“ศิลปะมีความต้องการสำหรับบุคคลเช่นเดียวกับการกินและการดื่ม ความต้องการความงามและความคิดสร้างสรรค์ซึ่งรวมอยู่ด้วยนั้นแยกออกจากมนุษย์ไม่ได้” F. M. Dostoevsky เขียน

แท้จริงแล้ว ประวัติศาสตร์แสดงให้เห็นว่ามนุษย์แยกออกจากงานศิลปะไม่ได้เสมอไป ในภูเขาในถ้ำ ประเทศต่างๆภาพวาดหินโบราณได้รับการอนุรักษ์ไว้ทั่วโลก ภาพวาดสัตว์และนักล่าที่สื่ออารมณ์เหล่านี้ถูกสร้างขึ้นในสมัยที่ผู้คนไม่รู้ว่าจะเขียนอย่างไร

อนุสรณ์สถานทางศิลปะบอกเราถึงความสำคัญอันยิ่งใหญ่ในชีวิตของมนุษย์และสังคมมนุษย์ ชาวกรีกโบราณสร้างตำนานอันน่าอัศจรรย์เกี่ยวกับรำพึง - น้องสาวชั่วนิรันดร์ซึ่งเป็นตัวเป็นตนของศิลปะและวิทยาศาสตร์ Melpomene เป็นรำพึงแห่งโศกนาฏกรรม Thalia - ตลก Terpsichore - การเต้นรำ Clio - รำพึงแห่งประวัติศาสตร์... ตำนานเล่าว่าเมื่อเทพเจ้าอพอลโล - ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ บทกวี และดนตรี - ปรากฏตัวพร้อมกับรำพึง จากนั้นทั้งหมด ธรรมชาติฟังการร้องเพลงของพวกเขา... ดนตรี พิพิธภัณฑ์ - คำเหล่านี้มาจากคำว่า Muse

ตำนานบทกวีเกี่ยวกับน้องสาวรำพึงไม่ได้สูญเสียความหมาย งานศิลปะแต่ละประเภทก็มีของตัวเอง วิธีการแสดงออก: ในดนตรีเป็นเสียง ในวิจิตรศิลป์เป็นสี เส้น ฯลฯ ในวรรณคดีเป็นคำ แต่สาระสำคัญที่เกี่ยวข้องของทุกประเภทก็คือศิลปะเป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคมซึ่งมีพื้นฐานมาจากการสะท้อนเป็นรูปเป็นร่างของปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง

วิจิตรศิลป์ที่เกี่ยวข้องกับการรับรู้ทางสายตา ได้แก่ จิตรกรรม ภาพกราฟิก และประติมากรรม ศิลปะเหล่านี้สร้างภาพบนเครื่องบิน (ภาพวาดและกราฟิก) และในอวกาศ (ประติมากรรม)

การเขียนภาพเขียนภาพพิมพ์ประติมากรรมที่ได้ ความหมายที่เป็นอิสระนั่นคือไม่เกี่ยวข้องกับวงดนตรีศิลปะใด ๆ หรือเพื่อจุดประสงค์ในทางปฏิบัติล้วนๆ เราเรียกว่า ขาตั้งทำงาน- คำจำกัดความนี้มาจากคำว่า "เครื่องจักร" (ในกรณีนี้คือขาตั้ง) ซึ่งจะใช้วางผืนผ้าใบไว้เมื่อวาดภาพ และแม้แต่การที่ต้องแทรกภาพวาดลงในกรอบก็เน้นย้ำถึงความเป็นอิสระนั่นคือการแยกการวาดภาพขาตั้งออกจาก สิ่งแวดล้อม- กรอบแยกภาพวาดและสร้างโอกาสในการรับรู้ว่าเป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระ ภาพวาดขาตั้งบางภาพมีการทำซ้ำในหนังสือ

ไม่เหมือนขาตั้ง จิตรกรรมที่ยิ่งใหญ่ในวัตถุประสงค์และธรรมชาติของมันมีความเชื่อมโยงกับกลุ่มสถาปัตยกรรม จิตรกรรมฝาผนัง กระเบื้องโมเสค แผง หน้าต่างกระจกสีรวมอยู่ในสถาปัตยกรรม เสริมและเพิ่มคุณค่าให้กับการออกแบบทางศิลปะของการตกแต่งภายในหรือทั้งอาคาร ตัวอย่างที่ดีของการวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ ได้แก่ จิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลในวังวาติกันและภาพวาดของไมเคิลแองเจโลในโบสถ์ซิสทีน การวาดภาพอนุสาวรีย์ถึงระดับสูงสุดในศิลปะไบแซนไทน์และรัสเซียเก่า

ในปัจจุบัน ภาพวาดอนุสาวรีย์ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในพระราชวังแห่งวัฒนธรรม สโมสร โรงละคร สถานีรถไฟใต้ดิน สถานีรถไฟ ฯลฯ หลายๆ คนเคยเห็นภาพโมเสกในรถไฟใต้ดิน ซึ่งสร้างขึ้นตามภาพร่างของ P. Korin, A. Deineka และปรมาจารย์ชาวโซเวียตคนอื่นๆ . ภาพวาดภายในของสถานีขนส่งและพิพิธภัณฑ์กองทัพในมอสโก (ศิลปิน Yu. Korolev) ภาพวาดของพิพิธภัณฑ์ Tsiolkovsky ใน Kaluga (กลุ่มศิลปินนำโดย A. Vasnetsov) หน้าต่างกระจกสีโดยปรมาจารย์ชาวลิทัวเนีย และนูน แผงโดยศิลปินชาวจอร์เจียได้ตกแต่งอาคารใหม่หลายแห่งในเมืองของเรา

ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของเม็กซิโกสมัยใหม่ได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติ ภาพโมเสกของ Siqueiros และศิลปินชื่อดังคนอื่นๆ สะท้อนให้เห็นถึงการต่อสู้อย่างกล้าหาญของชาวเม็กซิกันเพื่ออิสรภาพของพวกเขา

ไม่สามารถวาดเส้นคมชัดระหว่างขาตั้งกับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ได้เสมอไป สิ่งนี้อธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าการวาดภาพขาตั้งมักจะมีคุณภาพที่ยิ่งใหญ่ และงานชิ้นเอกบางครั้งก็มีความสำคัญอย่างเป็นอิสระโดยถูกมองว่าเป็นภาพวาดขาตั้งที่เสร็จแล้ว

นอกจากนี้ยังมีพื้นที่มัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์ขนาดใหญ่มาก สิ่งเหล่านี้เป็นเฟอร์นิเจอร์ จาน เสื้อผ้า ผ้า พรม งานเย็บปักถักร้อย เครื่องประดับ ฯลฯ ที่สร้างสรรค์อย่างมีศิลปะ อย่างไรก็ตาม งานศิลปะตกแต่งและประยุกต์บางประเภท (พรม การพิมพ์ลายนูน ประติมากรรมตกแต่ง) ก็ถือได้ว่าเป็นผลงานอิสระเช่นกัน ภาพวาดที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อตกแต่งหรือเปิดเผยการออกแบบและวัตถุประสงค์ของวัตถุและไม่มีความหมายที่ชัดเจนชัดเจนเรียกว่าการตกแต่ง

ดังนั้นการวาดภาพจึงแบ่งออกเป็นขาตั้งแบบอนุสาวรีย์และแบบตกแต่ง

จิตรกรรม

งานเขียนภาพแบบขาตั้งที่มีความหมายอิสระ ภาพวาดเป็นผลงานที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ซึ่งต่างจากงานเขียนแบบ Etude หรือภาพร่าง ซึ่งเป็นผลงานอันยาวนานของศิลปิน การสังเกตและการสะท้อนชีวิตโดยทั่วไป ภาพวาดรวบรวมความลึกของแนวคิดและเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง

