ดนตรีประเภทหนึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์องค์ประกอบของวัฒนธรรมดนตรีสองวัฒนธรรม - ยุโรปและแอฟริกา องค์ประกอบของแอฟริกันสามารถสังเกตได้หลายจังหวะการทำซ้ำของแรงจูงใจหลักการแสดงออกทางเสียงการแสดงด้นสดซึ่งแทรกซึมเข้าไปในดนตรีแจ๊สพร้อมกับรูปแบบทั่วไปของนิทานพื้นบ้านดนตรีนิโกร - การเต้นรำในพิธีกรรมเพลงทำงานจิตวิญญาณและบลูส์

คำ "แจ๊ส"เดิมที "วงดนตรีแจ๊ส"เริ่มใช้ในช่วงกลางทศวรรษที่ 1 ของศตวรรษที่ 20 ในรัฐทางใต้ หมายถึง ดนตรีที่สร้างขึ้นโดยวงดนตรีเล็กๆ ในนิวออร์ลีนส์ (ประกอบด้วยทรัมเป็ต คลาริเน็ต ทรอมโบน แบนโจ ทูบาหรือดับเบิลเบส กลองและเปียโน) ในกระบวนการด้นสดโดยรวมในธีมของบลูส์ แร็กไทม์ และเพลงยอดนิยมของยุโรป เพลงและการเต้นรำ

หากต้องการทำความคุ้นเคยคุณสามารถฟังและ เซซาเรีย เอโวรา, และ, , และอื่นๆ อีกมากมาย

แล้วมันคืออะไร แอซิดแจ๊ส- นี่คือสไตล์ดนตรีแนวฟังกี้ที่มีองค์ประกอบในตัวของแจ๊ส ฟังค์ยุค 70 ฮิปฮอป โซล และสไตล์อื่นๆ สามารถสุ่มตัวอย่าง สามารถมีชีวิตอยู่ และอาจเป็นส่วนผสมของสองอย่างสุดท้าย

ส่วนใหญ่, แอซิดแจ๊สให้ความสำคัญกับดนตรีมากกว่าข้อความ/คำ นี่คือดนตรีคลับที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้คุณเคลื่อนไหว

ซิงเกิลแรกในสไตล์ แอซิดแจ๊สเคยเป็น “เฟรดเดอริกยังคงนิ่งอยู่”, ผู้เขียน กัลลิอาโน- นี่เป็นเวอร์ชันหน้าปกของงาน เคอร์ติส เมย์ฟิลด์ "Freddie's Dead"จากภาพยนตร์ "ซุปเปอร์ฟลาย".

มีส่วนช่วยอย่างมากในการส่งเสริมและสนับสนุนสไตล์ แอซิดแจ๊สมีส่วนร่วม จิลส์ ปีเตอร์สันที่เป็นดีเจในรายการ KISS FM เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ค้นพบ แอซิดแจ๊สฉลาก ในช่วงปลายยุค 80 - ต้นยุค 90 นักแสดงหลายคนปรากฏตัว แอซิดแจ๊สซึ่งก็เหมือนกับทีม "สด" - ,กัลลิอาโน,จามิโรไคว,ดอน เชอร์รีและโครงการสตูดิโอ - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, ภายนอก,และ องค์การยูไนเต็ดฟิวเจอร์.

แน่นอนว่านี่ไม่ใช่สไตล์ของดนตรีแจ๊ส แต่เป็นวงดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่ง แต่ก็ยังรวมอยู่ในตารางเพราะแจ๊สใด ๆ ที่แสดงโดย "วงดนตรีขนาดใหญ่" โดดเด่นมากจากภูมิหลังของนักแสดงแจ๊สแต่ละคนและ กลุ่มเล็กๆ
จำนวนนักดนตรีในวงดนตรีขนาดใหญ่มักมีตั้งแต่สิบถึงสิบเจ็ดคน
ก่อตั้งขึ้นในช่วงปลายทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ประกอบด้วย วงออเคสตราสามกลุ่ม: แซ็กโซโฟน - คลาริเน็ต(ม้วน) ทองแดง เครื่องมือลม (ทองเหลือง ต่อมากลุ่มแตรและทรอมโบนก็เกิดขึ้น) ส่วนจังหวะ(ท่อนจังหวะ - เปียโน, ดับเบิลเบส, กีตาร์, เครื่องเคาะจังหวะ) การเพิ่มขึ้นของดนตรี วงดนตรีขนาดใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในสหรัฐอเมริกาในช่วงทศวรรษที่ 1930 มีความเกี่ยวข้องกับช่วงเวลาแห่งความกระตือรือร้นในการสวิง

ต่อมาจวบจนปัจจุบัน วงดนตรีใหญ่ได้แสดงและแสดงดนตรีหลากหลายแนวต่อไป อย่างไรก็ตาม โดยพื้นฐานแล้ว ยุคของวงดนตรีขนาดใหญ่เริ่มต้นเร็วกว่ามากและย้อนกลับไปในสมัยของโรงละครนักร้องชาวอเมริกันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ซึ่งมักจะเพิ่มนักแสดงและนักดนตรีหลายร้อยคน ฟัง วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม, วงดนตรีแจ๊ส Creole ของ King Oliver, วง Glenn Miller Orchestra และวงออเคสตราของเขาและคุณจะประทับใจกับมนต์เสน่ห์ของดนตรีแจ๊สที่บรรเลงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่

สไตล์ดนตรีแจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงต้นถึงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และนำไปสู่ยุคของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ โดดเด่นด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยการเปลี่ยนแปลงของความสามัคคีมากกว่าทำนอง
Parker และ Gillespie นำเสนอจังหวะการแสดงที่รวดเร็วเป็นพิเศษ เพื่อไม่ให้ผู้ที่ไม่ใช่มืออาชีพอยู่ห่างจากการแสดงด้นสดใหม่ๆ เหนือสิ่งอื่นใด คุณลักษณะที่โดดเด่นของนักบีบ็อปทุกคนก็คือพฤติกรรมที่น่าตกใจของพวกเขา ทรัมเป็ตโค้งของ "เวียนหัว" ของกิลเลสปี พฤติกรรมของปาร์กเกอร์และกิลเลสปี หมวกไร้สาระของมังค์ ฯลฯ
หลังจากเกิดปฏิกิริยาตอบสนองต่อการแพร่กระจายของวงสวิงอย่างกว้างขวาง bebop ยังคงพัฒนาหลักการของตนในการใช้วิธีการแสดงออก แต่ในขณะเดียวกันก็เผยให้เห็นแนวโน้มที่ขัดแย้งกันหลายประการ

แตกต่างจากวงสวิงซึ่งส่วนใหญ่เป็นดนตรีของวงออเคสตร้าเต้นรำเชิงพาณิชย์ขนาดใหญ่ บีบอปเป็นการเคลื่อนไหวเชิงสร้างสรรค์แนวทดลองในดนตรีแจ๊ส โดยส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมของวงดนตรีขนาดเล็ก (คอมโบ) และแนวต่อต้านการค้า
ช่วงบีบอปถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการเน้นดนตรีแจ๊สจากเพลงแดนซ์ยอดนิยมไปเป็น "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" ที่มีความเป็นศิลปะ สติปัญญาสูง แต่มีการผลิตในปริมาณน้อย นักดนตรีบ็อปชอบการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยคอร์ดดีดแทนท่วงทำนอง
ผู้ยุยงให้เกิดการกำเนิดหลักคือ: นักเป่าแซ็กโซโฟน, นักเป่าแตร, นักเปียโน บัด พาวเวลล์และ พระเทโลเนียส, มือกลอง แม็กซ์ โรช- ถ้าคุณต้องการ เป็นป็อบ, ฟัง , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, วงดนตรีแจ๊สสมัยใหม่.

หนึ่งในสไตล์ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ที่ก่อตั้งขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 40 - 50 ของศตวรรษที่ 20 โดยมีพื้นฐานมาจากการพัฒนาความสำเร็จของวงสวิงและป็อป ต้นกำเนิดของสไตล์นี้มีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับชื่อของนักเป่าแซ็กโซโฟนสวิงนิโกร แอล. ยังผู้พัฒนารูปแบบการผลิตเสียงแบบ "เย็น" ซึ่งตรงกันข้ามกับเสียงในอุดมคติของดนตรีแจ๊สสุดฮอต (หรือที่เรียกว่าเสียงเลสเตอร์) เขาเป็นคนแรกที่นำคำว่า "กุล" มาใช้ในชีวิตประจำวัน นอกจากนี้ สถานที่ของดนตรีแจ๊สสุดเท่ยังพบได้ในผลงานของนักดนตรีบีบอปหลายคน เช่น ซี. ปาร์กเกอร์, ที. มังค์, เอ็ม. เดวิส, เจ. ลูอิส, เอ็ม. แจ็คสันและอื่น ๆ

ในเวลาเดียวกัน แจ๊สสุดเจ๋งมีความแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจาก โบปา- สิ่งนี้แสดงให้เห็นจากการละทิ้งประเพณีของดนตรีแจ๊สสุดฮอตที่ BOP ปฏิบัติตาม ในการปฏิเสธการแสดงออกทางจังหวะที่มากเกินไปและความไม่มั่นคงของน้ำเสียง และในการเน้นย้ำถึงรสชาติสีดำโดยเฉพาะ เล่นในลักษณะนี้: , สแตน เก็ตซ์, โมเดิร์นแจ๊ซควอเทต, เดฟ บรูเบค, ซูท ซิมส์, พอล เดสมอนด์.

ด้วยการที่กิจกรรมดนตรีร็อคค่อยๆ ลดลงในช่วงต้นทศวรรษที่ 70 และกระแสความคิดจากโลกแห่งร็อคลดลง ดนตรีฟิวชันจึงตรงไปตรงมามากขึ้น ในเวลาเดียวกัน หลายคนเริ่มตระหนักว่าแจ๊สไฟฟ้าสามารถนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์ได้มากขึ้น โปรดิวเซอร์และนักดนตรีบางคนเริ่มมองหาการผสมผสานสไตล์ดังกล่าวเพื่อเพิ่มยอดขาย พวกเขาประสบความสำเร็จในการสร้างดนตรีแจ๊สประเภทหนึ่งที่ผู้ฟังทั่วไปเข้าถึงได้มากขึ้น ในช่วงสองทศวรรษที่ผ่านมา มีการผสมผสานที่แตกต่างกันมากมายซึ่งผู้สนับสนุนและนักประชาสัมพันธ์ชอบใช้วลี "แจ๊สสมัยใหม่" ซึ่งใช้เพื่ออธิบาย "การผสมผสาน" ของดนตรีแจ๊สด้วยองค์ประกอบของป๊อป ริธึมและบลูส์ และ "ดนตรีโลก"

อย่างไรก็ตามคำว่า "ครอสโอเวอร์" อธิบายสาระสำคัญของเรื่องได้แม่นยำยิ่งขึ้น ครอสโอเวอร์และฟิวชั่นบรรลุเป้าหมายในการเพิ่มผู้ฟังดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งในกลุ่มผู้ที่เบื่อหน่ายกับสไตล์อื่น ในบางกรณีเพลงนี้ควรค่าแก่ความสนใจแม้ว่าโดยทั่วไปเนื้อหาดนตรีแจ๊สจะลดลงเหลือศูนย์ก็ตาม ตัวอย่างของรูปแบบครอสโอเวอร์มีตั้งแต่ (Al Jarreau) และการบันทึกเสียงร้อง (George Benson) ไปจนถึง (Kenny G) “สไปโร ไจร่า”และ " " - ทั้งหมดนี้มีอิทธิพลของดนตรีแจ๊ส แต่ถึงกระนั้นเพลงนี้ก็เข้ากับสาขาศิลปะป๊อปซึ่งแสดงโดย เจอรัลด์ อัลไบรท์, จอร์จ ดุ๊ก,นักเป่าแซ็กโซโฟน บิล อีแวนส์, เดฟ กรูซิน,.

ดิกซีแลนด์- การกำหนดที่กว้างที่สุดสำหรับรูปแบบดนตรีของนักดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์และชิคาโกยุคแรกสุดที่บันทึกแผ่นเสียงตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1923 แนวคิดนี้ยังขยายไปถึงช่วงเวลาของการพัฒนาและการฟื้นฟูดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์ในเวลาต่อมา - การฟื้นตัวของนิวออร์ลีนส์ซึ่งดำเนินต่อไปหลังทศวรรษที่ 1930 คุณลักษณะของนักประวัติศาสตร์บางคน ดิกซีแลนด์มีเพียงดนตรีของวงดนตรีสีขาวที่เล่นในสไตล์แจ๊สนิวออร์ลีนส์เท่านั้น

ต่างจากดนตรีแจ๊สรูปแบบอื่นๆ ตรงที่ผลงานของนักดนตรี ดิกซีแลนด์ยังคงค่อนข้างจำกัด โดยนำเสนอรูปแบบต่างๆ มากมายไม่รู้จบภายในท่วงทำนองเดียวกันที่แต่งขึ้นตลอดทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 และรวมถึงเพลงแร็กไทม์ บลูส์ วันสเต็ป สองสเต็ป มาร์ช และเพลงยอดนิยม สำหรับสไตล์การแสดง ดิกซีแลนด์ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานที่ซับซ้อนของเสียงของแต่ละบุคคลเข้ากับการแสดงด้นสดโดยรวมของวงดนตรีทั้งหมด นักร้องเดี่ยวเปิดงานและศิลปินเดี่ยวคนอื่นๆ ที่เล่นต่อไปดูเหมือนจะต่อต้านการ "ริฟฟิง" ของเครื่องดนตรีประเภทลมอื่นๆ จนถึงท่อนสุดท้าย ซึ่งปกติจะขับร้องโดยกลองในรูปแบบของจังหวะสี่จังหวะ ซึ่ง ทั้งวงก็ตอบรับในทางกลับกัน

ตัวแทนหลักของยุคนี้คือ วงดนตรีแจ๊ส Dixieland ดั้งเดิม, Joe King Oliver และวงออร์เคสตราชื่อดังของเขา, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke และ Jimmy McPartland- นักดนตรีของ Dixieland กำลังมองหาการฟื้นฟูดนตรีแจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ในอดีต ความพยายามเหล่านี้ประสบความสำเร็จอย่างมากและต้องขอบคุณคนรุ่นต่อ ๆ มาจนถึงทุกวันนี้ การฟื้นฟู Dixieland ครั้งแรกเกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1940
นี่เป็นเพียงนักดนตรีแจ๊สบางคนที่เล่น Dixieland: เคนนี บอลล์, วงดนตรีแจ๊ส Lu Watters Yerna Buena, วงดนตรีแจ๊สเติร์ก เมอร์ฟีส์.

