibir y comprender correctamente una imagen significa al mismo tiempo, indivisiblemente, ver la superficie, la profundidad, el patrón, el ritmo y la imagen.

La percepción estética de una pintura se beneficia enormemente cuando está encerrada en un marco apropiado que separa la pintura del mundo circundante. El tipo de pintura oriental conserva la forma tradicional de un rollo desplegado que cuelga libremente (horizontal o vertical). La pintura, en contraste con la pintura monumental, no está conectada rígidamente con un interior específico. Se puede quitar de la pared y colgar de otra forma.

La profundidad del espacio ilusorio de las pinturas

El profesor Richard Gregory describió las “propiedades extrañas de las pinturas”: “Las pinturas son una clase única de objetos porque son visibles simultáneamente tanto por sí mismas como como algo completamente diferente a una simple hoja de papel en la que están pintadas. Las imágenes son paradójicas. Ningún objeto puede estar en dos lugares al mismo tiempo; ningún objeto puede ser bidimensional y tridimensional al mismo tiempo. Así es como vemos las imágenes. La pintura tiene un tamaño muy específico y, al mismo tiempo, muestra el tamaño real de un rostro humano, edificio o barco. Las imágenes son objetos imposibles.

La capacidad de una persona para responder a situaciones imaginarias ausentes que se presentan en las pinturas es una etapa importante en el desarrollo del pensamiento abstracto ".

Cómo se crean las pinturas

Una pintura es el mundo espiritual del artista, sus experiencias y sentimientos expresados \u200b\u200ben lienzo o papel. Es difícil explicar cómo se crean las pinturas, es mejor verlo usted mismo. Es imposible transmitir con palabras cómo el artista pinta el lienzo, con qué pincel toca el lienzo, qué colores elige. Durante el trabajo, todo se vuelve un todo: el artista, el pincel y el lienzo. Y ya después del primer trazo del pincel, la magia especial de la pintura comienza a operar en el taller.

Los cuadros no son solo un lienzo pintado, afectan sentimientos y pensamientos, dejan huella en el alma, despiertan presagios.

¿Cómo se crea la pintura?

Parecería, con pinturas, pinceles, sobre lienzo. Puede haber otra respuesta universal: diferente.

Los métodos de pintura han cambiado constantemente a lo largo de la historia del arte. Los artistas del Renacimiento italiano trabajaron de manera muy diferente a Rembrandt o los "pequeños holandeses" del siglo XVII, románticos, de manera diferente a los impresionistas, abstraccionistas, artistas realistas contemporáneos. Y en el marco de una época e incluso una dirección, puedes encontrar una gran variedad.

Los artistas realistas del pasado y del presente (si entendemos el realismo en el sentido amplio de la palabra) están unidos por lo siguiente:

La creación de una obra completa, en este caso un cuadro, retrato u paisaje, es imposible sin un estudio profundo de la vida, una actitud activa hacia ella por parte del autor. Los medios de conocimiento artístico de la vida son el trabajo de la naturaleza, las impresiones visuales, el análisis y síntesis de los fenómenos de la vida.

La creación de una imagen es un proceso creativo complejo y laborioso, cuyos resultados están determinados no por el tiempo dedicado, sino por la medida del talento, la habilidad, la fuerza y \u200b\u200bla eficacia del artista de la solución imaginativa original. Los hitos más importantes de este proceso son el origen y concretización del concepto, las observaciones directas, los bocetos, los bocetos de la naturaleza, la pintura real de un cuadro con un procesamiento ciertamente creativo y activo del material de la vida.

Y cuando en un museo o en una exposición el espectador se acerca a una imagen, antes de emitir su propio juicio al respecto, debe recordar que siempre hay una persona viva detrás de ella, un artista que ha puesto en la obra una parte de su vida, corazón, nervios, talento y habilidad. Podemos decir que la pintura es el sueño de un artista hecho realidad.

G. S. OSTROVSKY

Completitud de la imagen

En la vida, muchas cosas pasan por casualidad: en una imagen no puede haber tales accidentes, todo en ella debe completarse, lógicamente. ¿En qué momento se considera que la pintura está completa?

La virtuosa pincelada pictórica pastosa de Rembrandt, tan valorada posteriormente y en nuestro tiempo, sólo causó desconcierto entre los contemporáneos de Rembrandt y suscitó el ridículo y la agudeza sobre él. Oponiéndose a sus críticos, Rembrandt desafió la exactitud de su comprensión de la integridad de una pintura, oponiéndolos con su comprensión de la misma, que formuló de esta manera: una imagen debe considerarse completa cuando el artista dice todo lo que quiere en ella. Para no escuchar las molestas preguntas sobre la "incompletitud" de sus cuadros, Rembrandt dejó de permitir a los visitantes ingenuos a su taller que miraran con gran curiosidad los trazos bravura de su pintura, asustando que no se acercaran demasiado a los cuadros, ya que oler su pintura no es saludable.