เมื่อสร้างภาพ ศิลปินต้องอาศัยธรรมชาติ แต่ในกระบวนการนี้ จินตนาการที่สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญ

แนวคิดของการวาดภาพถูกนำไปใช้กับผลงานที่มีลักษณะเป็นโครงเรื่องเป็นหลัก โดยมีพื้นฐานคือการพรรณนาถึงเหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ ตำนาน หรือสังคม การกระทำของมนุษย์ ความคิด และอารมณ์ในองค์ประกอบที่ซับซ้อนหลายรูปแบบ ดังนั้นการทาสีจึงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการทาสี

การทาสีประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ, แผ่นไม้หรือโลหะ, ไม้อัด, กระดาษแข็ง, แผ่นกด, พลาสติก, กระดาษ, ผ้าไหม ฯลฯ ) ซึ่งใช้สีรองพื้นและชั้นสี การรับรู้เชิงสุนทรีย์ของภาพวาดจะมีประโยชน์อย่างมากเมื่ออยู่ในกรอบที่เหมาะสม (บาแกตต์) ซึ่งแยกภาพวาดออกจากโลกโดยรอบ จิตรกรรมประเภทตะวันออกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของม้วนกระดาษที่กางออกอย่างอิสระ (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ภาพวาดไม่เหมือนกับภาพวาดขนาดใหญ่ที่ไม่ได้เชื่อมโยงกับการตกแต่งภายในโดยเฉพาะอย่างเคร่งครัด สามารถถอดออกจากผนังและแขวนแบบอื่นได้

ในภาพ จิตรกรที่โดดเด่นถึงจุดสุดยอดของศิลปะแล้ว ในการเคลื่อนไหวที่หลากหลายของลัทธิสมัยใหม่ มีการสูญเสียโครงเรื่องและการปฏิเสธภาพที่เป็นรูปเป็นร่าง ดังนั้นจึงมีการพิจารณาแนวคิดของภาพอีกครั้งอย่างมีนัยสำคัญ มากขึ้นเรื่อยๆ วงกลมกว้างภาพวาดของศตวรรษที่ 20

เรียกว่าภาพวาดการ์ตูนล้อเลียน (การ์ตูนล้อเลียนของอิตาลี จากการ์ตูนล้อเลียน - ถึงเรื่องใหญ่เกินจริง) - ประเภทของวิจิตรศิลป์ที่ใช้วิธีเสียดสีและอารมณ์ขัน พิสดาร การ์ตูนล้อเลียนไปจนถึงการประเมินที่สำคัญ ปรากฏการณ์ทางสังคม การเมือง และในชีวิตประจำวัน หรือบุคคลและเหตุการณ์เฉพาะใดๆ เอฟเฟกต์การ์ตูนล้อเลียนถูกสร้างขึ้นจากการพูดเกินจริงและความคมชัดของคุณลักษณะเฉพาะ การเปรียบเทียบที่ไม่คาดคิด ความคล้ายคลึง คำอุปมาอุปมัย และการผสมผสานระหว่างของจริงกับสิ่งมหัศจรรย์ ภาพล้อเลียนส่วนใหญ่จะใช้ในงานกราฟิกในหนังสือพิมพ์และนิตยสาร แต่ยังพบสถานที่ด้วยภาพวาดเสียดสี และงานศิลปะพลาสติกขนาดเล็ก ในโปสเตอร์ และแม้กระทั่งในภาพวาดที่ยิ่งใหญ่ สามารถรับชมการ์ตูนได้ในศิลปะพื้นบ้าน

โดยเฉพาะงานพิมพ์ยอดนิยม นักเขียนการ์ตูนที่โดดเด่น ได้แก่ J. Effel (ฝรั่งเศส), H. Bidstrup (เดนมาร์ก), Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov - รัสเซีย)- งานจิตรกรรมขาตั้งที่มีความหมายอิสระ ภาพวาดเป็นงานที่เสร็จสมบูรณ์แล้ว ซึ่งเป็นผลมาจากการทำงานอันยาวนานของศิลปิน ข้อสังเกตทั่วไป ตลอดจนความลึกของแนวคิดและเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง ซึ่งต่างจาก Etude และภาพร่าง เมื่อสร้างภาพ ศิลปินต้องอาศัยธรรมชาติ แต่ในกระบวนการนี้ จินตนาการที่สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญ ประการแรกแนวคิดของการวาดภาพถูกนำไปใช้กับผลงานที่มีลักษณะเป็นโครงเรื่องซึ่งมีพื้นฐานมาจากภาพของเหตุการณ์สำคัญทางประวัติศาสตร์ตำนานหรือสังคมการกระทำของมนุษย์ความคิดและอารมณ์ในองค์ประกอบที่ซับซ้อนหลายรูปแบบ ดังนั้นการทาสีจึงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการทาสี การทาสีประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ, แผ่นไม้หรือโลหะ, ไม้อัด, กระดาษแข็ง, แผ่นกด, พลาสติก, กระดาษ, ผ้าไหม ฯลฯ ) ซึ่งใช้สีรองพื้นและชั้นสี การรับรู้เชิงสุนทรีย์ของภาพวาดจะมีประโยชน์อย่างมากเมื่ออยู่ในกรอบที่เหมาะสม (บาแกตต์) ซึ่งแยกภาพวาดออกจากโลกโดยรอบ จิตรกรรมประเภทตะวันออกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของม้วนกระดาษที่กางออกอย่างอิสระ (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ภาพวาดไม่เหมือนกับภาพวาดขนาดใหญ่ที่ไม่ได้เชื่อมโยงกับการตกแต่งภายในโดยเฉพาะอย่างเคร่งครัด สามารถถอดออกจากผนังและแขวนแบบอื่นได้ จุดสุดยอดของศิลปะเกิดขึ้นได้จากภาพวาดของจิตรกรที่โดดเด่น ในการเคลื่อนไหวที่หลากหลายของลัทธิสมัยใหม่ มีการสูญเสียโครงเรื่องและการปฏิเสธภาพที่เป็นรูปเป็นร่าง ดังนั้นจึงมีการพิจารณาแนวคิดของภาพอีกครั้งอย่างมีนัยสำคัญ ภาพวาดของศตวรรษที่ 20 ที่หลากหลายมากขึ้น เรียกว่าภาพวาด

แกลลอรี่รูปภาพ- พิพิธภัณฑ์ศิลปะที่จัดแสดงผลงานจิตรกรรมโดยเฉพาะหรือส่วนใหญ่ หอศิลป์ยังหมายถึงส่วนจิตรกรรมในพิพิธภัณฑ์ขนาดใหญ่และห้องโถงในพระราชวังที่มีไว้สำหรับสะสมภาพวาด ใน กรีกโบราณที่เก็บภาพวาดมีชื่อว่า Pinakothek ต่อมาได้กลายเป็นชื่อของคอลเลคชันภาพวาดขนาดใหญ่ นั่นคือ หอศิลป์ พิพิธภัณฑ์ศิลปะที่ใหญ่ที่สุดในโลกหลายแห่งได้แก่ หอศิลป์และตั้งชื่อตามแกลเลอรีต่างๆ รวมถึงหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอน หอศิลป์แห่งชาติในกรุงวอชิงตัน รัฐ หอศิลป์ Tretyakovในมอสโก ฯลฯ