ตั้งแต่ต้นทศวรรษที่ 70 บริษัท เยอรมันได้ครอบครองช่องทางที่แยกจากกันในชุมชนสไตล์แจ๊ส อีซีเอ็ม (ฉบับดนตรีร่วมสมัย- สำนักพิมพ์ดนตรีสมัยใหม่) ซึ่งค่อยๆ กลายเป็นศูนย์กลางของสมาคมนักดนตรีที่ยอมรับว่าไม่ผูกพันกับต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สแอฟริกันอเมริกันมากนัก แต่เป็นความสามารถในการแก้ไขปัญหาทางศิลปะที่หลากหลายโดยไม่ จำกัด ตัวเอง มีสไตล์บางอย่าง แต่สอดคล้องกับกระบวนการด้นสดอย่างสร้างสรรค์

เมื่อเวลาผ่านไปบุคลิกภาพบางอย่างของ บริษัท ยังคงพัฒนาซึ่งนำไปสู่การแยกศิลปินของค่ายเพลงนี้ออกเป็นทิศทางโวหารขนาดใหญ่และกำหนดไว้อย่างชัดเจน Manfred Eicher ผู้ก่อตั้งค่ายเพลงให้ความสำคัญกับการผสมผสานสำนวนแจ๊ส นิทานพื้นบ้านโลก และดนตรีเชิงวิชาการใหม่ๆ เข้าด้วยกันเป็นเสียงอิมเพรสชั่นนิสม์เพียงหนึ่งเดียว ทำให้สามารถใช้วิธีการเหล่านี้เพื่ออ้างความเข้าใจเชิงลึกและเชิงปรัชญาเกี่ยวกับคุณค่าของชีวิต

สตูดิโอบันทึกเสียงหลักของ บริษัท ซึ่งตั้งอยู่ในออสโลมีความสัมพันธ์อย่างชัดเจนกับบทบาทที่โดดเด่นในแคตตาล็อกของนักดนตรีชาวสแกนดิเนเวีย ก่อนอื่นพวกเขาเป็นชาวนอร์เวย์ ยาน การ์บาเร็ก, แตร์เย ริปดาล, นิลส์ เพตเตอร์ โมลเวเออร์, อาริลด์ แอนเดอร์เซ่น, จอน คริสเตนเซ่น- อย่างไรก็ตาม ภูมิศาสตร์ของ ECM ครอบคลุมทั่วโลก ชาวยุโรปก็อยู่ที่นี่เช่นกัน เดฟ ฮอลแลนด์, โทมัสซ์ สแตนโค, จอห์น เซอร์แมน, เอเบอร์ฮาร์ด เวเบอร์, ไรเนอร์ บรูนิงเฮาส์, มิคาอิล อัลเพรินและตัวแทนของวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ชาวยุโรป เอ็กแบร์โต กิสมอนติ, ฟลอรา ปูริม, ซากีร์ ฮุสเซน, ไตรโลก กูร์ตู, นานา วาสคอนเซลอส, หริปราสาด เชาเรเซีย, อานูอาร์ บราเฮมและอื่น ๆ อีกมากมาย American Legion ก็เป็นตัวแทนไม่น้อย - แจ็ค เดอจอห์นเนตต์, ชาร์ลส ลอยด์, ราล์ฟ ทาวเนอร์, เรดแมน ดิวอี, บิล ฟริเซลล์, จอห์น อาเบอร์ครอมบี, ลีโอ สมิธ- แรงกระตุ้นในการปฏิวัติครั้งแรกของสิ่งพิมพ์ของบริษัทได้เปลี่ยนเมื่อเวลาผ่านไปให้กลายเป็นเสียงที่มีสมาธิและแยกออกจากกันในรูปแบบเปิดพร้อมชั้นเสียงที่ได้รับการขัดเกลาอย่างพิถีพิถัน

สาวกกระแสหลักบางคนปฏิเสธเส้นทางที่นักดนตรีเลือกตามกระแสนี้ แต่ดนตรีแจ๊สก็เป็นเช่นนั้น วัฒนธรรมโลกกำลังพัฒนาแม้จะมีการคัดค้านเหล่านี้ และกำลังให้ผลลัพธ์ที่น่าประทับใจมาก

ตรงกันข้ามกับความประณีตและความเท่ของสไตล์เท่ๆ ความมีเหตุผลของความก้าวหน้าบนชายฝั่งตะวันออกของสหรัฐอเมริกา นักดนตรีรุ่นเยาว์ในช่วงต้นทศวรรษที่ 50 ยังคงพัฒนาสไตล์บีบอปที่ดูเหมือนจะเหนื่อยล้าต่อไป การเติบโตของการตระหนักรู้ในตนเองของชาวแอฟริกันอเมริกันซึ่งเป็นลักษณะของยุค 50 มีบทบาทสำคัญในแนวโน้มนี้ มีการมุ่งเน้นใหม่ในการยึดมั่นต่อประเพณีด้นสดของชาวแอฟริกันอเมริกัน ในเวลาเดียวกันความสำเร็จทั้งหมดของ bebop ยังคงได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่มีการพัฒนาความเท่ห์หลายอย่างเข้ามาทั้งในด้านความสามัคคีและในด้านโครงสร้างจังหวะ ตามกฎแล้วนักดนตรีรุ่นใหม่มีการศึกษาด้านดนตรีที่ดี กระแสนี้เรียกว่า "ฮาร์ดบอป"ปรากฏว่ามีจำนวนค่อนข้างมาก คนเป่าแตรเข้าร่วมด้วย ไมล์ส เดวิส, แฟตส์ นาวาร์โร, คลิฟฟอร์ด บราวน์, โดนัลด์ เบิร์ด, นักเปียโน ธีโลเนียส มังค์, ฮอเรซ ซิลเวอร์, มือกลอง อาร์ต เบลค, นักแซ็กโซโฟน ซันนี่ โรลลินส์, แฮงค์ โมบลีย์,แคนนอนบอล แอดเดอร์ลีย์ ดับเบิ้ลเบส พอล แชมเบอร์สและอื่น ๆ อีกมากมาย

นวัตกรรมทางเทคนิคอีกประการหนึ่งมีความสำคัญต่อการพัฒนารูปแบบใหม่: การปรากฏตัวของบันทึกที่เล่นมายาวนาน สามารถบันทึกโซโล่ยาวได้ สำหรับนักดนตรี สิ่งนี้กลายเป็นสิ่งล่อใจและเป็นบททดสอบที่ยาก เนื่องจากไม่ใช่ทุกคนที่จะสามารถพูดออกมาได้อย่างเต็มที่และกระชับเป็นเวลานาน นักเป่าแตรเป็นคนแรกที่ใช้ประโยชน์จากข้อได้เปรียบเหล่านี้ โดยปรับเปลี่ยนสไตล์ของ Dizzy Gillespie ให้มีความสงบมากขึ้นแต่เล่นได้ลุ่มลึกยิ่งขึ้น มีอิทธิพลมากที่สุดคือ อ้วน นาวาร์โรและ คลิฟฟอร์ด บราวน์- นักดนตรีเหล่านี้ไม่ได้ให้ความสนใจหลักกับข้อความความเร็วสูงที่ชาญฉลาดในทะเบียนด้านบน แต่เน้นไปที่บทเพลงที่ไพเราะและมีเหตุผล

แจ๊สสุดฮอตถือเป็นดนตรีของผู้บุกเบิกคลื่นลูกที่สองในนิวออร์ลีนส์ซึ่งมีกิจกรรมสร้างสรรค์สูงสุดใกล้เคียงกับการอพยพของนักดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ไปทางเหนือส่วนใหญ่ไปยังชิคาโก กระบวนการนี้ซึ่งเริ่มต้นไม่นานหลังจากการปิด Storyville เนื่องจากการที่สหรัฐฯ เข้าสู่ First สงครามโลกครั้งและการประกาศให้นิวออร์ลีนส์เป็นท่าเรือทางทหารด้วยเหตุนี้จึงถือเป็นยุคที่เรียกว่ายุคชิคาโกในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊ส ตัวแทนหลักของโรงเรียนนี้คือหลุยส์ อาร์มสตรอง ในขณะที่ยังคงแสดงอยู่ในวงดนตรี King Oliver อาร์มสตรองได้ทำการเปลี่ยนแปลงแนวความคิดของดนตรีแจ๊สด้นสดในเวลานั้น โดยเปลี่ยนจากแผนการแสดงด้นสดโดยรวมแบบดั้งเดิมไปสู่การแสดงของแต่ละท่อนเดี่ยว

ชื่อของดนตรีแจ๊สประเภทนี้มีความเกี่ยวข้องกับลักษณะอารมณ์ที่รุนแรงของการแสดงท่อนโซโลเหล่านี้ คำว่า Hot เดิมมีความหมายเหมือนกันกับดนตรีแจ๊สโซโลด้นสดเพื่อเน้นความแตกต่างในแนวทางการแสดงเดี่ยวที่เกิดขึ้นในต้นทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ต่อมาด้วยการหายไปของการแสดงด้นสดโดยรวม แนวคิดนี้เริ่มมีความเกี่ยวข้องกับวิธีการแสดงดนตรีแจ๊ส โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับเสียงพิเศษที่กำหนดรูปแบบการแสดงเครื่องดนตรีและเสียงร้อง ที่เรียกว่า โทนเสียงร้อน: ชุดของการแสดงพิเศษ วิธีการเข้าจังหวะและลักษณะเฉพาะของน้ำเสียง

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการถือกำเนิดของ "ดนตรีแจ๊สฟรี" แม้ว่าธาตุต่างๆ "ฟรีแจ๊ส"มีมานานก่อนที่จะมีคำนี้ปรากฏอยู่ใน “การทดลอง” โคลแมน ฮอว์กินส์, พี วี รัสเซลล์ และเลนนี่ ทริสตาโนแต่เพียงช่วงปลายทศวรรษ 1950 ด้วยความพยายามของผู้บุกเบิกเช่นนักเป่าแซ็กโซโฟนและนักเปียโน เซซิล เทย์เลอร์ทิศทางนี้เป็นรูปเป็นร่างเป็นสไตล์อิสระ

สิ่งที่นักดนตรีสองคนนี้สร้างสรรค์ร่วมกับคนอื่นๆ ได้แก่ จอห์น โคลเทรน, อัลเบิร์ต ออยเลอร์และชุมชนเช่น ซันราออร์เคสตราและกลุ่มชื่อ The Revolutionary Ensemble ประกอบด้วยการเปลี่ยนแปลงโครงสร้างและความรู้สึกของดนตรีต่างๆ
ในบรรดานวัตกรรมที่นำเสนอด้วยจินตนาการและดนตรีที่ยอดเยี่ยมคือการละทิ้งความก้าวหน้าของคอร์ดซึ่งทำให้ดนตรีเคลื่อนไหวไปในทิศทางใดก็ได้ พบการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานอีกประการหนึ่งในด้านจังหวะซึ่งมีการแก้ไขหรือเพิกเฉยต่อ "สวิง" โดยสิ้นเชิง กล่าวอีกนัยหนึ่ง ชีพจร มิเตอร์ และกรูฟไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการอ่านดนตรีแจ๊สอีกต่อไป องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งเกี่ยวข้องกับความไม่มีตัวตน ปัจจุบัน การแสดงออกทางดนตรีไม่ได้ขึ้นอยู่กับระบบโทนเสียงแบบเดิมๆ อีกต่อไป

เสียงที่ดังทะลุทะลวง เห่า และกระตุกทำให้โลกแห่งเสียงใหม่นี้เต็มไปด้วยความสมบูรณ์ ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันในฐานะรูปแบบการแสดงออกที่เป็นไปได้ และในความเป็นจริงแล้ว ไม่ได้เป็นสไตล์ที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งเหมือนในสมัยแรกๆ อีกต่อไป

บางทีการเคลื่อนไหวที่เป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรีแจ๊สอาจเกิดขึ้นพร้อมกับการถือกำเนิดของ "ดนตรีแจ๊สฟรี"

ทิศทางสไตล์สมัยใหม่ที่เกิดขึ้นในคริสต์ทศวรรษ 1970 บนพื้นฐานของดนตรีแจ๊สร็อค ซึ่งเป็นการสังเคราะห์องค์ประกอบของดนตรีเชิงวิชาการของยุโรปและคติชนที่ไม่ใช่ของยุโรป
การประพันธ์ดนตรีแจ๊สร็อคที่น่าสนใจที่สุดนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยการด้นสดรวมกับการแก้ปัญหาการเรียบเรียงการใช้หลักการฮาร์มอนิกและจังหวะของดนตรีร็อคศูนย์รวมของท่วงทำนองและจังหวะของตะวันออกและการแนะนำวิธีการทางอิเล็กทรอนิกส์ในการประมวลผลเสียง และการสังเคราะห์เป็นเพลง

ในรูปแบบนี้ขอบเขตของการประยุกต์ใช้หลักการโมดอลได้ขยายออกไปและช่วงของโหมดต่าง ๆ รวมถึงโหมดที่แปลกใหม่ก็ได้ขยายออกไป ในยุค 70 แจ๊สร็อคได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ มีนักดนตรีที่กระตือรือร้นมากที่สุดเข้าร่วม แจ๊สร็อคซึ่งมีการพัฒนามากขึ้นในแง่ของการสังเคราะห์ดนตรีประเภทต่างๆ เรียกว่า "ฟิวชั่น" (ฟิวชั่น, การผสาน) แรงกระตุ้นเพิ่มเติมสำหรับ "ฟิวชั่น" ก็เป็นอีกอย่างหนึ่ง (ไม่ใช่ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊ส) ที่โน้มน้าวใจดนตรีเชิงวิชาการของยุโรป

ในหลายกรณี จริงๆ แล้วฟิวชันกลายเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีป็อปทั่วไป จังหวะแสงและบลูส์ ครอสโอเวอร์ ความทะเยอทะยานของดนตรีฟิวชั่นในด้านความลึกและการเสริมศักยภาพทางดนตรียังคงไม่บรรลุผล แม้ว่าในบางกรณีที่เกิดขึ้นไม่บ่อยนักการค้นหาจะดำเนินต่อไป เช่น ในกลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีของ Tribal Tech และ Chick Corea ฟัง: รายงานสภาพอากาศ, แบรนด์ X, วง Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans จากไนอาซินใหม่, Tunnels, CAB.