Matisse sobre su pintura:

“Solo trato de poner en el lienzo esos colores que expresan mi sentimiento. La proporción necesaria de tonos puede hacerme cambiar la forma de la figura o cambiar la composición. Hasta que no alcance esta proporción en todas las partes del cuadro, la busco y sigo trabajando. Entonces llega el momento, cuando todas las partes adquieren las proporciones finales, y luego no puedo tocar la imagen sin rehacerla de nuevo ".

Comenzando aproximadamente con los impresionistas, las categorías de dibujo, forma y color están íntimamente relacionadas, han crecido juntas, parecen ser un proceso continuo: dibujo y color, modelado y composición, tono y línea aparecen y se desarrollan como si fueran al mismo tiempo. El proceso de pintar un cuadro puede, por así decirlo, continuar indefinidamente, el momento de terminar la obra es algo condicional: en cualquier parte del lienzo, el artista puede continuarlo, superponiendo nuevos trazos sobre otros similares, pero acostado debajo. El representante más llamativo y consistente de este sistema es Cezanne. En cartas y conversaciones grabadas, formuló repetidamente este método de pintura mixto o, más correctamente, indiferenciado. En cualquier momento, el trabajo en la pintura puede interrumpirse, pero el trabajo no perderá su valor estético. La imagen está lista en cualquier momento.

Conexión del espacio pictórico de la pintura con el espacio real

En el curso de la teoría de la composición, el artista y teórico del arte V.A. Favorsky enfatizó que una obra verdaderamente artística es inherente a una existencia dual desde el nacimiento: como un objeto en el espacio circundante y como un mundo relativamente cerrado con sus propias relaciones espacio-temporales. En pintura, este objetivo se logra alineando la estructura interna de la imagen con el marco, en la escultura, con el espacio circundante (un ejemplo clásico: una estatua en un nicho).

El marco de imagen se utiliza para conectar el espacio visual con el espacio real en el que se encuentra el espectador. Los artistas también juegan con múltiples "reproducción de fotogramas" en la propia imagen, rimas visuales, repeticiones de líneas verticales y horizontales. Una de las técnicas características que "refuerzan" visualmente la imagen dentro del formato rectangular es el "bisel de esquina". El aislamiento de la pintura de la arquitectura dio lugar a un cierto sistema de percepción de la pintura de caballete. El contenido principal de la imagen es la expresión de una representación holística del espacio. La composición se transforma en una exposición en la que el espectador se sitúa frente al mundo transformado de las relaciones espacio-temporales y se ve en él como en un espejo. Así, el vidrio transparente del Renacimiento se convirtió en un espejo del Clasicismo y el Barroco. El arte de la época posrrenacentista se caracteriza por jugar con reflejos en el espejo, introduciendo figuras-mediadoras en la composición del cuadro, personas que, por su posición, mirada o gesto de la mano, señalan la acción que se desarrolla en el fondo del cuadro, como invitando a entrar en él. Además del marco en tales composiciones, aparece un proskenio: la parte frontal del escenario, las alas, luego el terreno intermedio, en el que tiene lugar la acción principal, y el fondo, el "telón de fondo".

El artista suele colocar las figuras principales en el plano medio del cuadro, colocándolas en una horizontal mental como en un pedestal. La posición de esta línea horizontal de referencia determina la profundidad de la "capa espacial" (en términos planimétricos, más alta o más baja con respecto al borde inferior del marco de imagen). Colocando la línea horizontal repetidamente, el pintor crea un cierto ritmo de movimiento en las profundidades del espacio imaginario. Gracias a esto, incluso en un lienzo pequeño, puede representar un espacio de cualquier longitud con cualquier número de figuras y objetos. En tal exposición, uno tiene que llamar específicamente la atención del espectador sobre el hecho de que algunos objetos están más cerca, mientras que otros están más lejos. Para ello se utilizan "punteros": reducción de perspectiva, introducción de hitos de escala (pequeñas figuras de personas al fondo), planos superpuestos, contraste tonal, sombras que caen de una fuente de luz dentro o fuera de la imagen. Otro punto de referencia para el movimiento mental del espectador en el espacio de la imagen son las diagonales, la principal de las cuales es la "diagonal de la entrada" (generalmente de izquierda a derecha).

Imagen en imagen

Imagen en imagen

Picture-in-Picture se puede utilizar en una función de composición dedicada. Una organización jerárquica similar se presenta en el caso de la imagen de un cuadro en un cuadro (así como frescos en pinturas murales, etc.).

"Picture in Picture" es una técnica de composición que se encuentra en el arte de la pintura pictórica clásica de los siglos XVI-XVII. Una imagen dentro de una imagen puede estar dotada de un significado oculto especial.