แปรง- เครื่องมือของศิลปิน ส่วนใหญ่เป็นของจิตรกร ซึ่งเป็นด้ามจับที่มีขนแปรงอยู่ที่ปลาย แปรงสำหรับการทาสีมักทำจากเส้นผม: แปรงขนแปรง (จากขนหมูขาว), แปรงโคลินสกี้ (จากขนมาร์เทนสีแดง - แปรงโคลินสกี้), แปรงกระรอก, แปรงคุ้ยเขี่ย ฯลฯ สำหรับการวาดภาพสีน้ำสำหรับการทำงาน รายละเอียดเล็กๆ น้อยๆแปรงที่ทำจากขนบางและอ่อนนุ่ม เช่น ขนกระรอก มีความเหมาะสม สำหรับการทาสีด้วย gouache, อุบาทว์, สีน้ำมันเลือกแปรงขนแข็ง ในสมัยก่อน ศิลปินใช้แปรงแบดเจอร์ที่เรียกว่าฟลุต ซึ่งใช้เพื่อทำให้พื้นผิวของสีเรียบขึ้น เพื่อขจัดรอยขีดข่วนที่หลงเหลืออยู่บนสีด้วยแปรงขนแปรง แปรงสามารถกลมและแบนได้ โดยมีขนแปรงสั้นและยาว แข็งและอ่อน แต่ละมือมีปิห์รา (1, 2, 3 ฯลฯ) ยิ่งตัวเลขสูง แปรงก็จะยิ่งใหญ่ขึ้น ปลายผมในแปรงต้องชี้และไม่ตัดออก ควรเลือกผมให้ขนานกันและไม่พองไปด้านข้าง แปรงที่ดีจะยังคงรูปร่างไว้แม้จะล้างด้วยน้ำแล้ว แต่แปรงที่ไม่ดีก็จะคงรูปร่างไว้แม้ว่าจะจุ่มลงในสีแล้วก็ตาม แปรงนี้ไม่เหมาะสำหรับการทาสีเลย เมื่อเร็ว ๆ นี้ ศิลปินนิยมใช้แปรงแบนที่ให้รูปทรงลายเส้นที่ชัดเจนยิ่งขึ้น ปัจจุบันแปรงที่กว้างและแบนเรียกว่าฟลุต ใช้สำหรับทาสีพื้นผิวขนาดใหญ่และรองพื้นผืนผ้าใบ แปรงยังใช้ในกราฟิกและการประดิษฐ์ตัวอักษรอีกด้วย

คิทส์ช(เยอรมัน: Kitsch - สว่าง. แฮ็ค, รสชาติไม่ดี) - ผลิตภัณฑ์หลอกศิลปะที่ตอบสนองรสนิยมทางศิลปะต่ำและความต้องการด้านสุนทรียศาสตร์ที่ยังไม่พัฒนา ศิลปที่ไร้ค่ามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสีสันฉูดฉาด ความผสมผสาน การตกแต่งที่มากเกินไป และการเลียนแบบวัสดุล้ำค่า การสำแดงของศิลปที่ไร้ค่านั้นเป็นไปได้ในงานศิลปะพลาสติกทุกประเภท แต่ส่วนใหญ่มักพบในการผลิตงานศิลปะจำนวนมาก อุตสาหกรรมของที่ระลึก และสื่อมวลชน กราฟิกที่พิมพ์,งานหัตถกรรมทางศิลปะบางประเภท

คลาสสิค(จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) - ในประวัติศาสตร์ศิลปะยุคแห่งศิลปะโบราณที่เพิ่มขึ้นสูงสุดในศตวรรษที่ V-IV พ.ศ จ. ศิลปะคลาสสิกเป็นศิลปะของกรีกโบราณและโรมโบราณในสมัยรุ่งเรือง เช่นเดียวกับศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของยุโรปและลัทธิคลาสสิกซึ่งมีพื้นฐานมาจากประเพณีโบราณโดยตรง ในยุคคลาสสิก คำสั่งทางสถาปัตยกรรมหลักเป็นทางการ ผังเมืองปกติได้รับการพัฒนา และ ประติมากรรมที่ยิ่งใหญ่เชื่อมโยงกับสถาปัตยกรรมอย่างแยกไม่ออก และ ศิลปะการตกแต่ง- สร้างภาพของผู้คนที่มีความสามัคคีกอปรด้วยความงามทางร่างกายและจิตวิญญาณที่เท่าเทียมกัน ประติมากรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดไมรอน, โพลีไคลโตส, ฟิเดียส, แพรซิเตเลส, สโคพาส จิตรกรรม (Polygnotus) ได้รับการพัฒนาอย่างสูงในงานศิลปะคลาสสิก ในศตวรรษที่ 5 พ.ศ จ. งานสถาปัตยกรรมที่สมบูรณ์แบบที่สุดของกรีกโบราณถูกสร้างขึ้น - วิหารของวิหารพาร์เธนอน (สถาปนิก Ictinus และ Kallikrates) และ Erechtheion ซึ่งตั้งอยู่บนอะโครโพลิสในกรุงเอเธนส์โดดเด่นด้วยความสามัคคีทางศิลปะของรายละเอียดทางสถาปัตยกรรมและประติมากรรมทั้งหมด ศิลปะคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับยุครุ่งเรืองของกรุงเอเธนส์และนครรัฐอื่นๆ ซึ่งมีประชาธิปไตยแบบทาส

ลัทธิคลาสสิก(จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) - สไตล์ศิลปะศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 หนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดคือการดึงดูดให้ศิลปะโบราณเป็นแบบจำลองสูงสุดและการพึ่งพาประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง ศิลปะแห่งความคลาสสิคสะท้อนถึงแนวคิดเกี่ยวกับโครงสร้างที่กลมกลืนกันของสังคม แต่ในหลาย ๆ ด้านก็สูญเสียไปเมื่อเปรียบเทียบกับวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ความขัดแย้งระหว่างบุคลิกภาพกับสังคม อุดมคติและความเป็นจริง ความรู้สึกและเหตุผลเป็นพยานถึงความซับซ้อนของศิลปะแห่งความคลาสสิก รูปแบบทางศิลปะของศิลปะคลาสสิกมีลักษณะเฉพาะด้วยการจัดระเบียบที่เข้มงวด ความสมดุล ความชัดเจน และความกลมกลืนของภาพ สถาปัตยกรรมแบบคลาสสิกโดดเด่นด้วยระบบการสั่งซื้อที่ได้รับแรงบันดาลใจจากตัวอย่างโบราณ ความชัดเจนและความถูกต้องทางเรขาคณิตของปริมาตรและเลย์เอาต์ ระเบียง เสา รูปปั้น และภาพนูนต่ำนูนสูงนูนสูงที่โดดเด่นบนพื้นผิวผนัง ผลงานสถาปัตยกรรมชิ้นเอกที่โดดเด่นซึ่งผสมผสานความคลาสสิกและบาโรกเข้าไว้ในสไตล์อันเคร่งขรึมคือพระราชวังและสวนสาธารณะที่แวร์ซายส์ซึ่งเป็นที่ประทับของกษัตริย์ฝรั่งเศส (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17) ในการวาดภาพการพัฒนาเชิงตรรกะของพล็อตองค์ประกอบที่สมดุลที่ชัดเจนการถ่ายโอนปริมาตรที่ชัดเจนด้วยความช่วยเหลือของ chiaroscuro บทบาทรองของสีและการใช้สีท้องถิ่น (N. Poussin, C. Lorrain) ได้รับหลัก ความสำคัญ นอกจากนี้ยังเผยให้เห็นการแบ่งแผนผังที่ชัดเจนในทิวทัศน์โดยใช้สี: พื้นหน้าต้องเป็นสีน้ำตาล ส่วนตรงกลางต้องเป็นสีเขียว และส่วนที่ห่างไกลต้องเป็นสีน้ำเงิน

งานจิตรกรรมที่มีความสำคัญทางศิลปะที่เป็นอิสระและมีคุณสมบัติครบถ้วน (ตรงกันข้ามกับภาพร่างหรือภาพร่าง) ตามกฎแล้วภาพวาดจะไม่เกี่ยวข้องกับระบบการตกแต่งภายในหรือการตกแต่งที่เฉพาะเจาะจงเช่นจิตรกรรมฝาผนังหรือหนังสือขนาดเล็ก ประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ ไม้หรือโลหะ กระดาษแข็ง กระดาษ) สีรองพื้น และชั้นสี