ทันสมัย ฟังค์หมายถึงสไตล์แจ๊สยอดนิยมในยุค 70 และ 80 ซึ่งนักดนตรีบรรเลงในสไตล์ป๊อปโซลสีดำ ในขณะที่การแสดงด้นสดเดี่ยวจะมีบุคลิกที่สร้างสรรค์และแจ๊สมากกว่า นักเป่าแซ็กโซโฟนส่วนใหญ่ในรูปแบบนี้ใช้ชุดวลีง่ายๆ ของตัวเองซึ่งประกอบด้วยเสียงตะโกนและเสียงครวญครางแบบบลูส์ พวกเขาสร้างจากประเพณีที่นำมาใช้จากการโซโลแซกโซโฟนในการบันทึกเสียงร้องจังหวะและบลูส์ เช่น การบันทึก Coasters ของ King Curtis จูเนียร์ วอล์คเกอร์กับกลุ่มแกนนำค่ายโมทาวน์ เดวิด แซนบอร์นจากเพลง "Blues Band" โดย พอล บัตเตอร์ฟิลด์ บุคคลสำคัญในประเภทนี้ - ซึ่งมักเล่นโซโลในสไตล์นี้ แฮงค์ ครอว์ฟอร์ดโดยใช้ดนตรีประกอบแบบฟังก์ เพลงเยอะมาก , และนักเรียนก็ใช้วิธีนี้ แถมยังมีผลงานสไตล์ "Modern Funk" อีกด้วย

คำนี้มีสองความหมาย ประการแรกสิ่งนี้ วิธีการแสดงออกในดนตรีแจ๊ส ลักษณะเฉพาะของการเต้นเป็นจังหวะซึ่งขึ้นอยู่กับการเบี่ยงเบนอย่างต่อเนื่องของจังหวะจากจังหวะที่สนับสนุน ด้วยเหตุนี้ ความรู้สึกถึงพลังงานภายในอันยิ่งใหญ่จึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งอยู่ในสภาวะสมดุลที่ไม่เสถียร ประการที่สอง รูปแบบของดนตรีแจ๊สออเคสตราซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1920 และ 30 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สในรูปแบบนิโกรและยุโรป

คำจำกัดความเริ่มต้น "แจ๊ส-ร็อค"เป็นที่ชัดเจนที่สุด: การผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สด้นสดเข้ากับพลังและจังหวะของดนตรีร็อค จนถึงปี 1967 โลกแห่งดนตรีแจ๊สและร็อคมีอยู่แยกจากกัน แต่ในเวลานี้ ร็อคมีความคิดสร้างสรรค์มากขึ้นและซับซ้อนมากขึ้น ดนตรีร็อคแนวไซเคเดลิกและโซลก็เกิดขึ้น ในเวลาเดียวกันนักดนตรีแจ๊สบางคนเริ่มเบื่อหน่ายฮาร์ดบอปบริสุทธิ์ แต่พวกเขาไม่ต้องการเล่นดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดที่ยาก เป็นผลให้สองสำนวนที่แตกต่างกันเริ่มแลกเปลี่ยนความคิดและผนึกกำลังกัน

ตั้งแต่ปี 1967 นักกีตาร์ แลร์รี คอรีเอลล์, นักไวบราโฟน แกรี่ เบอร์ตันในปีพ.ศ. 2512 มือกลอง บิลลี่ คอแบมกับกลุ่ม "Dreams" ซึ่งพี่น้อง Brecker เล่น พวกเขาเริ่มสำรวจพื้นที่แห่งสไตล์ใหม่
ในช่วงปลายยุค 60 Miles Davis มีศักยภาพที่จำเป็นในการเปลี่ยนไปสู่ดนตรีแจ๊สร็อค เขาเป็นหนึ่งในผู้สร้างดนตรีแจ๊สแบบโมดัลโดยใช้จังหวะ 8/8 และเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เขาก้าวไปอีกขั้นด้วยการบันทึกอัลบั้ม "Bitches Brew", "In a Silent Way" ในเวลานี้ก็มีกาแล็กซีนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมซึ่งหลายคนกลายเป็นบุคคลสำคัญในขบวนการนี้ในเวลาต่อมา - (John McLaughlin) โจ ศวินุล(โจ ศวินุล) เฮอร์บี แฮนค็อก- การบำเพ็ญตบะที่มีลักษณะเฉพาะของเดวิส ความกะทัดรัด และการไตร่ตรองเชิงปรัชญากลายเป็นเพียงสิ่งในรูปแบบใหม่

ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 แจ๊สร็อคมีเอกลักษณ์ที่โดดเด่นเป็นของตัวเองในฐานะสไตล์ดนตรีแจ๊สที่สร้างสรรค์ แม้ว่าจะถูกเยาะเย้ยโดยนักเล่นดนตรีแจ๊สหลายคนก็ตาม กลุ่มหลักของทิศทางใหม่คือ "หวนคืนสู่นิรันดร์", "รายงานสภาพอากาศ", "วงมหาวิษณุออร์เคสตรา", วงดนตรีต่างๆ ไมล์ส เดวิส- พวกเขาเล่นดนตรีแจ๊สร็อคคุณภาพสูงที่ผสมผสานเทคนิคมากมายจากทั้งแจ๊สและร็อค Asian Kung-Fu Generation, Ska - มูลนิธิแจ๊ส, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, ทั้งสามคน, Andy Summers, Erik Truffaz- คุณควรฟังอย่างแน่นอนเพื่อทำความเข้าใจว่าดนตรีแนวโปรเกรสซีฟและแจ๊สร็อคมีความหลากหลายเพียงใด

สไตล์ แจ๊สแร็พเป็นความพยายามที่จะรวบรวมดนตรีแอฟริกันอเมริกันในทศวรรษที่ผ่านมาเข้ากับรูปแบบใหม่ที่โดดเด่นของปัจจุบันซึ่งจะเป็นการยกย่องและปลูกฝัง ชีวิตใหม่เข้าสู่องค์ประกอบแรกของสิ่งนี้ - ฟิวชั่น - และยังขยายขอบเขตอันไกลโพ้นของวินาทีด้วย จังหวะของแจ๊ส-แร็พยืมมาจากฮิปฮอปโดยสิ้นเชิง และตัวอย่างและเนื้อสัมผัสเสียงส่วนใหญ่มาจากแนวเพลง เช่น แจ๊สเท่ โซลแจ๊ส และฮาร์ดบ็อบ

สไตล์นี้เป็นสไตล์ที่เจ๋งที่สุดและโด่งดังที่สุดในบรรดาสไตล์ฮิปฮอปทั้งหมด และศิลปินหลายคนแสดงให้เห็นถึงจิตสำนึกทางการเมืองที่เน้นชาวแอฟโฟรเป็นศูนย์กลาง โดยเพิ่มความน่าเชื่อถือทางประวัติศาสตร์ให้กับสไตล์นี้ เมื่อพิจารณาถึงความโค้งทางสติปัญญาของเพลงนี้ จึงไม่น่าแปลกใจที่ดนตรีแจ๊สแร็พไม่เคยกลายเป็นที่ชื่นชอบของปาร์ตี้ริมถนนเลย แต่แล้วไม่มีใครคิดถึงเรื่องนี้

ตัวแทนของแจ๊สแร็พเรียกตัวเองว่าผู้สนับสนุนทางเลือกเชิงบวกมากกว่าขบวนการฮาร์ดคอร์/อันธพาล ซึ่งเข้ามาแทนที่แร็พจากตำแหน่งผู้นำในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 พวกเขาพยายามเผยแพร่ฮิปฮอปในหมู่ผู้ฟังที่ไม่สามารถยอมรับหรือเข้าใจความก้าวร้าวที่เพิ่มขึ้นของเมือง วัฒนธรรมดนตรี- ดังนั้นดนตรีแจ๊สแร็พจึงพบแฟนเพลงจำนวนมากในหอพักนักศึกษา และยังได้รับการสนับสนุนจากนักวิจารณ์และแฟนเพลงอัลเทอร์เนทีฟร็อกสีขาวอีกจำนวนหนึ่ง

ทีม ภาษาพื้นเมือง (แอฟริกา Bambaataa)- กลุ่มนิวยอร์กซึ่งประกอบด้วยกลุ่มแร็พแอฟริกันอเมริกันได้กลายเป็นพลังอันทรงพลังที่เป็นตัวแทนของสไตล์นี้ แจ๊สแร็พและรวมถึงกลุ่มต่างๆ เช่น เผ่าที่เรียกว่า Quest, De La Soul และ The Jungle Brothers- ในไม่ช้าก็เริ่มสร้างสรรค์ ดาวเคราะห์ที่สามารถขุดได้และ แก๊งสตาร์ก็ได้รับชื่อเสียงเช่นกัน ในช่วงกลางถึงปลายยุค 90 อัลเทอร์เนทีฟแร็พเริ่มถูกแบ่งออกเป็นสไตล์ย่อยจำนวนมาก และแจ๊สแร็พมักไม่กลายเป็นองค์ประกอบของเสียงใหม่อีกต่อไป

หลังจากที่คริสโตเฟอร์ โคลัมบัสค้นพบทวีปใหม่และชาวยุโรปได้ตั้งรกรากที่นั่น เรือที่ค้าขายเกี่ยวกับสินค้ามนุษย์ก็มุ่งหน้าไปยังชายฝั่งอเมริกามากขึ้น

ด้วยความเหนื่อยล้าจากการทำงานหนัก คิดถึงบ้าน และความทุกข์ทรมานจากการปฏิบัติอย่างโหดร้ายของทหารองครักษ์ ทาสเหล่านี้จึงพบการปลอบใจในเสียงเพลง ชาวอเมริกันและชาวยุโรปเริ่มสนใจท่วงทำนองและจังหวะที่ผิดปกติทีละน้อย นี่คือวิธีที่ดนตรีแจ๊สถือกำเนิด แจ๊สคืออะไรและมีคุณสมบัติอย่างไรเราจะพิจารณาในบทความนี้

คุณสมบัติของทิศทางดนตรี

ดนตรีแจ๊สรวมถึงดนตรีที่มีต้นกำเนิดจากแอฟริกันอเมริกันซึ่งมีพื้นฐานมาจากการแสดงด้นสด (วงสวิง) และโครงสร้างจังหวะพิเศษ (การประสานเสียง) แตกต่างจากแนวอื่นๆ ที่คนหนึ่งเขียนเพลงและอีกคนหนึ่งแสดง นักดนตรีแจ๊สก็เป็นนักแต่งเพลงเช่นกัน

ทำนองถูกสร้างขึ้นเองตามธรรมชาติ ช่วงเวลาของการเรียบเรียงและการแสดงจะถูกแยกออกจากกันด้วยช่วงเวลาขั้นต่ำ นี่คือที่มาของดนตรีแจ๊ส วงออเคสตรา? นี่คือความสามารถของนักดนตรีในการปรับตัวเข้าหากัน ในขณะเดียวกัน ทุกคนก็แสดงด้นสดเป็นของตัวเอง

ผลลัพธ์ของการแต่งเพลงที่เกิดขึ้นเองจะถูกจัดเก็บไว้ในโน้ตดนตรี (T. Cowler, G. Arlen "Happy All Day", D. Ellington "Don't You Know What I Love?" ฯลฯ)

เมื่อเวลาผ่านไป ดนตรีแอฟริกันก็สังเคราะห์ขึ้นพร้อมกับดนตรียุโรป ท่วงทำนองปรากฏว่าผสมผสานความเป็นพลาสติก, จังหวะ, ทำนองและความกลมกลืนของเสียง (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece ฯลฯ )