La técnica de composición de imagen en imagen puede realizar varias tareas:

• expresar una idea
• aclarar la trama
• oponerse o crear armonía
• ser un detalle de mobiliario (interior)

Muy a menudo, la imagen de fondo en una pintura puede entenderse como una especie de pintura en una pintura, es decir, una imagen independiente, construida de acuerdo con sus propias leyes especiales. Al mismo tiempo, la imagen del fondo, en mayor medida que la imagen de las figuras en el plano principal, obedece a tareas puramente decorativas, podemos decir que muchas veces no es el mundo en sí lo que aquí se representa, sino la decoración de este mundo, es decir, no se presenta la imagen en sí, sino la imagen de esta imagen.

Para los holandeses, un mapa geográfico, un tapiz, una imagen, una ventana abierta como una imagen incluida en la imagen amplían los límites del mundo o sirven para desarrollar el significado alegórico de la trama principal. Vermeer, al abrir el telón de su taller, se convierte en guía a través de tres niveles de la realidad: el espacio del espectador, el espacio de su taller, el espacio de una obra de arte (un lienzo que se levanta sobre un caballete), comparando estas metamorfosis con navegar por océanos, trazado en un mapa geográfico o sobrevolar una tierra cartografiada ...

El desborde de la realidad-arte-mito se puede observar en Velázquez, quien voluntariamente recurre a la técnica del "cuadro en cuadro", ejemplificada por "Meninas" y "Hilanderos".

"Picture in picture" también está en "Venus frente a un espejo" de Velázquez, pero el espejo brumoso solo refleja la sombra de la diosa del amor.

Pintura y marco

Cualquier imagen creada por el artista, con la excepción de las pinturas rupestres antiguas, tiene un marco. El encuadre es una parte necesaria e importante de la composición, la completa, da unidad. El encuadre puede ubicarse en el mismo plano que la pintura o la propia composición gráfica. También se puede crear específicamente como una especie de forma de relieve con la ayuda de elementos decorativos, escultóricos y arquitectónicos. La mayoría de las veces hay marcos rectangulares, algo menos a menudo: redondos y ovalados.

El marco ayuda a distinguir la pintura del entorno como algo especial y digno de atención, pero al mismo tiempo lo conecta con el entorno. Entonces, si el estilo del marco coincide con el aspecto artístico, la estructura y el carácter del interior donde se ubica la pintura, esto contribuye a la integridad del conjunto. Dependiendo del color, la saturación de los detalles decorativos y escultóricos, el marco afecta significativamente la impresión general de la imagen pictórica. Todo esto nos permite hablar sobre la unidad de la imagen y el marco, donde el encuadre, por supuesto, no realiza la función principal, sino muy necesaria.

El desarrollo de la pintura de caballete fue difícil. ¡Qué hito brillante en su historia fue la transición de la Edad Media al Renacimiento! Lo más esencial en ella fue el deseo de alejarse de la rigidez y abstracción de la imagen icónica que imperaba en la Edad Media. Hacia el siglo XIV, nace un cuadro en el sentido moderno de la palabra, y con él aparece un marco, todavía vestido con encajes de decoración gótica.

Los primeros fotogramas no se oponían completamente a la imagen completa y no se separaban de ella; los materiales de ambos eran similares, el dorado condicional del fondo, por ejemplo, de un icono ruso antiguo o bizantino, pasaba al marco, y la imagen misma a menudo "salpicaba" sobre él. Luego, los límites entre la imagen y el marco comenzaron a reconocerse cada vez con mayor precisión. Sin embargo, como una especie de recuerdo de siglos anteriores, el marco conservó su color dorado. Cuando el fondo dorado, que denota el mundo de lo divino, desapareció de la pintura, el dorado del marco comenzó a percibirse condicionalmente, es decir, como un atributo necesario del encuadre, que ayudó a resaltar el cuadro en la habitación, a atraer la mirada del espectador hacia él.

En el Renacimiento prevaleció la idea de la pintura como visión del mundo a través de una ventana, el marco con sus formas insinuaba muy claramente la idea imperante y respondía a ella. Estos magníficos y solemnes marcos fueron realizados según dibujos de artistas en talleres especiales o de asistentes de artistas que trabajaban en su taller.

Durante el Renacimiento, la pintura se comparó constantemente con un espejo, que refleja la realidad, y el marco, creado como un marco de espejo ornamental, enfatizó aún más esta comparación. Este marco podría estar hecho no solo de listones de madera y yeso, sino también de materiales preciosos, como plata, marfil, nácar, etc. La preciosidad de los materiales parecía corresponder a la preciosidad de la pintura, la fortalecía.