คำจำกัดความที่ยอดเยี่ยม

คำจำกัดความที่ไม่สมบูรณ์ ↓

ภาพวาด

1. ถึง. ( กรีกปินาเก) ได้แก่ กระดานไม้ แผ่นพื้น และกระเบื้องเผา ดินเหนียวหรือหินโลหะ และจานอื่นๆ ที่มีรูปแกะสลักหรือรูปประดับอยู่ หลักฐานที่เก่าแก่ที่สุดคือดินเหนียวจาก Therma (ศตวรรษที่ 7 ก่อนคริสต์ศักราช); จากทรงกลมอิทรุสกัน - แผ่น Boccaner และ Campanian หินโครินเธียนบนดินเหนียวจาก Pendeskuthia และหินบนไม้จาก Pitsa (ศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช) มีรูปแบบที่เล็กกว่า ขนมผสมน้ำยา K. บนหินอ่อนเช่นใน Herculaneum คัดลอกคลาสสิก ตัวอย่าง ภาพวาดฝาผนังโรมัน - กัมปาเนียได้รับการเก็บรักษาไว้ในปริมาณมากซึ่งตามกฎแล้วถือเป็นองค์ประกอบตกแต่งอย่างหนึ่งของจิตรกรรมฝาผนัง สิ่งที่สำคัญที่สุดคือรูปถ่ายครึ่งตัวของผู้ตายที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้อย่างสมบูรณ์แบบในกรณีส่วนใหญ่ ครอบครัวโรมัน ภาพบุคคล ( ละติจูด คำจำกัดความที่ยอดเยี่ยม

คำจำกัดความที่ไม่สมบูรณ์ ↓

จิตรกรรม- งานจิตรกรรมที่มีลักษณะสมบูรณ์ (ตรงข้ามกับภาพร่างหรือภาพร่าง) และความสำคัญทางศิลปะที่เป็นอิสระ ประกอบด้วยฐาน (ผ้าใบ ไม้หรือโลหะ กระดาษแข็ง กระดาษ หิน ผ้าไหม ฯลฯ ) สีรองพื้นและชั้นสี การวาดภาพเป็นศิลปะขาตั้งประเภทหนึ่ง ภาพวาดมีหลายประเภท เมื่อสร้างภาพ ศิลปินต้องอาศัยธรรมชาติ แต่ในกระบวนการนี้ จินตนาการที่สร้างสรรค์มีบทบาทสำคัญ ช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ทั่วยุโรปมีมุมมองใหม่เกี่ยวกับโลกที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา ศิลปินแห่งช่วงเปลี่ยนศตวรรษต้องสอดคล้องกับชีวิตที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา: ไม่ต้องสะท้อนโลกรอบตัวมากนัก (ตอนนี้การถ่ายภาพและภาพยนตร์ทำเช่นนี้) แต่เพื่อให้สามารถแสดงความเป็นตัวของตัวเองได้ โลกภายใน, วิสัยทัศน์ของตัวเอง จุดสุดยอดของศิลปะเกิดขึ้นได้จากภาพวาดของจิตรกรที่โดดเด่น ในการเคลื่อนไหวที่หลากหลายของลัทธิสมัยใหม่ มีการสูญเสียโครงเรื่องและการปฏิเสธภาพที่เป็นรูปเป็นร่าง ดังนั้นจึงมีการพิจารณาแนวคิดของภาพอีกครั้งอย่างมีนัยสำคัญ ศิลปินบางคนจากสำนักจิตรกรรมหลายแห่งได้ละทิ้งการวาดภาพโลก (คน สัตว์ ธรรมชาติ) อย่างที่เราเห็น บนพวกเขา ภาพวาดโลกดูบิดเบี้ยว บางครั้งก็จำไม่ได้เลย เพราะศิลปินถูกนำทางด้วยจินตนาการมากกว่าการรับรู้ด้วยสายตาเกี่ยวกับปรากฏการณ์รอบตัวเรา

ในการพัฒนาจิตรกรรม การวาดภาพมีบทบาทสำคัญ

การทำสำเนาอาจเรียกว่าภาพวาดก็ได้ ถ้าในบริบทที่เกี่ยวข้อง ไม่สำคัญว่าจะเป็นสำเนาหรืองานต้นฉบับ

รูปภาพเป็นรูปเป็นร่างหรือมากกว่านั้น ความหมายทั่วไป- งานศิลปะที่สมบูรณ์และครบถ้วนใดๆ ซึ่งรวมถึงคำอธิบายที่มีชีวิตและชัดเจน ไม่ว่าจะด้วยวาจาหรือลายลักษณ์อักษรเกี่ยวกับมุมมองของธรรมชาติ

การวาดภาพเป็นศิลปะแห่งเครื่องบินและเป็นมุมมองหนึ่ง โดยที่พื้นที่และปริมาตรมีอยู่เพียงภาพลวงตาเท่านั้น การวาดภาพต้องขอบคุณความซับซ้อนของวิธีการมองเห็นที่สามารถสร้างความลึกของพื้นที่ลวงตาและความเป็นจริงทางศิลปะหลายมิติบนเครื่องบินซึ่งอยู่นอกเหนือการเข้าถึงของวิธีการพรรณนาอื่น ๆ ภาพวาดแต่ละภาพทำหน้าที่สองอย่าง - รูปภาพและการตกแต่งที่แสดงออก ภาษาของจิตรกรสามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์เฉพาะกับผู้ที่ตระหนักถึงฟังก์ชั่นการตกแต่งและจังหวะของระนาบภาพเท่านั้น

ในการรับรู้เชิงสุนทรีย์ ฟังก์ชั่นทั้งหมดของภาพ (ทั้งการตกแต่ง ระนาบ และภาพ เชิงพื้นที่) จะต้องมีส่วนร่วมพร้อมกัน การรับรู้และเข้าใจภาพอย่างถูกต้องหมายถึงการมองเห็นพื้นผิว ความลึก รูปแบบ จังหวะ และภาพไปพร้อมกันอย่างแยกไม่ออก

การรับรู้เชิงสุนทรีย์ของภาพวาดจะมีประโยชน์อย่างมากเมื่ออยู่ในกรอบที่เหมาะสมซึ่งแยกภาพวาดออกจากโลกโดยรอบ จิตรกรรมประเภทตะวันออกยังคงรักษารูปแบบดั้งเดิมของม้วนกระดาษที่กางออกอย่างอิสระ (แนวนอนหรือแนวตั้ง) ภาพวาดไม่เหมือนกับภาพวาดขนาดใหญ่ที่ไม่ได้เชื่อมโยงกับการตกแต่งภายในโดยเฉพาะอย่างเคร่งครัด สามารถถอดออกจากผนังและแขวนแบบอื่นได้

ความลึกของพื้นที่ลวงตาของภาพวาด

ศาสตราจารย์ริชาร์ด เกรกอรีได้บรรยายถึง "คุณสมบัติแปลกๆ ของภาพเขียน" ว่า "ภาพเขียนเป็นวัตถุประเภทหนึ่งที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวเพราะมองเห็นได้ในตัวของมันเองพร้อมๆ กัน และเป็นสิ่งที่ค่อนข้างแตกต่างจากกระดาษแผ่นเดียวที่ใช้วาด รูปภาพมีความขัดแย้ง ไม่มีวัตถุใดสามารถอยู่ในสองแห่งในเวลาเดียวกันได้ ไม่มีวัตถุใดที่สามารถเป็นได้ทั้งสองมิติและสามมิติ และนี่คือวิธีที่เราเห็นรูปภาพ ภาพวาดมีขนาดที่แน่นอนมากและในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นขนาดที่แท้จริงของใบหน้ามนุษย์ อาคาร หรือเรือ ภาพวาดเป็นวัตถุที่เป็นไปไม่ได้