ทิศทาง

ดนตรีแจ๊สมีมากกว่าสามสิบสไตล์ ลองดูบางส่วนของพวกเขา

1. บลูส์ แปลจากภาษาอังกฤษคำว่า "ความโศกเศร้า" "ความเศร้าโศก" ในตอนแรก เพลงบลูส์เป็นชื่อที่ตั้งให้กับเพลงโคลงสั้น ๆ เดี่ยวของชาวแอฟริกันอเมริกัน แจ๊สบลูส์เป็นช่วงสิบสองบาร์ที่สอดคล้องกับรูปแบบบทกวีสามบรรทัด การเรียบเรียงเพลงบลูส์จะดำเนินการในจังหวะที่ช้า และมีการพูดน้อยเกินไปในเนื้อเพลง เพลงบลูส์ - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith และคนอื่นๆ

2. แร็กไทม์ การแปลชื่อสไตล์ตามตัวอักษรนั้นขาดเวลา ในภาษาของคำศัพท์ทางดนตรี "rag" หมายถึงเสียงเพิ่มเติมระหว่างจังหวะของการวัด การเคลื่อนไหวดังกล่าวปรากฏในสหรัฐอเมริกาหลังจากที่ผู้คนในต่างประเทศเริ่มสนใจผลงานของ F. Schubert, F. Chopin และ F. Liszt ดนตรีของนักประพันธ์ชาวยุโรปแสดงเป็นสไตล์แจ๊ส ต่อมามีการเรียบเรียงต้นฉบับ Ragtime เป็นเรื่องปกติสำหรับผลงานของ S. Joplin, D. Scott, D. Lamb และคนอื่น ๆ

3. บูกี้-วูกี สไตล์ดังกล่าวปรากฏขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ผ่านมา เจ้าของร้านกาแฟราคาไม่แพงต้องการนักดนตรีมาเล่นดนตรีแจ๊ส ดำเนินไปโดยไม่ได้บอกว่าการแสดงดนตรีประกอบนั้นจำเป็นต้องมีวงออเคสตรา แต่การเชิญนักดนตรีจำนวนมากมีราคาแพง นักเปียโนชดเชยเสียงเครื่องดนตรีต่างๆ ทำให้เกิดองค์ประกอบจังหวะมากมาย คุณสมบัติบูกี้:

• ด้นสด;
• เทคนิคอัจฉริยะ
• คลอพิเศษ: มือซ้ายทำการกำหนดค่ามอเตอร์ ช่วงเวลาระหว่างเบสและทำนองคือ 2-3 อ็อกเทฟ
• จังหวะต่อเนื่อง
• การยกเว้นคันเหยียบ

บูกี-วูกี รับบทโดย โรมิโอ เนลสัน, อาร์เธอร์ มอนทานา เทย์เลอร์, ชาร์ลส์ เอเวอรี่ และคนอื่นๆ

ตำนานสไตล์

ดนตรีแจ๊สเป็นที่นิยมในหลายประเทศทั่วโลก ทุกที่ต่างก็มีดวงดาวเป็นของตัวเอง ล้อมรอบด้วยกองทัพแฟน ๆ แต่บางชื่อก็กลายเป็นตำนานที่แท้จริง พวกเขาเป็นที่รู้จักและชื่นชอบไปทั่วโลก โดยเฉพาะนักดนตรีดังกล่าว รวมถึงหลุยส์ อาร์มสตรองด้วย

ไม่มีใครรู้ว่าชะตากรรมของเด็กชายจากย่านคนผิวดำที่ยากจนจะเป็นอย่างไรหากหลุยส์ไม่ได้ไปอยู่ในค่ายราชทัณฑ์ ที่นี่ดาวดวงอนาคตได้ลงทะเบียนในวงดนตรีทองเหลืองแม้ว่าวงดนตรีจะไม่ได้เล่นดนตรีแจ๊สก็ตาม ชายหนุ่มค้นพบด้วยตัวเองในภายหลังว่าทำอย่างไร Armstrong ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลกด้วยความขยันหมั่นเพียรและความอุตสาหะ

Billie Holiday (ชื่อจริง Eleanor Fagan) ถือเป็นผู้ก่อตั้งการร้องเพลงแจ๊ส นักร้องถึงจุดสูงสุดของความนิยมในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ผ่านมาเมื่อเธอเปลี่ยนฉากไนท์คลับเป็นเวทีละคร

ชีวิตไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเจ้าของช่วง 3 อ็อกเทฟ Ella Fitzgerald หลังจากแม่ของเธอเสียชีวิต เด็กหญิงก็หนีออกจากบ้านและมีวิถีชีวิตที่ไม่ค่อยดีนัก จุดเริ่มต้นของอาชีพนักร้องคือการแสดงที่ การแข่งขันดนตรีสมัครเล่นคืน.

George Gershwin มีชื่อเสียงระดับโลก ผู้แต่งสร้างผลงานดนตรีแจ๊สตาม ดนตรีคลาสสิก- การแสดงที่ไม่คาดคิดทำให้ผู้ฟังและเพื่อนร่วมงานหลงใหล คอนเสิร์ตมักจะมาพร้อมกับเสียงปรบมือ ที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง D. Gershwin - "Rhapsody in Blue" (ร่วมเขียนกับ Fred Grof), โอเปร่า "Porgy and Bess", "An American in Paris"

นักแสดงแจ๊สยอดนิยมได้แก่ Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughan, Miles Davis และคนอื่นๆ

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียต

การเกิดขึ้นของขบวนการทางดนตรีนี้ในสหภาพโซเวียตมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของกวี นักแปล และผู้ชมละคร Valentin Parnakh คอนเสิร์ตครั้งแรกของวงดนตรีแจ๊สที่นำโดยอัจฉริยะเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2465 ต่อมา A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky ได้ก่อตั้งทิศทางของการแสดงละครแจ๊สโดยผสมผสานการแสดงดนตรีและบทละคร E. Rosner และ O. Lundstrem ทำอะไรมากมายเพื่อทำให้ดนตรีแจ๊สเป็นที่นิยม

ในช่วงทศวรรษที่ 1940 ดนตรีแจ๊สถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างกว้างขวางว่าเป็นปรากฏการณ์หนึ่งของวัฒนธรรมชนชั้นกลาง ในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 การโจมตีนักแสดงหยุดลง วงดนตรีแจ๊สถูกสร้างขึ้นทั้งใน RSFSR และในสาธารณรัฐสหภาพอื่นๆ

ปัจจุบันดนตรีแจ๊สแสดงอย่างอิสระในสถานที่จัดคอนเสิร์ตและคลับต่างๆ

บลูส์

(ความเศร้าโศกความโศกเศร้า) - ในตอนแรก - เพลงโคลงสั้น ๆ เดี่ยวของคนผิวดำชาวอเมริกัน ต่อมา - ทิศทางของดนตรี

ในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ดนตรีบลูส์คลาสสิกได้ถือกำเนิดขึ้นซึ่งมีพื้นฐานมาจากช่วงเวลา 12 บาร์ซึ่งสอดคล้องกับรูปแบบบทกวี 3 บรรทัด เดิมทีเพลงบลูส์เป็นเพลงที่คนผิวดำบรรเลงเพื่อคนผิวดำ หลังจากการเกิดขึ้นของเพลงบลูส์ทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา ก็เริ่มแพร่กระจายไปทั่วประเทศ

ทำนองเพลงบลูส์มีลักษณะเฉพาะด้วยโครงสร้างคำถามและคำตอบและการใช้สเกลบลูส์

ดนตรีบลูส์มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของดนตรีแจ๊สและป็อป นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20 ใช้องค์ประกอบของดนตรีบลูส์

แจ๊สโบราณ

แจ๊สโบราณ (ต้น)– การกำหนดประเภทดนตรีแจ๊สดั้งเดิมที่เก่าแก่ที่สุดที่มีอยู่ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ผ่านมาในหลายรัฐทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา

โดยเฉพาะอย่างยิ่งดนตรีแจ๊สโบราณเป็นตัวแทนจากดนตรีของวงโยธวาทิตสีดำและครีโอลแห่งศตวรรษที่ 19

ยุคของดนตรีแจ๊สโบราณมีมาก่อนการเกิดขึ้นของสไตล์นิวออร์ลีนส์ (คลาสสิก)

นิวออร์ลีนส์

บ้านเกิดของอเมริกาที่ซึ่งดนตรีแจ๊สถือกำเนิดขึ้นถือเป็นเมืองแห่งเพลงและดนตรี - นิวออร์ลีนส์
แม้ว่าจะมีการถกเถียงกันอยู่บ้างว่าดนตรีแจ๊สมีต้นกำเนิดทั่วทั้งอเมริกา และไม่ใช่แค่ในเมืองนี้เท่านั้น แต่ยังเป็นที่ที่ดนตรีแจ๊สได้รับการพัฒนาอย่างทรงพลังที่สุดอีกด้วย นอกจากนี้นักดนตรีแจ๊สรุ่นเก่าทุกคนยังชี้ไปที่ศูนย์กลางซึ่งพวกเขาถือว่าเป็นนิวออร์ลีนส์ นิวออร์ลีนส์จัดให้มีสภาพแวดล้อมที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการพัฒนากระแสดนตรีนี้ มีชุมชนคนผิวดำจำนวนมากและประชากรส่วนใหญ่เป็นชาวครีโอล กระแสและแนวเพลงมากมายได้รับการพัฒนาที่นี่ซึ่งองค์ประกอบต่างๆ ได้ถูกรวมไว้ในผลงานของนักดนตรีแจ๊สชื่อดังในเวลาต่อมา กลุ่มต่างๆ ได้พัฒนาสไตล์ดนตรีของตนเอง และชาวแอฟริกันอเมริกันก็ได้สร้างสรรค์งานศิลปะใหม่ๆ ที่ไม่มีความคล้ายคลึงจากการผสมผสานระหว่างท่วงทำนองบลูส์ แร็กไทม์ และประเพณีของพวกเขาเอง การบันทึกดนตรีแจ๊สครั้งแรกยืนยันสิทธิพิเศษของนิวออร์ลีนส์ในการกำเนิดและพัฒนาการของศิลปะดนตรีแจ๊ส

ดิกซีแลนด์

(Dixie Country) เป็นศัพท์เรียกของรัฐทางตอนใต้ของสหรัฐอเมริกา ซึ่งเป็นหนึ่งในดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมที่หลากหลาย

นักร้องบลูส์ นักเปียโนบูกี้-วูกี นักแสดงแร็กไทม์ และวงดนตรีแจ๊สส่วนใหญ่มาจากทางใต้สู่ชิคาโก และนำดนตรีที่ต่อมามีชื่อเล่นว่า Dixieland ติดตัวไปด้วย

ดิกซีแลนด์- การกำหนดที่กว้างที่สุดสำหรับรูปแบบดนตรีของนักดนตรีแจ๊สนิวออร์ลีนส์และชิคาโกยุคแรกสุดที่บันทึกแผ่นเสียงตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1923

นักประวัติศาสตร์บางคนถือว่า Dixieland เป็นเพียงดนตรีของวงดนตรีสีขาวที่เล่นในสไตล์นิวออร์ลีนส์เท่านั้น

นักดนตรีของ Dixieland กำลังมองหาการฟื้นฟูดนตรีแจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์

ความพยายามเหล่านี้ประสบความสำเร็จ

บูกี้ วูกี้

สไตล์เปียโนบลูส์ หนึ่งในดนตรีบรรเลงสีดำที่เก่าแก่ที่สุดประเภทหนึ่ง

สไตล์ที่กลายเป็นว่าเข้าถึงได้มากสำหรับผู้ฟังในวงกว้าง

แบบเต็มเสียง สไตล์บูกี้-วูกี้ปรากฏขึ้นเนื่องจากความต้องการที่เกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 เพื่อจ้างนักเปียโนมาแทนที่วงออเคสตราในร้านกาแฟที่มีราคาไม่แพง นักเปียโนได้ประดิษฐ์ขึ้นเพื่อแทนที่วงออเคสตราทั้งหมด วิธีการที่แตกต่างกันเกมเข้าจังหวะ

คุณสมบัติลักษณะ: การแสดงด้นสด, ความสามารถทางเทคนิค, ดนตรีประกอบเฉพาะประเภท - การกำหนดออสตินาโตของมอเตอร์ในส่วนมือซ้าย, ช่องว่าง (มากถึง 2-3 อ็อกเทฟ) ระหว่างเบสและทำนอง, ความต่อเนื่องของการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะ, การปฏิเสธที่จะใช้คันเหยียบ .