Los viejos maestros estaban muy atentos al marco, tuvieron en cuenta su influencia en el proceso de trabajo, a veces incluso escribieron en un marco prefabricado, contando con un cierto tono y ritmo decorativo del marco. Por lo tanto, las composiciones de viejos maestros a menudo se benefician enormemente de sus marcos originales.

Las observaciones sobre los marcos de los viejos maestros nos permiten establecer otro principio: la correspondencia entre el perfil y el ancho del marco y el tamaño del cuadro: por ejemplo, los pintores holandeses solían insertar sus pequeñas pinturas en grandes marcos con profundos y profundos perfiles, que, por así decirlo, llevan la mirada al centro del cuadro y aíslan ella de cualquier influencia del medio ambiente

A principios del siglo XX se empiezan a escuchar voces que llaman a abandonar los marcos por completo, como por algo demasiado material, "cimentando" la espiritualidad del arte. Varios artistas de vanguardia, aceptando tales llamados, comenzaron a exhibir sus obras sin marcos. Sin embargo, como resultado de esta innovación, sus propias obras dejaron de ser pinturas en el sentido estricto de la palabra. Se trataba de una especie de "objetos", "manchas", a menudo sin un significado claro.

Aunque ahora no hay un estilo único en el diseño de marcos, como antes, pero hay más que antes, la correspondencia del marco con la manera individual del artista.

En los últimos años, en las exposiciones de arte, se puede notar que la inercia en relación al diseño de marcos (que sea, dicen, pero que no es tan importante), que se manifestó en el pasado y entre nuestros artistas, comienza a superarse. Los marcos están pintados en diferentes colores, a menudo se colocan pequeñas imágenes adicionales e inscripciones en ellos, los escultores ayudan a los pintores: aparecen marcos con ricos motivos plásticos.

Formato de imagen

Sin embargo, hay dos elementos específicos de la imagen que, por así decirlo, crean una transición del plano a la imagen, perteneciendo al mismo tiempo a la realidad de la imagen y a su ficción: el formato y el marco. Puede parecer que el formato de una pintura es solo una herramienta del artista, pero no una expresión directa de su concepto creativo: después de todo, el artista solo elige el formato. Mientras tanto, la naturaleza del formato está estrechamente relacionada con toda la estructura interna de una obra de arte y, a menudo, incluso indica el camino correcto para comprender la intención del artista. Como regla general, el formato se elige antes del inicio del trabajo del pintor. Pero se conocen varios artistas a los que les encantaba cambiar el formato de la imagen durante su trabajo, ya sea cortando piezas de ella y luego agregando otras nuevas (Velázquez hizo esto de manera especialmente voluntaria).

El formato más común para una imagen es un cuadrangular, y un cuadrado puro es mucho menos común que un cuadrilátero, más o menos alargado hacia arriba o en ancho. Algunas épocas valoran el formato redondo (tondo) u ovalado. La elección del formato no es aleatoria, el formato generalmente revela una conexión profunda y orgánica tanto con el contenido de una obra de arte, con su tono emocional, como con la composición de la imagen, refleja igualmente vívidamente el temperamento individual del artista y el gusto de toda una época. Sentimos la conexión causal oculta entre el formato y la intención del artista frente a cada cuadro, de donde emana el encanto de una verdadera obra de arte. Hay pinturas cuyo contenido se ha fusionado tanto con la naturaleza del formato que, al parecer, el más mínimo movimiento de proporciones debería haber alterado el equilibrio estilístico e ideológico de la pintura.

Un formato alargado horizontal, en general, es ciertamente más adecuado para una composición narrativa, para un despliegue consistente del movimiento más allá del espectador. Por lo tanto, este formato es fácilmente utilizado por artistas con una disposición épica, que luchan por la composición activa, por la acción, por ejemplo, los pintores italianos del siglo XIV y la primera mitad del siglo XV (especialmente en composiciones al fresco). Por el contrario, un formato cuadrado o en el que la altura predomina un poco sobre el ancho, por así decirlo, detiene inmediatamente la dinámica de la acción y da a la composición el carácter de una representación solemne, este tipo de formato fue el preferido por los maestros del Alto Renacimiento para sus retablos ("Madonna Sixtina"). A su vez, con un importante predominio de la altura sobre la anchura, la composición vuelve a adquirir dinámica, fuerte tracción, pero esta vez hacia arriba o hacia abajo; un formato tan estrecho era especialmente del agrado de artistas aristocráticos, decorativos (Crivelli) o místicos (manieristas, greco) que buscaban encarnar ciertas emociones y estados de ánimo.

La conexión entre el formato y el temperamento individual del artista también es incuestionable: la fantasía sensual y dinámica de Rubens requiere un formato más grande que la fantasía sobria y conmovedora de Rembrandt. Finalmente, el formato está en proporción directa a la técnica de pintura. Cuanto más amplia, más libre es la pincelada del artista, más natural es su deseo por un gran formato.