ความสามารถของบุคคลในการตอบสนองต่อสถานการณ์ในจินตนาการที่ขาดหายไปซึ่งแสดงไว้ในภาพวาดเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาการคิดเชิงนามธรรม"

ภาพวาดถูกสร้างขึ้นอย่างไร

รูปภาพก็คือ โลกฝ่ายวิญญาณศิลปิน ประสบการณ์และความรู้สึกของเขาที่แสดงออกมาบนผืนผ้าใบหรือกระดาษ เป็นการยากที่จะอธิบายว่าภาพเขียนถูกสร้างขึ้นอย่างไร - ควรดูด้วยตัวเองจะดีกว่า เป็นไปไม่ได้ที่จะถ่ายทอดเป็นคำพูดว่าศิลปินวาดภาพบนผืนผ้าใบอย่างไรแปรงชนิดใดที่เขาสัมผัสผืนผ้าใบสีใดที่เขาเลือก ระหว่างทำงาน ทุกสิ่งจะกลายเป็นหนึ่งเดียวกัน ทั้งศิลปิน พู่กัน และผืนผ้าใบ และหลังจากการแปรงครั้งแรก ความมหัศจรรย์พิเศษของการวาดภาพก็เริ่มทำงานในสตูดิโอ

ภาพวาดไม่ได้เป็นเพียงผืนผ้าใบที่ทาสีเท่านั้น แต่ยังส่งผลต่อความรู้สึกและความคิด ทิ้งร่องรอยไว้บนจิตวิญญาณ และปลุกลางสังหรณ์

รูปภาพถูกสร้างขึ้นมาอย่างไร?

ดูเหมือนมีสี พู่กัน บนผืนผ้าใบ อาจมีคำตอบที่เป็นสากลอีกข้อหนึ่ง: ในรูปแบบที่ต่างกัน

วิธีการวาดภาพมีการเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาตลอดประวัติศาสตร์ศิลปะ ศิลปินในยุคเรอเนซองส์ของอิตาลีทำงานแตกต่างไปจาก Rembrandt หรือ "ชาวดัตช์ตัวน้อย" ของศตวรรษที่ 17 อย่างสิ้นเชิง งานแนวโรแมนติก - แตกต่างจากศิลปินแนวอิมเพรสชั่นนิสต์ นักนามธรรม และศิลปินสัจนิยมร่วมสมัย และภายในยุคเดียวกันและแม้แต่ทิศทางเดียวคุณก็จะพบกับความหลากหลายมากมาย

ศิลปินสัจนิยมทั้งในอดีตและปัจจุบัน (ถ้าเราเข้าใจความสมจริงในความหมายกว้างๆ ของคำนี้) มีสิ่งที่เหมือนกันดังต่อไปนี้:

การสร้างผลงานที่เต็มเปี่ยม ในกรณีนี้คือภาพวาด ภาพบุคคล หรือภูมิทัศน์ เป็นไปไม่ได้หากปราศจากการศึกษาชีวิตอย่างลึกซึ้งและทัศนคติที่กระตือรือร้นของผู้เขียนที่มีต่องานนั้น ความหมายของความรู้ทางศิลปะของชีวิตคืองานจากชีวิต การแสดงภาพ การวิเคราะห์และการสังเคราะห์ปรากฏการณ์ของชีวิต

การสร้างภาพวาดเป็นกระบวนการสร้างสรรค์ที่ซับซ้อนและใช้แรงงานเข้มข้น ซึ่งผลลัพธ์ไม่ได้ถูกกำหนดโดยเวลาที่ใช้ไป แต่โดยการวัดความสามารถ ทักษะ ตลอดจนความแข็งแกร่งและประสิทธิผลของโซลูชันเชิงเปรียบเทียบดั้งเดิมของศิลปิน เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญที่สุดในกระบวนการนี้คือการเริ่มต้นและการทำให้แนวคิดเป็นรูปธรรม การสังเกตโดยตรง ภาพร่าง ภาพร่างจากธรรมชาติ การวาดภาพจริงของภาพด้วยการประมวลผลวัสดุแห่งชีวิตที่สร้างสรรค์และกระตือรือร้นอย่างแน่นอน

และเมื่อผู้ชมเข้าใกล้ภาพวาดในพิพิธภัณฑ์หรือในนิทรรศการก่อนที่จะตัดสินใจเกี่ยวกับภาพวาดนั้น เขาต้องจำไว้ว่าเบื้องหลังภาพวาดนั้นมักมีคนมีชีวิตอยู่เสมอ ศิลปินที่ลงทุนชิ้นหนึ่งของชีวิต หัวใจ เส้นประสาท ความสามารถและทักษะในการทำงาน เราสามารถพูดได้ว่าภาพวาดคือความฝันของศิลปินที่เป็นจริง

จี.เอส. ออสโตรฟสกี้

ความสมบูรณ์ของภาพ

ในชีวิตมีหลายสิ่งหลายอย่างเกิดขึ้นโดยบังเอิญ - ในภาพไม่มีอุบัติเหตุเช่นนี้ ทุกอย่างในนั้นจะต้องทำให้เสร็จอย่างมีเหตุผล การวาดภาพเสร็จสมบูรณ์ ณ จุดใด?

พู่กันอิมพาสโตอันเชี่ยวชาญของ Rembrandt ซึ่งมีมูลค่าสูงในเวลาต่อมาและในสมัยของเรา ทำให้เกิดความสับสนในหมู่คนรุ่นเดียวกันของ Rembrandt เท่านั้น และก่อให้เกิดการเยาะเย้ยและมีไหวพริบเกี่ยวกับเขา แรมแบรนดท์คัดค้านนักวิจารณ์ของเขาโดยท้าทายความถูกต้องของความเข้าใจของพวกเขาเกี่ยวกับความสมบูรณ์ของภาพวาดโดยเปรียบเทียบกับความเข้าใจของเขาเองซึ่งเขากำหนดในลักษณะนี้: ภาพวาดควรถือว่าเสร็จสิ้นเมื่อศิลปินพูดทุกสิ่งที่เขาต้องการในนั้น . เพื่อไม่ให้ได้ยินคำถามที่น่ารำคาญเกี่ยวกับ "ความไม่สมบูรณ์" ของภาพวาดของเขา Rembrandt จึงหยุดอนุญาตให้ผู้เยี่ยมชมสตูดิโอของเขาที่ไร้เดียงสาซึ่งมองด้วยความอยากรู้อยากเห็นในจังหวะที่กล้าหาญของภาพวาดของเขาเข้ามาใกล้พวกเขาทำให้พวกเขาตกใจกับความจริง ไม่ควรเข้าใกล้ภาพวาดมากเกินไปเนื่องจากการดมกลิ่นสีนั้นเป็นอันตรายต่อสุขภาพ

Matisse เกี่ยวกับภาพวาดของเขา:

“ฉันแค่พยายามใส่สีที่แสดงความรู้สึกของฉันลงบนผืนผ้าใบ สัดส่วนของโทนสีที่ต้องการสามารถบังคับให้ฉันเปลี่ยนรูปร่างของร่างหรือเปลี่ยนองค์ประกอบได้ จนกว่าฉันจะได้สัดส่วนนี้ในทุกส่วนของภาพ” มองหามันและทำงานต่อไป จากนั้นเวลาก็มาถึง เมื่อทุกส่วนได้รับความสัมพันธ์ครั้งสุดท้าย จากนั้นฉันก็ไม่สามารถสัมผัสภาพนั้นได้โดยไม่ต้องทำซ้ำอีกครั้ง"