ตัวแทนของบูกี้วูกีคลาสสิก: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee

โฟล์คบลูส์

อะคูสติกบลูส์โบราณ มีพื้นฐานมาจากคติชนในชนบทของประชากรผิวสีในสหรัฐอเมริกา ตรงกันข้ามกับบลูส์คลาสสิกซึ่งมีอยู่ในเมืองเป็นส่วนใหญ่

เพลงบลูส์พื้นบ้าน- โดยทั่วไปแล้ว นี่คือประเภทของเพลงบลูส์ที่แสดง ไม่ใช่เครื่องดนตรีไฟฟ้า ครอบคลุมสไตล์การเล่นและดนตรีที่หลากหลาย และอาจรวมถึงดนตรีเรียบง่ายที่ไม่โอ้อวดที่เล่นด้วยแมนโดลิน แบนโจ ฮาร์โมนิกา และเครื่องดนตรีอื่นๆ ที่ไม่ใช้ไฟฟ้าซึ่งได้รับการออกแบบเหมือนวงดนตรีบลูส์โฟล์กสร้างความประทับใจให้กับดนตรีที่หยาบคายและค่อนข้างไม่เป็นทางการ นี่คือดนตรีพื้นบ้านที่แท้จริงที่เล่นโดยประชาชนและเพื่อประชาชน

ภายในเพลงโฟล์คบลูส์มีนักร้องที่มีอิทธิพลมากกว่า Blind Lemon Jefferson, Charley Patton และ Alger Alexander

วิญญาณ

(ตามตัวอักษร - วิญญาณ); ดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุค 60 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งพัฒนามาจากดนตรีลัทธิของคนผิวดำในอเมริกาและยืมองค์ประกอบหลายอย่างของจังหวะและบลูส์

ดนตรีโซลมีแนวโน้มหลายประการ ที่สำคัญที่สุดคือโซลที่เรียกว่า "เมมฟิส" และ "ดีทรอยต์" เช่นเดียวกับโซล "สีขาว" ซึ่งมีลักษณะเฉพาะของนักดนตรีจากยุโรปเป็นหลัก

ฟังก์

คำนี้ถือกำเนิดขึ้นในดนตรีแจ๊สในยุค 50 ของศตวรรษที่ 20 สไตล์ "ฟังก์" เป็นเพลงที่ต่อเนื่องมาจากดนตรี "โซล" โดยตรง หนึ่งในรูปแบบของจังหวะและบลูส์

นักแสดงกลุ่มแรกๆ ที่ถูกจัดว่าเป็นดนตรี "ฟังค์" ในเวลาต่อมาคือนักดนตรีแจ๊สที่เล่นดนตรีแจ๊สประเภทที่มีพลังและเฉพาะเจาะจงมากขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 50 และต้นทศวรรษที่ 60

ประการแรก Funk คือดนตรีเต้นรำซึ่งกำหนดลักษณะทางดนตรีของมัน: การประสานกันของส่วนต่าง ๆ ของเครื่องดนตรีทั้งหมดอย่างสุดขั้ว

ฟังก์มีลักษณะเฉพาะด้วยท่อนจังหวะที่โดดเด่น ไลน์กีตาร์เบสที่ประสานกันอย่างคมชัด เสียงออสตินาโตริฟฟ์เป็นพื้นฐานของการแต่งทำนองที่ไพเราะ เสียงอิเล็กทรอนิกส์ เสียงร้องที่มีจังหวะเร็ว และจังหวะดนตรีที่รวดเร็ว

เจมส์ บราวน์และจอร์จ คลินตันสร้างโรงเรียนฟังก์แนวทดลองร่วมกับกลุ่ม PARLAMENT/FUNKDEIC

แผ่นเสียงฟังก์คลาสสิกย้อนกลับไปในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษ 1960 และ 1970

ฟังก์ฟรี

ฟังค์ฟรี– การผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สแนวหน้าและจังหวะฟังค์

เมื่อ Ornette Coleman ก่อตั้งวง Prime Time วงก็กลายเป็น "วงสี่วง" (ประกอบด้วยนักกีตาร์สองคน มือเบสสองคน และมือกลองสองคน รวมอัลโตของเขา) เล่นดนตรีด้วยคีย์ฟรี แต่มีจังหวะฟังก์ที่แปลกประหลาด สมาชิกสามคนในวงดนตรีของโคลแมน (มือกีตาร์ James Blood Ulmer, มือเบส Jamaaladin Takuma และมือกลอง Ronald Shannon Jackson) ต่อมาได้ก่อตั้งโปรเจ็กต์ฟังค์ฟรีของตนเองขึ้นมา และเพลงฟรีฟังค์มีอิทธิพลสำคัญของศิลปินเอ็มเบส รวมถึงนักไวโอลิน Steve Coleman และ Greg ออสบี้.
แกว่ง

(สวิง, สวิง). สไตล์ออเคสตราแจ๊สซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 1920 และ 30 อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์ดนตรีแจ๊สในรูปแบบนิโกรและยุโรป
ลักษณะเฉพาะของการเต้นเป็นจังหวะตามการเบี่ยงเบนจังหวะคงที่ (ขั้นสูงและช้า) จากจังหวะที่รองรับ
ด้วยเหตุนี้ ความรู้สึกถึงพลังงานภายในอันยิ่งใหญ่จึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งอยู่ในสภาวะสมดุลที่ไม่เสถียร จังหวะสวิงส่งต่อจากดนตรีแจ๊สไปสู่ร็อกแอนด์โรลยุคแรก
ศิลปินสวิงดีเด่น: ดยุค เอลลิงตัน, เบนนี่ กู๊ดแมน, เคานต์ เบซี่...
บีบอป

ตะบัน- สไตล์แจ๊สที่พัฒนาขึ้นในช่วงกลางทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 20 และมีลักษณะเฉพาะด้วยจังหวะที่รวดเร็วและการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยการเล่นความสามัคคีมากกว่าทำนอง Bebop ปฏิวัติดนตรีแจ๊ส boppers สร้างสรรค์แนวคิดใหม่เกี่ยวกับดนตรี

ช่วงบีบอปถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการเน้นดนตรีแจ๊สจากดนตรีเต้นรำที่มีทำนองเป็นเพลงที่ได้รับความนิยมน้อยกว่าและมีจังหวะมากกว่า "ดนตรีสำหรับนักดนตรี" นักดนตรีบ็อปชอบการแสดงด้นสดที่ซับซ้อนโดยอาศัยคอร์ดดีดแทนท่วงทำนอง

บีบอปนั้นรวดเร็ว รุนแรง และ “โหดร้ายกับผู้ฟัง”

แจ๊ส โปรเกรสซีฟ

ควบคู่ไปกับการเกิดขึ้นของบีบอป แนวเพลงใหม่กำลังพัฒนาในหมู่ดนตรีแจ๊ส - ดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟ ความแตกต่างที่สำคัญของประเภทนี้คือความปรารถนาที่จะหลีกหนีจากความคิดโบราณที่แช่แข็งของวงดนตรีขนาดใหญ่และเทคนิคที่ล้าสมัยของสิ่งที่เรียกว่า แจ๊สซิมโฟนี

นักดนตรีที่แสดงดนตรีแจ๊สแบบโปรเกรสซีฟพยายามที่จะปรับปรุงและปรับปรุงแบบจำลองวลีสวิงโดยแนะนำความสำเร็จล่าสุดของซิมโฟนิซึมของยุโรปในด้านโทนเสียงและความกลมกลืนในการแต่งเพลง การสนับสนุนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในการพัฒนา "ก้าวหน้า" เกิดขึ้นโดย Stan Kenton เสียงดนตรีที่แสดงโดยวงออเคสตราชุดแรกของเขาใกล้เคียงกับสไตล์ของ Sergei Rachmaninov และการเรียบเรียงก็มีลักษณะของแนวโรแมนติก

ซีรีส์อัลบั้มที่บันทึกไว้ "Artistry", "Miles Ahead", "Spanish Drawings" ถือได้ว่าเป็นการยกย่องสรรเสริญในการพัฒนาดนตรีที่ก้าวหน้า

เย็น

(แจ๊สสุดเจ๋ง) หนึ่งในสไตล์ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ที่ก่อตั้งขึ้นในช่วงเปลี่ยนทศวรรษที่ 40 และ 50 ของศตวรรษที่ 20 โดยอาศัยการพัฒนาความสำเร็จของวงสวิงและป็อป

Trumpeter Miles Davis ผู้บุกเบิกเพลงบีบอปในยุคแรกๆ ได้กลายเป็นผู้ริเริ่มแนวเพลงดังกล่าว

แจ๊สสุดเท่มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยคุณสมบัติต่างๆ เช่น แสงสีเสียง "แห้ง" สโลว์โมชั่น ความกลมกลืนที่เยือกแข็ง ซึ่งสร้างภาพลวงตาของอวกาศ ความไม่ลงรอยกันก็มีบทบาทเช่นกัน แต่มีบุคลิกที่นุ่มนวลและสงบลง

นักเป่าแซ็กโซโฟน Lester Young ได้นำคำว่า "เจ๋ง" มาใช้เป็นครั้งแรก

นักดนตรีกุลาที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ: Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, "Shorty" Rogers .
กระแสหลัก

(อย่างแท้จริง - กระแสหลัก- คำที่เกี่ยวข้องกับช่วงเวลาหนึ่งของวงสวิง ซึ่งนักแสดงพยายามหลีกเลี่ยงความคิดโบราณที่เป็นที่ยอมรับของสไตล์นี้ และยังคงสานต่อประเพณีของดนตรีแจ๊สสีดำ โดยแนะนำองค์ประกอบของการแสดงด้นสด

กระแสหลักมีลักษณะเป็นแนวทำนองที่เรียบง่ายแต่สื่ออารมณ์ ความกลมกลืนแบบดั้งเดิม และจังหวะที่ชัดเจนพร้อมแรงขับที่เด่นชัด

นักแสดงชั้นนำ: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins และหัวหน้าวงดนตรีขนาดใหญ่ Duke Ellington และ Benny Goodman

ฮาร์ดบอป

(ยากยากป็อบ) สไตล์ดนตรีแจ๊สสมัยใหม่

เป็นการสานต่อประเพณีของจังหวะคลาสสิค บลูส์ และบีบอป

เกิดขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 50 ของศตวรรษที่ 20 โดยเป็นการตอบสนองต่อกระแสวิชาการและการวางแนวทางของดนตรีแจ๊สแนวเย็นและชายฝั่งตะวันตกของยุโรป ซึ่งมาถึงยุครุ่งเรืองในเวลานั้น

คุณลักษณะเฉพาะของฮาร์ดบ็อบยุคแรกๆ คือความโดดเด่นของการเล่นดนตรีประกอบจังหวะที่เน้นสำเนียงอย่างเคร่งครัด การเสริมความแข็งแกร่งขององค์ประกอบบลูส์ในน้ำเสียงและความประสานเสียง แนวโน้มที่จะเปิดเผยองค์ประกอบเสียงร้องในการด้นสด และการทำให้ภาษาดนตรีง่ายขึ้น

ตัวแทนหลักของฮาร์ดบ็อบส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีผิวดำ

วงดนตรีชุดแรกของสไตล์นี้ที่บันทึกลงในแผ่นเสียงคือวงดนตรี JAZZ MESSENGERS (1954) ของ Art Blakey

นักดนตรีชั้นนำคนอื่นๆ: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

ฟิวชั่น

(แท้จริงแล้ว - ฟิวชั่น, ฟิวชั่น) การเคลื่อนไหวในรูปแบบสมัยใหม่ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของดนตรีแจ๊สร็อค ซึ่งเป็นการสังเคราะห์องค์ประกอบของดนตรีเชิงวิชาการของยุโรปและคติชนที่ไม่ใช่ของยุโรป เริ่มต้นไม่เพียงแต่จากการผสมผสานของดนตรีแจ๊สกับดนตรีป็อปและร็อคฟิวชั่นเช่น แนวดนตรีปรากฏในช่วงปลายทศวรรษ 1960 ภายใต้ชื่อแจ๊สร็อค

แลร์รี คอรีเอลล์, โทนี่ วิลเลียมส์ และไมลส์ เดวิสแนะนำองค์ประกอบต่างๆ เช่น อิเล็กทรอนิกส์ จังหวะร็อค และเพลงที่ขยายออกไป ซึ่งขจัดสิ่งที่มีพื้นฐานมาจากดนตรีแจ๊สไปมาก นั่นก็คือจังหวะสวิง

การเปลี่ยนแปลงอีกอย่างหนึ่งคือในด้านจังหวะซึ่งมีการแก้ไขหรือเพิกเฉยต่อวงสวิงโดยสิ้นเชิง การเต้นเป็นจังหวะและมิเตอร์ไม่ใช่องค์ประกอบสำคัญในการตีความดนตรีแจ๊สอีกต่อไป

ดนตรีแจ๊สฟรียังคงมีอยู่ในปัจจุบันในฐานะรูปแบบการแสดงออกที่เป็นไปได้ และจริงๆ แล้วไม่ได้เป็นสไตล์ที่ก่อให้เกิดความขัดแย้งอีกต่อไปเหมือนที่รับรู้กันว่าเป็นในสมัยแรกๆ

แจ๊สละติน

การผสมผสานขององค์ประกอบจังหวะละตินปรากฏเกือบตั้งแต่เริ่มต้นในการหลอมรวมวัฒนธรรมที่มีต้นกำเนิดในนิวออร์ลีนส์ อิทธิพลทางดนตรีละตินแพร่กระจายในวงการดนตรีแจ๊ส ไม่เพียงแต่ในวงออเคสตราและวงดนตรีที่มีการแสดงดนตรีสดแบบลาตินชั้นยอดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักแสดงท้องถิ่นและละตินผสมผสานกัน ทำให้เกิดเป็นดนตรีบนเวทีที่น่าตื่นเต้นที่สุด

แต่วันนี้เรากำลังเห็นการผสมผสานของวัฒนธรรมโลกจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งนำเราเข้าใกล้สิ่งที่สำคัญซึ่งกำลังกลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่ตลอดเวลา

ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันช่วยไม่ได้อีกต่อไปแต่ได้รับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้ามาจากเกือบทุกมุมโลก

โอกาสที่เป็นไปได้ในการพัฒนาต่อไปของดนตรีแจ๊สในปัจจุบันค่อนข้างมาก เนื่องจากวิธีในการพัฒนาความสามารถและวิธีการในการแสดงออกของดนตรีแจ๊สนั้นไม่อาจคาดเดาได้ โดยทวีคูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวเพลงแจ๊สต่างๆ ที่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบัน

แจ๊สเป็นดนตรีประเภทพิเศษที่ผสมผสานดนตรีอเมริกันในศตวรรษก่อน จังหวะแอฟริกัน เพลงฆราวาส เพลงทำงาน และพิธีกรรม แฟนเพลงประเภทนี้สามารถดาวน์โหลดเพลงโปรดได้โดยใช้เว็บไซต์ http://vkdj.org/

คุณสมบัติของแจ๊ส

แจ๊สมีคุณสมบัติบางประการ:

• จังหวะ;
• ด้นสด;
• หลายจังหวะ

ได้รับความปรองดองอันเป็นผลมาจากอิทธิพลของยุโรป ดนตรีแจ๊สมีพื้นฐานมาจากจังหวะพิเศษที่มีต้นกำเนิดจากแอฟริกา สไตล์นี้ครอบคลุมสไตล์เครื่องดนตรีและเสียงร้อง แจ๊สมีอยู่จริงด้วยการใช้งาน เครื่องดนตรีซึ่งในดนตรีธรรมดาจะให้ความสำคัญเป็นรอง นักดนตรีแจ๊สต้องมีความสามารถในการแสดงดนตรีสดในการแสดงเดี่ยวและออเคสตรา

ลักษณะของดนตรีแจ๊ส

คุณสมบัติหลักของดนตรีแจ๊สคือเสรีภาพในจังหวะซึ่งปลุกให้นักแสดงรู้สึกถึงความเบาผ่อนคลายอิสระและการเคลื่อนไหวไปข้างหน้าอย่างต่อเนื่อง ทั้งงานคลาสสิกและดนตรีประเภทนี้ต่างก็มีมิเตอร์และจังหวะของตัวเองซึ่งเรียกว่าสวิง สำหรับทิศทางนี้ จังหวะคงที่เป็นสิ่งสำคัญมาก

ดนตรีแจ๊สมีลักษณะเฉพาะของตัวเองและ รูปร่างที่ผิดปกติ- เพลงหลัก ได้แก่ เพลงบลูส์และเพลงบัลลาดซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับเวอร์ชันดนตรีทุกประเภท

ดนตรีประเภทนี้เป็นความคิดสร้างสรรค์ของผู้แสดง มันเป็นความเฉพาะเจาะจงและความคิดริเริ่มของนักดนตรีที่เป็นรากฐาน เป็นไปไม่ได้ที่จะเรียนรู้จากบันทึกย่อเพียงอย่างเดียว แนวเพลงนี้ขึ้นอยู่กับความคิดสร้างสรรค์และแรงบันดาลใจของนักแสดงในขณะที่เล่น ซึ่งนำอารมณ์และจิตวิญญาณมาสู่งาน

ลักษณะสำคัญของเพลงนี้ ได้แก่ :

• ความสามัคคี;
• ทำนอง;
• จังหวะ.

ต้องขอบคุณด้นสดที่มีการสร้างสรรค์ผลงานใหม่ๆ ทุกครั้ง งานสองชิ้นที่บรรเลงโดยนักดนตรีที่แตกต่างกันไม่เคยมีในชีวิตที่จะมีเสียงที่เหมือนกัน ไม่เช่นนั้นวงออเคสตราจะพยายามเลียนแบบกัน

สไตล์โมเดิร์นนี้มีคุณสมบัติมากมาย เพลงแอฟริกัน- หนึ่งในนั้นคือเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นสามารถทำหน้าที่เป็นเครื่องเพอร์คัชชันได้ เมื่อทำการแต่งเพลงแจ๊ส จะใช้โทนเสียงสนทนาที่เป็นที่รู้จัก คุณสมบัติที่ยืมมาอีกอย่างหนึ่งคือการเล่นเครื่องดนตรีเลียนแบบการสนทนา ศิลปะดนตรีมืออาชีพประเภทนี้ซึ่งเปลี่ยนแปลงไปอย่างมากตามกาลเวลาไม่มีขอบเขตที่เข้มงวด เขาเปิดกว้างต่ออิทธิพลของนักแสดงอย่างสมบูรณ์

แจ๊ส - ศิลปะดนตรีรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกาในนิวออร์ลีนส์อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรปและต่อมาก็แพร่หลาย ต้นกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือแนวบลูส์และแอฟริกันอเมริกันอื่นๆ เพลงพื้นบ้าน- ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีแจ๊สในขั้นต้นคือการด้นสด, จังหวะหลายจังหวะตามจังหวะที่ประสานกัน และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงพื้นผิวเป็นจังหวะ - การสวิง การพัฒนาดนตรีแจ๊สเพิ่มเติมเกิดขึ้นเนื่องจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิคใหม่ๆ โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส ประเภทของดนตรีแจ๊สได้แก่: แจ๊สอาวองการ์ด, บีบอป, แจ๊สคลาสสิก, คูล, แจ๊สโมดัล, สวิง, แจ๊สสมูท, โซลแจ๊ส, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น, ฮาร์ดป็อบ และอื่นๆ อีกมากมาย

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาดนตรีแจ๊ส

วงดนตรีแจ๊ส Vilex College รัฐเท็กซัส

ดนตรีแจ๊สถือกำเนิดขึ้นจากการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีและประเพณีของชาติต่างๆ เดิมทีมาจากแอฟริกา ดนตรีแอฟริกันมีลักษณะเป็นจังหวะที่ซับซ้อนมาก ดนตรีจะมาพร้อมกับการเต้นรำเสมอซึ่งประกอบด้วยการกระทืบและปรบมืออย่างรวดเร็ว บนพื้นฐานนี้ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 แนวดนตรีอีกประเภทหนึ่งก็เกิดขึ้น - แร็กไทม์ ต่อจากนั้นจังหวะแร็กไทม์รวมกับองค์ประกอบบลูส์ทำให้เกิดทิศทางดนตรีใหม่ - แจ๊ส

เพลงบลูส์เกิดขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 โดยเป็นการผสมผสานระหว่างจังหวะแอฟริกันและความกลมกลืนของยุโรป แต่ควรค้นหาต้นกำเนิดตั้งแต่ช่วงเวลาที่นำเข้าทาสจากแอฟริกาไปยังดินแดนของโลกใหม่ ทาสที่นำมานั้นไม่ได้มาจากครอบครัวเดียวกันและมักจะไม่เข้าใจกันด้วยซ้ำ ความจำเป็นในการรวมเข้าด้วยกันนำไปสู่การรวมหลายวัฒนธรรมเข้าด้วยกัน และเป็นผลให้เกิดการสร้างวัฒนธรรมเดียว (รวมถึงดนตรี) ของชาวแอฟริกันอเมริกัน กระบวนการผสมผสานวัฒนธรรมดนตรีแอฟริกันและยุโรป (ซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในโลกใหม่) เกิดขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 และในศตวรรษที่ 19 นำไปสู่การเกิดขึ้นของ "โปรโตแจ๊ส" จากนั้นจึงแจ๊สในความหมายที่ยอมรับกันโดยทั่วไป . แหล่งกำเนิดของดนตรีแจ๊สคือทางตอนใต้ของอเมริกา และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในนิวออร์ลีนส์
จำนำ ความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์แจ๊ส - ด้นสด
ลักษณะเฉพาะของสไตล์คือการแสดงเฉพาะตัวของนักดนตรีแจ๊สอัจฉริยะ กุญแจสำคัญของความเยาว์วัยชั่วนิรันดร์ในดนตรีแจ๊สคือการด้นสด หลังจากการเกิดขึ้นของนักแสดงที่เก่งกาจซึ่งใช้ชีวิตทั้งชีวิตในจังหวะดนตรีแจ๊สและยังคงเป็นตำนาน - หลุยส์ อาร์มสตรอง ศิลปะการแสดงดนตรีแจ๊สมองเห็นขอบเขตที่แปลกใหม่: การแสดงเดี่ยวร้องหรือบรรเลงกลายเป็นศูนย์กลางของการแสดงทั้งหมด เปลี่ยนแนวความคิดของดนตรีแจ๊สไปโดยสิ้นเชิง ดนตรีแจ๊สไม่ได้เป็นเพียงการแสดงดนตรีบางประเภทเท่านั้น แต่ยังเป็นยุคที่ร่าเริงและมีเอกลักษณ์อีกด้วย

แจ๊สนิวออร์ลีนส์

คำว่านิวออร์ลีนส์มักหมายถึงรูปแบบของนักดนตรีแจ๊สที่เล่นดนตรีแจ๊สในนิวออร์ลีนส์ระหว่างปี 1900 ถึง 1917 เช่นเดียวกับนักดนตรีนิวออร์ลีนส์ที่เล่นและบันทึกเสียงในชิคาโกตั้งแต่ปี 1917 ถึง 1920 ช่วงนี้ ประวัติศาสตร์แจ๊สหรือที่เรียกว่ายุคแจ๊ส และแนวคิดนี้ยังใช้เพื่ออธิบายดนตรีที่แสดงในช่วงเวลาประวัติศาสตร์ต่างๆ โดยตัวแทนของการฟื้นฟูนิวออร์ลีนส์ซึ่งพยายามแสดงดนตรีแจ๊สในรูปแบบเดียวกับนักดนตรีของโรงเรียนนิวออร์ลีนส์

โฟล์คและแจ๊สของชาวแอฟริกันอเมริกันมีเส้นทางที่แตกต่างกันนับตั้งแต่เปิด Storyville ซึ่งเป็นย่านโคมแดงของนิวออร์ลีนส์ซึ่งขึ้นชื่อในด้านสถานบันเทิง ผู้ที่ต้องการสนุกสนานและสนุกสนานจะได้รับโอกาสอันน่าดึงดูดใจมากมาย โดยมีทั้งฟลอร์เต้นรำ คาบาเร่ต์ รายการวาไรตี้ ละครสัตว์ บาร์ และสแน็คบาร์ และทุกที่ในสถานประกอบการเหล่านี้ก็มีเสียงดนตรีและนักดนตรีที่เชี่ยวชาญดนตรีที่ประสานกันใหม่ก็สามารถหางานทำได้ ด้วยจำนวนนักดนตรีที่เพิ่มขึ้นทีละน้อยที่ทำงานอย่างมืออาชีพในสถานบันเทิงของ Storyville จำนวนวงดนตรีทองเหลืองที่เดินขบวนและตามท้องถนนก็ลดลง และในสถานที่ของพวกเขาที่เรียกว่าวงดนตรี Storyville ก็ปรากฏตัวขึ้น การแสดงดนตรีที่กลายเป็นปัจเจกบุคคลมากขึ้น เมื่อเทียบกับการเล่นของวงทองเหลือง การเรียบเรียงเหล่านี้มักเรียกว่า "คอมโบออเคสตร้า" กลายเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์แจ๊สคลาสสิกของนิวออร์ลีนส์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนต์คลับของ Storyville มีบรรยากาศที่เหมาะสำหรับการเล่นดนตรีแจ๊ส
ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2453 ถึง พ.ศ. 2460 ไนต์คลับของ Storyville มีบรรยากาศที่เหมาะสำหรับการเล่นดนตรีแจ๊ส
พัฒนาการของดนตรีแจ๊สในสหรัฐอเมริกาในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20

หลังจากการปิด Storyville ไปแล้ว ดนตรีแจ๊สจากแนวเพลงพื้นบ้านระดับภูมิภาคก็เริ่มกลายเป็นกระแสดนตรีระดับชาติ และแพร่กระจายไปยังจังหวัดทางตอนเหนือและตะวันออกเฉียงเหนือของสหรัฐอเมริกา แต่แน่นอนว่าการแพร่ขยายออกไปในวงกว้างนั้นไม่สามารถอำนวยความสะดวกได้โดยการปิดย่านบันเทิงเพียงแห่งเดียวเท่านั้น ควบคู่ไปกับนิวออร์ลีนส์ในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส คุ้มค่ามากเซนต์หลุยส์, แคนซัสซิตี้ และเมมฟิสเล่นตั้งแต่ต้น Ragtime มีต้นกำเนิดในเมืองเมมฟิสในศตวรรษที่ 19 และต่อมาได้แพร่กระจายไปทั่วทวีปอเมริกาเหนือในช่วงปี พ.ศ. 2433-2546

ในทางกลับกัน การแสดงของนักร้องประสานเสียงที่มีการเคลื่อนไหวทางดนตรีทุกประเภทของคติชนแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่จิ๊กไปจนถึงแร็กไทม์ได้แพร่กระจายอย่างรวดเร็วไปทุกที่และเตรียมหนทางสำหรับการมาถึงของดนตรีแจ๊สด้วยโมเสกสีสันสดใส ดาราดนตรีแจ๊สในอนาคตหลายคนเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครเพลง ก่อนที่ Storyville จะปิดตัวลง นักดนตรีในนิวออร์ลีนส์ได้ออกทัวร์ร่วมกับคณะละครที่เรียกว่า "vaudeville" Jelly Roll Morton ไปเที่ยวเป็นประจำในแอละแบมา ฟลอริดา และเท็กซัสตั้งแต่ปี 1904 ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 เขามีสัญญาให้แสดงในชิคาโก ในปี 1915 วงออเคสตรา Dixieland สีขาวของ Thom Browne ก็ย้ายไปชิคาโกด้วย “Creole Band” อันโด่งดังซึ่งนำโดยนักคอร์เนต์ชาวนิวออร์ลีนส์ Freddie Keppard ยังได้ทัวร์คอนเสิร์ตครั้งใหญ่ในชิคาโกด้วย หลังจากแยกตัวออกจากวง Olympia Band ศิลปินของ Freddie Keppard ในปี 1914 ก็ประสบความสำเร็จในการแสดง โรงละครที่ดีที่สุดชิคาโกและได้รับข้อเสนอให้บันทึกเสียงการแสดงของพวกเขาก่อนวงดนตรีแจ๊ส Original Dixieland ซึ่ง Freddie Keppard สายตาสั้นปฏิเสธ พื้นที่ที่ครอบคลุมโดยอิทธิพลของดนตรีแจ๊สได้รับการขยายออกไปอย่างมีนัยสำคัญโดยวงออเคสตราที่เล่นโดยเรือกลไฟเพื่อความสุขที่แล่นไปตามแม่น้ำมิสซิสซิปปี้

นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 การเดินทางทางแม่น้ำจากนิวออร์ลีนส์ไปยังเซนต์พอลได้รับความนิยม ครั้งแรกสำหรับวันหยุดสุดสัปดาห์ และต่อมาตลอดทั้งสัปดาห์ ตั้งแต่ปี 1900 เป็นต้นมา วงออร์เคสตราของนิวออร์ลีนส์ได้แสดงบนเรือล่องแม่น้ำเหล่านี้ และดนตรีของพวกเขาก็กลายเป็นความบันเทิงที่ดึงดูดใจที่สุดสำหรับผู้โดยสารในระหว่างการทัวร์ชมแม่น้ำ ภรรยาในอนาคตของหลุยส์ อาร์มสตรอง นักเปียโนแจ๊สคนแรก ลิล ฮาร์ดิน เริ่มต้นจากวงออร์เคสตรา "Suger Johnny" วงหนึ่ง นักเปียโนอีกคนคือวงออร์เคสตราเรือล่องแม่น้ำของ Fates Marable นำเสนอนักดนตรีแจ๊สชาวนิวออร์ลีนส์ในอนาคตมากมาย

เรือกลไฟที่แล่นไปตามแม่น้ำมักจะจอดที่สถานีที่ผ่าน ซึ่งมีวงออร์เคสตราจัดคอนเสิร์ตให้กับประชาชนในท้องถิ่น คอนเสิร์ตเหล่านี้เองที่กลายเป็นการเปิดตัวอย่างสร้างสรรค์ของ Bix Beiderbeck, Jess Stacy และคนอื่นๆ อีกมากมาย เส้นทางที่มีชื่อเสียงอีกเส้นทางหนึ่งวิ่งผ่านมิสซูรีไปยังแคนซัสซิตี ในเมืองนี้ ซึ่งต้องขอบคุณรากฐานอันแข็งแกร่งของนิทานพื้นบ้านแอฟริกันอเมริกัน ดนตรีบลูส์จึงพัฒนาและเป็นรูปเป็นร่างในที่สุด การเล่นดนตรีแจ๊สของนิวออร์ลีนส์ที่เชี่ยวชาญทำให้มีสภาพแวดล้อมที่อุดมสมบูรณ์เป็นพิเศษ ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1920 ชิคาโกกลายเป็นศูนย์กลางหลักสำหรับการพัฒนาดนตรีแจ๊ส โดยที่ความพยายามของนักดนตรีหลายคนที่รวมตัวกันจากส่วนต่างๆ ของสหรัฐอเมริกา จึงได้สร้างสรรค์สไตล์ที่มีชื่อเล่นว่าแจ๊สชิคาโก

วงใหญ่

วงดนตรีขนาดใหญ่รูปแบบคลาสสิกที่ก่อตั้งขึ้นเป็นที่รู้จักในวงการดนตรีแจ๊สมาตั้งแต่ต้นทศวรรษ 1920 แบบฟอร์มนี้ยังคงมีความเกี่ยวข้องจนถึงสิ้นทศวรรษที่ 1940 ตามกฎแล้ว นักดนตรีที่เข้าร่วมวงดนตรีใหญ่ๆ ส่วนใหญ่อยู่ในช่วงวัยรุ่น จะเล่นท่อนที่เฉพาะเจาะจงมาก ไม่ว่าจะจดจำในการซ้อมหรือจากโน้ตก็ตาม การเรียบเรียงอย่างระมัดระวังประกอบกับท่อนทองเหลืองขนาดใหญ่และเครื่องเป่าลมไม้ทำให้เกิดเสียงประสานของดนตรีแจ๊สที่เข้มข้น และสร้างเสียงที่ดังอย่างเร้าใจซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ "เสียงของวงดนตรีขนาดใหญ่"

วงดนตรีขนาดใหญ่กลายเป็นเพลงยอดนิยมในยุคนั้น และมีชื่อเสียงสูงสุดในช่วงกลางทศวรรษที่ 1930 เพลงนี้กลายเป็นที่มาของความคลั่งไคล้การเต้นสวิง ผู้นำของวงออเคสตราแจ๊สชื่อดัง Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett แต่งหรือเรียบเรียงและบันทึกขบวนพาเหรดเพลงฮิตที่ได้ยินไม่เพียงแต่ใน วิทยุ แต่ยังมีอยู่ทุกที่ในห้องเต้นรำ วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงจัดแสดงผลงานเดี่ยวเดี่ยวของพวกเขา ซึ่งทำให้ผู้ชมตกอยู่ในอาการฮิสทีเรียระหว่าง "การต่อสู้ของวงดนตรี" ที่ได้รับการโปรโมตอย่างดี
วงดนตรีขนาดใหญ่หลายวงได้แสดงผลงานเดี่ยวแบบด้นสดของพวกเขา ซึ่งนำพาผู้ชมไปสู่สภาวะที่เกือบจะเป็นโรคฮิสทีเรีย
แม้ว่าความนิยมของวงดนตรีใหญ่จะลดลงอย่างมากหลังสงครามโลกครั้งที่สอง แต่วงออเคสตราที่นำโดย Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James และคนอื่นๆ อีกหลายคนได้ออกทัวร์และบันทึกเสียงบ่อยครั้งในช่วงไม่กี่ทศวรรษถัดมา ดนตรีของพวกเขาค่อยๆ เปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของเทรนด์ใหม่ กลุ่มต่างๆ เช่น วงดนตรีที่นำโดย Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus และ Tad Jones-Mal Lewis ได้สำรวจแนวความคิดใหม่ๆ ในความกลมกลืน การใช้เครื่องดนตรี และเสรีภาพในการแสดงด้นสด ปัจจุบัน วงดนตรีขนาดใหญ่เป็นมาตรฐานในการศึกษาดนตรีแจ๊ส วงออเคสตราสำหรับการแสดงละคร เช่น Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra และ Chicago Jazz Ensemble มักจะเล่นการเรียบเรียงดนตรีต้นฉบับของวงดนตรีขนาดใหญ่เป็นประจำ

แจ๊สตะวันออกเฉียงเหนือ

แม้ว่าประวัติศาสตร์ของดนตรีแจ๊สจะเริ่มต้นขึ้นในนิวออร์ลีนส์ด้วยการถือกำเนิดของศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีก็เริ่มได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เมื่อนักเป่าแตร หลุยส์ อาร์มสตรอง ออกจากนิวออร์ลีนส์เพื่อสร้างดนตรีแนวใหม่ที่ปฏิวัติวงการในชิคาโก การอพยพของปรมาจารย์ด้านดนตรีแจ๊สแห่งนิวออร์ลีนส์ไปยังนิวยอร์ก ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากนั้นไม่นาน ถือเป็นแนวโน้มของการเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องของนักดนตรีแจ๊สจากทางใต้สู่ทางเหนือ

หลุยส์ อาร์มสตรอง

ชิคาโกนำดนตรีของนิวออร์ลีนส์มาสร้างความร้อนแรง โดยไม่เพียงแต่เพิ่มความเข้มข้นของวงดนตรี Hot Five และ Hot Seven อันโด่งดังของ Armstrong เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงวงอื่นๆ อีกด้วย รวมถึงปรมาจารย์อย่าง Eddie Condon และ Jimmy McPartland ซึ่งเป็นทีมงานที่ Austin High School ช่วยฟื้นฟูโรงเรียนในนิวออร์ลีนส์ ชาวชิคาโกที่มีชื่อเสียงคนอื่นๆ ที่ก้าวข้ามขีดจำกัดของดนตรีแจ๊สคลาสสิกในนิวออร์ลีนส์ ได้แก่ นักเปียโน Art Hodes มือกลอง Barrett Deems และนักคลาริเน็ต เบนนี่ กู๊ดแมน- อาร์มสตรองและกู๊ดแมนซึ่งในที่สุดก็ย้ายไปนิวยอร์ค ได้สร้างมวลชนสำคัญที่นั่นซึ่งช่วยให้เมืองนี้กลายเป็นเมืองหลวงแห่งดนตรีแจ๊สอย่างแท้จริงของโลก และในขณะที่ชิคาโกยังคงเป็นศูนย์บันทึกเสียงเป็นหลักในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 นิวยอร์กก็กลายเป็นสถานที่แสดงดนตรีแจ๊สที่สำคัญ โดยมีคลับในตำนานเช่น Minton Playhouse, Cotton Club, the Savoy และ Village Vanguard และยังมีเวทีอื่นๆ อีกด้วย อย่างคาร์เนกี้ ฮอลล์

สไตล์แคนซัสซิตี้

ในช่วงยุคเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และการห้าม วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้กลายเป็นเมืองสำคัญของดนตรีแนวใหม่ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 และ 1930 สไตล์ที่เฟื่องฟูในแคนซัสซิตีโดดเด่นด้วยการแสดงดนตรีแนวบลูส์ที่จริงใจซึ่งแสดงโดยวงดนตรีขนาดใหญ่และวงสวิงเล็ก ๆ ที่นำเสนอโซโลที่มีพลังสูงซึ่งแสดงสำหรับลูกค้าที่ขายเหล้าเถื่อน มันอยู่ในบวบเหล่านี้ที่สไตล์ของ Count Basie ผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเริ่มต้นในแคนซัสซิตีในวงออเคสตราของ Walter Page และต่อมากับ Benny Mouthen ตกผลึก วงออเคสตราทั้งสองนี้เป็นตัวแทนทั่วไปของสไตล์แคนซัสซิตี ซึ่งมีพื้นฐานมาจากรูปแบบเฉพาะของเพลงบลูส์ เรียกว่า "เออร์เบิร์นบลูส์" และก่อตั้งขึ้นจากการเล่นของออเคสตร้าที่กล่าวมาข้างต้น วงการดนตรีแจ๊สในแคนซัสซิตี้ยังโดดเด่นด้วยกาแล็กซีของปรมาจารย์ด้านโวคอลบลูส์ที่โดดเด่นซึ่ง "ราชา" ที่ได้รับการยอมรับซึ่งเป็นศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตรา Count Basie เป็นเวลานานซึ่งเป็นนักร้องบลูส์ชื่อดัง Jimmy Rushing ชาร์ลี ปาร์กเกอร์ นักเป่าแซ็กโซโฟนอัลโตผู้โด่งดัง เกิดในแคนซัสซิตี้ เมื่อเขามาถึงนิวยอร์ก เขาใช้ “เทคนิค” บลูส์อันเป็นเอกลักษณ์ที่เขาได้เรียนรู้จากวงออเคสตราในแคนซัสซิตี้อย่างกว้างขวาง และต่อมาได้ก่อให้เกิดจุดเริ่มต้นหนึ่งในการทดลองดนตรีบอปเปอร์ใน ทศวรรษที่ 1940

เวสต์โคสต์แจ๊ส

ศิลปินที่หลงใหลในขบวนการดนตรีแจ๊สสุดเจ๋งในช่วงทศวรรษ 1950 ได้ทำงานอย่างกว้างขวางในสตูดิโอบันทึกเสียงในลอสแอนเจลิส โดยได้รับอิทธิพลส่วนใหญ่จากโนเน็ตของไมลส์ เดวิส นักแสดงจากลอสแอนเจลิสเหล่านี้ได้พัฒนาสิ่งที่ปัจจุบันเรียกว่า "แจ๊สชายฝั่งตะวันตก" ดนตรีแจ๊สฝั่งตะวันตกมีความนุ่มนวลกว่าเสียงบีบ็อพอันดุเดือดที่เกิดขึ้นก่อนหน้านี้มาก แจ๊สฝั่งตะวันตกส่วนใหญ่เขียนออกมาอย่างละเอียด เส้นความแตกต่างที่มักใช้ในการเรียบเรียงเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นส่วนหนึ่งของอิทธิพลของยุโรปที่แทรกซึมอยู่ในดนตรีแจ๊ส อย่างไรก็ตาม เพลงนี้มีพื้นที่เหลือมากสำหรับการแสดงเดี่ยวแบบเชิงเส้นแบบยาว แม้ว่า West Coast Jazz จะแสดงในสตูดิโอบันทึกเสียงเป็นหลัก แต่คลับต่างๆ เช่น Lighthouse ใน Hermosa Beach และ the Haig ในลอสแอนเจลิส มักแสดงโดยปรมาจารย์หลักๆ ของวง เช่น นักเป่าแตร Shorty Rogers นักเป่าแซ็กโซโฟน Art Pepper และ Bud Schenk มือกลอง Shelley Mann และนักคลาริเน็ต Jimmy Giuffre .