เริ่มต้นจากอิมเพรสชันนิสต์โดยประมาณ ประเภทของการวาดภาพ รูปแบบและสีมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด หลอมรวมกัน ดูเหมือนจะเป็นกระบวนการที่ต่อเนื่องกัน: การวาดภาพและสี การสร้างแบบจำลองและองค์ประกอบ โทนสีและเส้นปรากฏและพัฒนาราวกับว่าในเวลาเดียวกัน กระบวนการวาดภาพสามารถดำเนินต่อไปได้เรื่อย ๆ ช่วงเวลาของการตกแต่งงานนั้นค่อนข้างมีเงื่อนไข: ที่ใดก็ได้บนผืนผ้าใบที่ศิลปินสามารถดำเนินการต่อได้โดยใช้ลายเส้นใหม่กับลายเส้นที่คล้ายกันซึ่งอยู่ต่ำกว่า ตัวแทนที่โดดเด่นและสม่ำเสมอที่สุดของระบบนี้คือ Cezanne ในจดหมายและบทสนทนาที่บันทึกไว้ เขาได้กำหนดวิธีการวาดภาพแบบผสมผสานนี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกอย่างถูกต้องและไม่แตกต่าง งานจิตรกรรมสามารถถูกขัดจังหวะได้ตลอดเวลา แต่งานจะไม่สูญเสียคุณค่าทางสุนทรีย์ ภาพวาดพร้อมทุกเมื่อ

ความเชื่อมโยงระหว่างพื้นที่ภาพของภาพวาดและพื้นที่จริง

ศิลปินและนักทฤษฎีศิลปะ V. A. Favoritesky ในหลักสูตรทฤษฎีองค์ประกอบเน้นย้ำว่างานศิลปะที่แท้จริงตั้งแต่แรกเกิดนั้นมีอยู่ในการดำรงอยู่แบบคู่: ในฐานะวัตถุในพื้นที่โดยรอบและเป็นโลกที่ค่อนข้างปิดซึ่งมีพื้นที่ของตัวเอง -ความสัมพันธ์ชั่วคราว ในการวาดภาพ เป้าหมายนี้บรรลุผลได้โดยการประสานโครงสร้างภายในของภาพกับกรอบ ในประติมากรรม - กับพื้นที่โดยรอบ (ตัวอย่างคลาสสิก: รูปปั้นในช่อง)

ในการเชื่อมต่อพื้นที่ภาพกับพื้นที่จริงที่ผู้ชมตั้งอยู่ จะใช้กรอบรูป ศิลปินยังเล่นกับ "การสร้างเฟรมขึ้นมาใหม่" หลายๆ แบบในภาพ สัมผัสภาพ การทำซ้ำในแนวตั้งและแนวนอน หนึ่งในเทคนิคที่เป็นลักษณะเฉพาะที่ช่วยให้คุณ "เสริมความแข็งแกร่ง" ให้กับรูปภาพภายในขอบเขตของรูปแบบสี่เหลี่ยมได้ทางสายตาคือ "มุมเอียง" การแยกภาพวาดออกจากสถาปัตยกรรมทำให้เกิดระบบการรับรู้ภาพเขียนแบบขาตั้ง เนื้อหาหลักของภาพคือการแสดงออกถึงการเป็นตัวแทนพื้นที่แบบองค์รวม การจัดองค์ประกอบภาพถูกแปลงเป็นนิทรรศการที่ผู้ชมยืนอยู่ต่อหน้าโลกที่เปลี่ยนแปลงไปของความสัมพันธ์เชิงพื้นที่และมิติเวลา และมองเห็นตัวเองอยู่ในนั้นราวกับอยู่ในกระจก นี่คือวิธีที่กระจกใสจากยุคเรอเนซองส์กลายเป็นกระจกจากยุคคลาสสิกและบาโรก ศิลปะแห่งยุคหลังเรอเนซองส์มีลักษณะเฉพาะด้วยการเล่นกับเงาสะท้อนในกระจก โดยนำบุคคลไกล่เกลี่ยมาประกอบในการจัดองค์ประกอบของภาพ บุคคลที่ใช้ตำแหน่ง จ้องมอง หรือแสดงท่าทางมือ เพื่อระบุการกระทำที่เกิดขึ้นในส่วนลึกของภาพ ภาพเหมือนเชิญชวนให้เข้าไป นอกจากกรอบแล้ว ในการจัดองค์ประกอบดังกล่าวยังมีส่วนหน้าของเวทีอีกด้วย - ส่วนหน้าของเวที ปีก จากนั้นพื้นตรงกลางที่มีฉากหลักเกิดขึ้น และพื้นหลัง - "ฉากหลัง"

ศิลปินมักจะวางบุคคลสำคัญไว้ในแผนตรงกลางของภาพเขียน โดยวางไว้ในแนวจิตเหมือนบนแท่น ความลึกของ "เลเยอร์เชิงพื้นที่" ขึ้นอยู่กับตำแหน่งของเส้นแนวนอนอ้างอิงนี้ (ในแง่แผนผัง - ด้านบนหรือด้านล่างสัมพันธ์กับขอบล่างของกรอบรูป) โดยการวางแนวนอนขึ้นซ้ำๆ จิตรกรจะสร้างจังหวะการเคลื่อนไหวที่แน่นอนในส่วนลึกของพื้นที่จินตนาการ ด้วยเหตุนี้แม้บนผืนผ้าใบขนาดเล็กคุณก็สามารถพรรณนาพื้นที่ได้ทุกขอบเขตด้วยตัวเลขและวัตถุจำนวนเท่าใดก็ได้ ในนิทรรศการดังกล่าวจำเป็นต้องดึงดูดความสนใจของผู้ชมเป็นพิเศษว่าวัตถุบางชิ้นอยู่ใกล้กว่าและบางชิ้นอยู่ไกลออกไป สำหรับสิ่งนี้ มีการใช้ "พอยน์เตอร์": การลดเปอร์สเปคทีฟ, การแนะนำจุดสังเกตขนาด (บุคคลเล็กๆ ในพื้นหลัง), แผนผังที่ทับซ้อนกัน, คอนทราสต์ของโทนสี, เงาที่ตกจากแหล่งกำเนิดแสงทั้งภายในและภายนอกภาพ จุดอ้างอิงอีกจุดสำหรับการเคลื่อนไหวทางจิตของผู้ดูในพื้นที่ของภาพคือเส้นทแยงมุม จุดหลักคือ "เส้นทแยงมุมทางเข้า" (ปกติจากซ้ายไปขวา)

จิตรกรรมภายในภาพวาด

รูปภาพในภาพ

สามารถใช้ "รูปภาพในภาพ" ในฟังก์ชันการจัดองค์ประกอบพิเศษได้ องค์กรที่มีลำดับชั้นที่คล้ายกันจะแสดงในกรณีของการพรรณนาภาพวาดภายในภาพวาด (เช่นเดียวกับจิตรกรรมฝาผนังในภาพวาดฝาผนัง ฯลฯ )

"ภาพภายในภาพ" - เทคนิคการเรียบเรียงพบได้ในศิลปะการวาดภาพคลาสสิกของศตวรรษที่ 16-17 รูปภาพภายในรูปภาพสามารถมอบความหมายที่ซ่อนอยู่เป็นพิเศษได้

เทคนิคการจัดองค์ประกอบภาพ "รูปภาพภายในภาพ" สามารถทำงานได้หลายอย่าง:

• แสดงความคิด
• อธิบายเนื้อเรื่อง
• ตรงกันข้ามหรือสร้างความสามัคคี
• เพื่อเป็นรายละเอียดของการตกแต่ง(ภายใน)

บ่อยครั้งที่ภาพของพื้นหลังในภาพวาดสามารถเข้าใจได้ว่าเป็นภาพวาดชนิดหนึ่งในภาพวาดนั่นคือ ภาพที่เป็นอิสระสร้างขึ้นตามกฎหมายพิเศษของตนเอง ในเวลาเดียวกัน ภาพของพื้นหลังในระดับที่ใหญ่กว่าภาพของตัวเลขในแผนหลักนั้นอยู่ภายใต้งานตกแต่งล้วนๆ เราสามารถพูดได้ว่าสิ่งที่มักปรากฎในที่นี้ไม่ใช่โลกเอง แต่เป็น การตกแต่งของโลกนี้ กล่าวคือ ไม่ใช่ภาพที่นำเสนอ แต่เป็นภาพของภาพนี้

ในบรรดาชาวดัตช์แผนที่ทางภูมิศาสตร์โครงสร้างบังตาที่เป็นช่องภาพวาดหน้าต่างที่เปิดอยู่เป็นภาพที่รวมอยู่ในภาพขยายขอบเขตของโลกหรือให้บริการเพื่อพัฒนาความหมายเชิงเปรียบเทียบของโครงเรื่องหลัก เวอร์เมียร์เปิดม่านเวิร์กช็อปของเขาออก และกลายเป็นผู้นำทางผ่านความเป็นจริงสามระดับ: พื้นที่ของผู้ดู พื้นที่เวิร์กช็อปของเขา พื้นที่ งานศิลปะ(ของผืนผ้าใบที่วางอยู่บนขาตั้ง) เปรียบเสมือนการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้เป็นการล่องเรือข้ามมหาสมุทรที่ทำเครื่องหมายไว้ในแผนที่ทางภูมิศาสตร์หรือการบินเหนือดินแดนบนแผนที่

การไหลของความเป็นจริง - ศิลปะ - ตำนานสามารถสังเกตได้ใน Velazquez ซึ่งเต็มใจหันไปใช้เทคนิค "ภาพภายในภาพวาด" ดังตัวอย่างโดย "Las Meninas" และ "Spinners"

“ภาพวาดภายในภาพวาด” ยังพบได้ใน “Venus before a Mirror” ของ Velazquez เช่นกัน แต่กระจกที่มีหมอกหนาจะสะท้อนเพียงเงาของเทพีแห่งความรักเท่านั้น

ภาพและกรอบ

รูปภาพใดๆ ที่สร้างโดยศิลปิน ยกเว้นภาพวาดบนหินโบราณ จะต้องมีกรอบ การจัดเฟรมเป็นส่วนที่จำเป็นและสำคัญขององค์ประกอบ เฟรมสามารถอยู่ในระนาบเดียวกับที่ใช้สร้างองค์ประกอบภาพหรือกราฟิก นอกจากนี้ยังสามารถสร้างขึ้นโดยเฉพาะเป็นรูปแบบบรรเทาทุกข์ด้วยความช่วยเหลือขององค์ประกอบตกแต่งประติมากรรมและสถาปัตยกรรม เฟรมที่พบบ่อยที่สุด รูปร่างสี่เหลี่ยมค่อนข้างบ่อยน้อยกว่า - กลมและวงรี

เฟรมช่วยแยกแยะภาพวาดจากสภาพแวดล้อมว่าเป็นสิ่งที่พิเศษและควรค่าแก่การเอาใจใส่ แต่ในขณะเดียวกันก็เชื่อมโยงภาพวาดกับสิ่งแวดล้อม ดังนั้นหากสไตล์ของกรอบสอดคล้องกับรูปลักษณ์ทางศิลปะ โครงสร้าง และลักษณะของการตกแต่งภายในที่ภาพวาดตั้งอยู่ สิ่งนี้จะก่อให้เกิดความสมบูรณ์ของวงดนตรี กรอบมีอิทธิพลอย่างมากทั้งนี้ขึ้นอยู่กับสีความอิ่มตัวของรายละเอียดการตกแต่งและประติมากรรม ความประทับใจทั่วไปจากภาพอันงดงาม ทั้งหมดนี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความสามัคคีของภาพและกรอบซึ่งแน่นอนว่าการจัดเฟรมทำงานไม่ใช่ฟังก์ชั่นหลัก แต่จำเป็นมาก

เส้นทางสู่การพัฒนาภาพวาดขาตั้งนั้นซับซ้อน ความสำเร็จครั้งสำคัญในประวัติศาสตร์คือการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคเรอเนซองส์! สิ่งที่สำคัญที่สุดคือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความแข็งแกร่งและเป็นนามธรรมของภาพไอคอนที่ครอบงำในยุคกลาง ประมาณศตวรรษที่ 14 ภาพวาดในความหมายสมัยใหม่ของคำนี้ถือกำเนิดขึ้น และมีกรอบปรากฏขึ้น โดยยังคงแต่งกายด้วยลูกไม้ที่ตกแต่งแบบโกธิก

เฟรมแรกไม่ได้ตรงข้ามกับภาพทั้งหมดโดยสิ้นเชิงและไม่ได้แยกออกจากภาพ วัสดุของทั้งสองมีความคล้ายคลึงกัน การปิดทองพื้นหลังตามปกติ เช่น ไอคอนรัสเซียหรือไบแซนไทน์โบราณ ถ่ายโอนไปยังเฟรม และภาพเองก็มักจะ "กระเซ็น" ลงบนเฟรม จากนั้นขอบเขตระหว่างภาพกับกรอบก็เริ่มเป็นที่รู้จักมากขึ้นเรื่อยๆ กรอบนี้ยังคงสีทองเอาไว้เพื่อเป็นความทรงจำของศตวรรษก่อนๆ เมื่อพื้นหลังสีทองซึ่งแสดงถึงโลกแห่งพระเจ้าหายไปจากภาพวาด การปิดทองของกรอบก็เริ่มถูกมองว่าเป็นคุณลักษณะที่จำเป็นของกรอบ ซึ่งช่วยเน้นภาพวาดในห้องและ ดึงดูดสายตาของผู้ชมให้เข้ามา

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาความคิดในการวาดภาพโดยมองโลกผ่านหน้าต่างนั้นมีชัยกรอบพร้อมรูปแบบของมันบ่งบอกถึงแนวคิดที่มีอยู่อย่างชัดเจนและตอบสนองต่อมัน กรอบอันงดงามและเคร่งขรึมเหล่านี้สร้างขึ้นตามภาพวาดของศิลปินในเวิร์กช็อปพิเศษหรือโดยผู้ช่วยของศิลปินที่ทำงานในเวิร์กช็อปของเขา

ในช่วงยุคเรอเนซองส์ ภาพวาดถูกเปรียบเทียบอย่างต่อเนื่องกับกระจกที่สะท้อนความเป็นจริง และกรอบซึ่งสร้างขึ้นเหมือนกรอบกระจกประดับ ได้เน้นย้ำการเปรียบเทียบนี้เพิ่มเติม กรอบนี้ไม่เพียงแต่ทำจากแผ่นไม้และปูนปลาสเตอร์เท่านั้น แต่ยังทำจากวัสดุล้ำค่าด้วย เช่น เงิน งาช้าง มาเธอร์ออฟเพิร์ล ฯลฯ ความล้ำค่าของวัสดุดูเหมือนจะสอดคล้องกับความล้ำค่าของภาพวาดและเสริมประสิทธิภาพ

ปรมาจารย์คนเก่าใส่ใจกับเฟรมมากโดยคำนึงถึงผลกระทบในระหว่างกระบวนการทำงานบางครั้งก็ถึงกับทาสีในกรอบที่เสร็จแล้วโดยคำนึงถึงโทนสีและจังหวะการตกแต่งของเฟรม ดังนั้น การเรียบเรียงโดยปรมาจารย์ในสมัยก่อนมักจะได้รับประโยชน์อย่างมากจากเฟรมดั้งเดิมของพวกเขา