การแพร่กระจายของดนตรีแจ๊ส

ดนตรีแจ๊สดึงดูดความสนใจของนักดนตรีและผู้ฟังทั่วโลกมาโดยตลอด โดยไม่คำนึงถึงสัญชาติ ก็เพียงพอแล้วที่จะติดตามผลงานในยุคแรกๆ ของนักเป่าแตร Dizzy Gillespie และการสังเคราะห์ประเพณีดนตรีแจ๊สของเขากับดนตรีของชาวคิวบาผิวดำในทศวรรษที่ 1940 หรือการผสมผสานระหว่างดนตรีแจ๊สกับดนตรีญี่ปุ่น ยูโรเอเชีย และตะวันออกกลางในเวลาต่อมา ซึ่งมีชื่อเสียงในผลงานของนักเปียโน Dave Brubeck รวมถึงนักแต่งเพลงที่เก่งกาจและผู้นำดนตรีแจ๊ส - Duke Ellington Orchestra ซึ่งผสมผสานมรดกทางดนตรีของแอฟริกา ละตินอเมริกา และตะวันออกไกล

เดฟ บรูเบค

ดนตรีแจ๊สไม่เพียงแต่ซึมซับประเพณีดนตรีตะวันตกเท่านั้น ตัวอย่างเช่น เมื่อศิลปินต่างๆ เริ่มลองทำงานกับองค์ประกอบทางดนตรีของอินเดีย ตัวอย่างของความพยายามเหล่านี้สามารถได้ยินได้ในการบันทึกของนักเป่าขลุ่ย Paul Horne ที่ทัชมาฮาล หรือในกระแสของ "ดนตรีโลก" ที่นำเสนอ เช่น ในงานของกลุ่ม Oregon หรือโครงการ Shakti ของ John McLaughlin ดนตรีของ McLaughlin ซึ่งก่อนหน้านี้ส่วนใหญ่เป็นดนตรีแจ๊ส ในช่วงเวลาที่เขาอยู่กับ Shakti เริ่มแนะนำเครื่องดนตรีใหม่ๆ ที่มีต้นกำเนิดจากอินเดีย เช่น khatam หรือ tabla แนะนำจังหวะที่สลับซับซ้อน และใช้รูปแบบ raga ของอินเดียอย่างกว้างขวาง
ในขณะที่โลกาภิวัฒน์ของโลกดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีดนตรีอื่นๆ
Art Ensemble of Chicago เป็นผู้บุกเบิกในยุคแรกในการผสมผสานรูปแบบแอฟริกันและแจ๊ส ในเวลาต่อมา โลกได้รู้จักกับนักเป่าแซ็กโซโฟน/นักแต่งเพลง จอห์น ซอร์น และการสำรวจวัฒนธรรมดนตรีของชาวยิว ทั้งในและนอกวงมาซาดาออร์เคสตรา ผลงานเหล่านี้เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักดนตรีแจ๊สคนอื่นๆ ทั้งกลุ่ม เช่น นักคีย์บอร์ด John Medeski ซึ่งบันทึกเสียงร่วมกับนักดนตรีชาวแอฟริกัน Salif Keita นักกีตาร์ Marc Ribot และมือเบส Anthony Coleman นักเป่าแตร Dave Douglas ผสมผสานอิทธิพลของบอลข่านเข้ากับดนตรีของเขาอย่างกระตือรือร้น ในขณะที่วง Asian-American Jazz Orchestra ได้กลายเป็นผู้นำเสนอชั้นนำของการบรรจบกันของอิทธิพลของดนตรีแจ๊สและเอเชีย รูปแบบดนตรี- ในขณะที่กระแสโลกาภิวัตน์ของโลกยังคงดำเนินต่อไป ดนตรีแจ๊สยังคงได้รับอิทธิพลจากประเพณีทางดนตรีอื่นๆ อย่างต่อเนื่อง ซึ่งเป็นแหล่งอาหารอันอุดมสมบูรณ์สำหรับการวิจัยในอนาคต และแสดงให้เห็นว่าดนตรีแจ๊สเป็นดนตรีระดับโลกอย่างแท้จริง

ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

วงดนตรีแจ๊สวงแรกของ Valentin Parnakh ใน RSFSR

วงการดนตรีแจ๊สเกิดขึ้นในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 พร้อมกับความรุ่งเรืองในสหรัฐอเมริกา วงออเคสตราแจ๊สวงแรกในโซเวียตรัสเซียถูกสร้างขึ้นในกรุงมอสโกในปี 1922 โดยกวี นักแปล นักเต้น และนักแสดงละคร Valentin Parnakh และถูกเรียกว่า "วงออเคสตราประหลาดแห่งแรกของวงดนตรีแจ๊สของ Valentin Parnakh ใน RSFSR" วันเกิดของดนตรีแจ๊สรัสเซียตามประเพณีถือเป็นวันที่ 1 ตุลาคม พ.ศ. 2465 เมื่อมีการจัดคอนเสิร์ตครั้งแรกของกลุ่มนี้ วงดนตรีแจ๊สมืออาชีพกลุ่มแรกที่แสดงทางวิทยุและบันทึกแผ่นเสียงถือเป็นวงออเคสตราของนักเปียโนและนักแต่งเพลง Alexander Tsfasman (มอสโก)

วงดนตรีแจ๊สโซเวียตยุคแรก ๆ ที่เชี่ยวชาญการแสดงการเต้นรำตามสมัยนิยม (foxtrot, Charleston) ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในช่วงทศวรรษที่ 30 โดยส่วนใหญ่ต้องขอบคุณวงดนตรีเลนินกราดที่นำโดยนักแสดงและนักร้อง Leonid Utesov และนักเป่าแตร B. Skomorovsky ภาพยนตร์ตลกยอดนิยมที่มีส่วนร่วมของเขาเรื่อง Jolly Guys (1934) อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ของนักดนตรีแจ๊สและมีเพลงประกอบที่เกี่ยวข้อง (เขียนโดย Isaac Dunaevsky) Utesov และ Skomorovsky ก่อตั้งขึ้น สไตล์ดั้งเดิม“ thea-jazz” (ละครแจ๊ส) ซึ่งมีบทบาทอย่างมากจากการผสมผสานของดนตรีเข้ากับโรงละคร โอเปเรตต้า หมายเลขเสียงร้อง และองค์ประกอบของการแสดง เอ็ดดี้ รอสเนอร์ นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้นำวงออเคสตรามีส่วนสำคัญในการพัฒนาดนตรีแจ๊สของโซเวียต หลังจากเริ่มต้นอาชีพในเยอรมนี โปแลนด์ และประเทศอื่นๆ ในยุโรป รอสเนอร์ย้ายไปที่สหภาพโซเวียต และกลายเป็นหนึ่งในผู้บุกเบิกวงสวิงในสหภาพโซเวียต และเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีแจ๊สเบลารุส
ในจิตสำนึกของมวลชน ดนตรีแจ๊สเริ่มได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในสหภาพโซเวียตในช่วงทศวรรษที่ 30
ทัศนคติ เจ้าหน้าที่โซเวียตสำหรับดนตรีแจ๊สนั้นคลุมเครือ: ตามกฎแล้วนักแสดงแจ๊สในประเทศไม่ได้ถูกห้าม แต่การวิจารณ์ดนตรีแจ๊สอย่างรุนแรงเช่นนี้ก็แพร่หลายในบริบทของการวิจารณ์ วัฒนธรรมตะวันตกโดยทั่วไป. ในช่วงปลายทศวรรษที่ 40 ในระหว่างการต่อสู้กับลัทธิสากลนิยม ดนตรีแจ๊สในสหภาพโซเวียตกำลังเผชิญกับช่วงเวลาที่ยากลำบากเป็นพิเศษ เมื่อกลุ่มที่แสดงดนตรี "ตะวันตก" ถูกข่มเหง เมื่อเริ่มมีอาการ Thaw การปราบปรามนักดนตรีก็ยุติลง แต่การวิพากษ์วิจารณ์ยังคงดำเนินต่อไป จากการวิจัยของอาจารย์ประวัติศาสตร์และ วัฒนธรรมอเมริกันเพนนี แวน เอสเชน กระทรวงการต่างประเทศสหรัฐฯ พยายามใช้ดนตรีแจ๊สเป็นอาวุธทางอุดมการณ์เพื่อต่อต้านสหภาพโซเวียต และต่อต้านการขยายอิทธิพลของโซเวียตไปสู่ประเทศโลกที่สาม ในช่วงทศวรรษที่ 50 และ 60 ในมอสโกวงออเคสตราของ Eddie Rosner และ Oleg Lundstrem กลับมาทำกิจกรรมต่อโดยมีการเรียบเรียงใหม่ซึ่งมีวงออเคสตราของ Joseph Weinstein (เลนินกราด) และ Vadim Ludvikovsky (มอสโก) ที่โดดเด่นรวมถึง Riga Variety Orchestra (REO)

วงดนตรีขนาดใหญ่ได้นำกาแล็กซีของผู้เรียบเรียงที่มีความสามารถและศิลปินเดี่ยว-อิมโพรไวเซอร์ ซึ่งผลงานของเขาได้นำแจ๊สโซเวียตไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพและนำมาซึ่งใกล้กับมาตรฐานโลกมากขึ้น ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin การพัฒนาแชมเบอร์และคลับแจ๊สเริ่มต้นจากความหลากหลายของโวหาร (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, เยอรมัน Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor ฟรีดแมน, อันเดรย์ ตอฟมายาน, อิกอร์ บริล, เลโอนิด ชิซิก ฯลฯ)

คลับแจ๊ส "บลูเบิร์ด"

ปรมาจารย์ดนตรีแจ๊สโซเวียตหลายคนที่กล่าวมาข้างต้นหลายคนเริ่มต้นของพวกเขา เส้นทางที่สร้างสรรค์บนเวทีของสโมสรแจ๊สมอสโกในตำนาน "Blue Bird" ซึ่งมีตั้งแต่ปี 1964 ถึง 2009 ค้นพบชื่อใหม่ของตัวแทนของดาราแจ๊สรัสเซียยุคใหม่ (พี่น้อง Alexander และ Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko และ คนอื่น). ในยุค 70 วงดนตรีแจ๊สทั้งสามคน "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) ซึ่งประกอบด้วยนักเปียโน Vyacheslav Ganelin มือกลอง Vladimir Tarasov และนักเป่าแซ็กโซโฟน Vladimir Chekasin ซึ่งมีอยู่จนถึงปี 1986 กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ในยุค 70 และ 80 วงดนตรีแจ๊สจากอาเซอร์ไบจาน "Gaya" และวงดนตรีนักร้องและเครื่องดนตรีจอร์เจีย "Orera" และ "Jazz Chorale" ก็มีชื่อเสียงเช่นกัน

หลังจากที่ความสนใจในดนตรีแจ๊สลดลงในช่วงทศวรรษที่ 90 ดนตรีแจ๊สก็เริ่มได้รับความนิยมอีกครั้งในวัฒนธรรมของเยาวชน เทศกาลดนตรีแจ๊ส เช่น “Usadba Jazz” และ “Jazz in the Hermitage Garden” จัดขึ้นทุกปีในมอสโก สถานที่คลับแจ๊สที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในมอสโกคือคลับแจ๊ส "Union of Composers" เชิญนักดนตรีแจ๊สและบลูส์ชื่อดังระดับโลก

แจ๊สในโลกสมัยใหม่

โลกแห่งดนตรีสมัยใหม่มีความหลากหลายพอๆ กับสภาพอากาศและภูมิศาสตร์ที่เราสัมผัสได้จากการเดินทาง แต่วันนี้เรากำลังเห็นการผสมผสานของวัฒนธรรมโลกจำนวนมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งนำเราเข้าใกล้สิ่งที่สำคัญซึ่งกำลังกลายเป็น "ดนตรีโลก" (ดนตรีโลก) อยู่ตลอดเวลา ดนตรีแจ๊สในปัจจุบันช่วยไม่ได้อีกต่อไปแต่ได้รับอิทธิพลจากเสียงที่แทรกซึมเข้ามาจากเกือบทุกมุมโลก การทดลองแบบยุโรปที่มีโทนเสียงคลาสสิกยังคงมีอิทธิพลต่อดนตรีของผู้บุกเบิกรุ่นเยาว์ เช่น Ken Vandermark นักเป่าแซ็กโซโฟนแจ๊สแนวหน้าอิสระ ซึ่งเป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาร่วมกับนักเป่าแซ็กโซโฟนที่มีชื่อเสียงในยุคเดียวกันอย่าง Mats Gustafsson, Evan Parker และ Peter Brotzmann นักดนตรีรุ่นใหม่และดั้งเดิมอื่นๆ ที่ยังคงค้นหาตัวตนของตัวเองต่อไป ได้แก่ นักเปียโน Jackie Terrasson, Benny Green และ Braid Meldoa, นักแซ็กโซโฟน Joshua Redman และ David Sanchez และมือกลอง Jeff Watts และ Billy Stewart

ประเพณีด้านเสียงแบบเก่าได้รับการสืบทอดอย่างรวดเร็วโดยศิลปิน เช่น นักเป่าแตร Wynton Marsalis ซึ่งทำงานร่วมกับทีมผู้ช่วย ทั้งในกลุ่มเล็กๆ ของเขาเองและใน Lincoln Center Jazz Orchestra ที่เขาเป็นผู้นำ ภายใต้การอุปถัมภ์ของเขา นักเปียโน Marcus Roberts และ Eric Reed นักเป่าแซ็กโซโฟน Wes “Warmdaddy” Anderson นักเป่าแตร Marcus Printup และนักไวบราโฟน Stefan Harris เติบโตจนกลายเป็นนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ มือเบส Dave Holland ยังเป็นผู้ค้นพบพรสวรรค์รุ่นเยาว์ที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย การค้นพบมากมายของเขารวมถึงศิลปินต่างๆ เช่น นักเป่าแซ็กโซโฟน/มือเบส M สตีฟ โคลแมน นักเป่าแซ็กโซโฟน สตีฟ วิลสัน นักไวบราโฟน สตีฟ เนลสัน และมือกลอง บิลลี่ คิลสัน ผู้ให้คำปรึกษาที่ยอดเยี่ยมสำหรับพรสวรรค์รุ่นเยาว์ ได้แก่ นักเปียโน Chick Corea มือกลอง Elvin Jones และนักร้อง Betty Carter โอกาสที่เป็นไปได้ในการพัฒนาต่อไปของดนตรีแจ๊สในปัจจุบันค่อนข้างมาก เนื่องจากวิธีในการพัฒนาความสามารถและวิธีการในการแสดงออกของดนตรีแจ๊สนั้นไม่อาจคาดเดาได้ โดยทวีคูณด้วยความพยายามร่วมกันของแนวเพลงแจ๊สต่างๆ ที่ได้รับการสนับสนุนในปัจจุบัน