การสังเกตกรอบของปรมาจารย์ในสมัยก่อนช่วยให้เราสามารถสร้างหลักการอีกประการหนึ่งได้ - ความสอดคล้องระหว่างโปรไฟล์และความกว้างของกรอบและขนาดของภาพ ตัวอย่างเช่น จิตรกรชาวดัตช์เคยแทรกภาพวาดขนาดเล็กของตนลงในกรอบขนาดใหญ่ที่มีความลึก โปรไฟล์แนวตั้งซึ่งเหมือนเดิมนำสายตาไปที่กึ่งกลางของภาพและแยกเธอออกจากอิทธิพลของสภาพแวดล้อม

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เริ่มมีเสียงเรียกร้องให้ละทิ้งเฟรมต่างๆ โดยสิ้นเชิง เนื่องจากเป็นสิ่งที่มีเนื้อหามากเกินไป ซึ่งเป็นการ "วางรากฐาน" จิตวิญญาณของศิลปะ ศิลปินแนวหน้าหลายคนที่เอาใจใส่เสียงเรียกร้องดังกล่าวจึงเริ่มแสดงผลงานของตนโดยไม่มีกรอบ อย่างไรก็ตามด้วยนวัตกรรมนี้ ผลงานของพวกเขาจึงหยุดเป็นภาพวาดในความหมายที่เข้มงวดของคำนี้ สิ่งเหล่านี้คือ "วัตถุ" "จุด" บางชนิดซึ่งมักไม่มีความหมายที่ชัดเจน

แม้ว่าตอนนี้จะไม่มีใครออกแบบเฟรมแบบใดแบบหนึ่ง แต่อย่างที่เคยเป็นมา มีความสอดคล้องของเฟรมกับสไตล์ของแต่ละบุคคลของศิลปินมากกว่าเมื่อก่อน

ใน เมื่อเร็วๆ นี้ในนิทรรศการศิลปะ คุณจะสังเกตได้ว่าความเฉื่อยในการออกแบบเฟรม (ปล่อยให้เป็น แต่แบบไหนที่ไม่สำคัญ) ซึ่งแสดงออกมาในหมู่ศิลปินของเราในอดีตกำลังเริ่มถูกเอาชนะ เฟรมถูกทาสีด้วยสีที่ต่างกัน มักวางรูปภาพเพิ่มเติมขนาดเล็กและจารึกไว้ ประติมากรช่วยจิตรกร - เฟรมที่มีลวดลายพลาสติกที่หลากหลายปรากฏขึ้น

รูปแบบของภาพวาด

อย่างไรก็ตาม มีองค์ประกอบเฉพาะสองประการของภาพที่ดูเหมือนจะสร้างการเปลี่ยนแปลงจากระนาบไปสู่ภาพ ซึ่งมีทั้งความเป็นจริงของภาพและเรื่องแต่งไปพร้อมๆ กัน นั่นคือ รูปแบบและกรอบ อาจดูเหมือนว่ารูปแบบของภาพวาดเป็นเพียงเครื่องมือของศิลปิน แต่ไม่ใช่การแสดงออกโดยตรงของแนวคิดเชิงสร้างสรรค์ของเขา เพราะท้ายที่สุดแล้ว ศิลปินเลือกเพียงรูปแบบเท่านั้น ในขณะเดียวกัน ธรรมชาติของรูปแบบมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับโครงสร้างภายในทั้งหมดของงานศิลปะ และมักจะชี้ให้เห็นถึงวิธีที่ถูกต้องในการทำความเข้าใจความตั้งใจของศิลปินด้วยซ้ำ ตามกฎแล้วจะมีการเลือกรูปแบบก่อนที่จิตรกรจะเริ่มทำงาน แต่มีศิลปินจำนวนหนึ่งที่รู้จักกันดีซึ่งชอบเปลี่ยนรูปแบบของภาพวาดในขณะที่ทำงาน ไม่ว่าจะตัดชิ้นส่วนออกหรือเพิ่มชิ้นใหม่ (Velasquez เต็มใจที่จะทำเช่นนี้เป็นพิเศษ)

รูปแบบที่พบบ่อยที่สุดสำหรับการวาดภาพคือรูปสี่เหลี่ยม โดยสี่เหลี่ยมจัตุรัสบริสุทธิ์จะพบได้น้อยกว่ารูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่ยาวขึ้นหรือออกด้านนอกไม่มากก็น้อย บางยุคสมัยใช้รูปแบบกลม (ทอนโด) หรือวงรี การเลือกรูปแบบไม่ใช่การสุ่ม รูปแบบมักจะเผยให้เห็นความเชื่อมโยงที่ลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติทั้งกับเนื้อหาของงานศิลปะ โทนสีทางอารมณ์ และองค์ประกอบของภาพ ซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ของศิลปินแต่ละคนได้อย่างชัดเจนเท่าเทียมกัน และรสชาติแห่งยุคสมัยทั้งหมด เรารู้สึกถึงความเชื่อมโยงเชิงสาเหตุที่ซ่อนอยู่ระหว่างรูปแบบและความตั้งใจของศิลปินก่อนภาพวาดแต่ละภาพ ซึ่งมีเสน่ห์ของงานศิลปะที่แท้จริงเล็ดลอดออกมา มีภาพวาดหลายภาพที่มีเนื้อหาเกี่ยวพันกับธรรมชาติของรูปแบบมากจนการเปลี่ยนแปลงสัดส่วนเพียงเล็กน้อยอาจทำให้ความสมดุลของโวหารและอุดมการณ์ของภาพวาดแย่ลง

โดยทั่วไปรูปแบบแนวนอนที่ยาวจะเหมาะกับการจัดองค์ประกอบการเล่าเรื่องมากกว่าสำหรับการพัฒนาการเคลื่อนไหวตามลำดับที่ผ่านผู้ชม ดังนั้น ศิลปินที่มีความคิดแบบยิ่งใหญ่และมุ่งมั่นในการจัดองค์ประกอบภาพและการกระทำจึงหันมาใช้รูปแบบนี้ทันที ตัวอย่างเช่น จิตรกรชาวอิตาลีในช่วงศตวรรษที่ 14 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 (โดยเฉพาะในการประพันธ์ภาพปูนเปียก) ในทางตรงกันข้ามรูปแบบสี่เหลี่ยมจัตุรัสหรือรูปแบบที่ความสูงค่อนข้างเหนือกว่าความกว้างจะหยุดไดนามิกของการกระทำทันทีและทำให้องค์ประกอบมีลักษณะของการเป็นตัวแทนที่เคร่งขรึม - มันเป็นรูปแบบประเภทนี้ที่ปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงต้องการ สำหรับภาพเขียนแท่นบูชา ("The Sistine Madonna") ในทางกลับกันด้วยความโดดเด่นของความสูงมากกว่าความกว้างองค์ประกอบจึงได้รับไดนามิกอีกครั้งแรงผลักดันที่แข็งแกร่ง แต่คราวนี้ขึ้นหรือลง รูปแบบที่แคบดังกล่าวเป็นที่ชื่นชอบของชนชั้นสูง การตกแต่ง (Crivelli) หรือศิลปินที่มีจิตใจลึกลับ (Mannerists, Greco) โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่พยายามรวบรวมอารมณ์และอารมณ์บางอย่าง

ความเชื่อมโยงระหว่างรูปแบบและอารมณ์ส่วนตัวของศิลปินก็ปฏิเสธไม่ได้เช่นกัน จินตนาการที่เย้ายวนและมีพลังของรูเบนส์ต้องการรูปแบบที่ใหญ่กว่าจินตนาการทางจิตวิญญาณที่ควบคุมไม่ได้ของแรมแบรนดท์ ในที่สุด รูปแบบจะขึ้นอยู่กับเทคนิคการลงสีโดยตรง ยิ่งลายเส้นของศิลปินกว้างและอิสระมากขึ้นเท่าใด ความต้องการรูปแบบขนาดใหญ่ก็จะยิ่งเป็นธรรมชาติมากขึ้นเท่านั้น