เราได้วางแผนมาเป็นเวลานานในการจัดอันดับผลงานที่แพงที่สุดบนกระดาษโดยศิลปินในวงโคจรของศิลปะรัสเซีย แรงจูงใจที่ดีที่สุดสำหรับเราคือสถิติใหม่ด้านกราฟิกของรัสเซีย - 2.098 ล้านปอนด์สำหรับการวาดโดย Kazimir Malevich เมื่อวันที่ 2 มิถุนายน

เมื่อเผยแพร่การให้คะแนนของเรา เราต้องการเพิ่มข้อจำกัดความรับผิดชอบประเภทต่างๆ เพื่อป้องกันคำถามที่อาจเกิดขึ้น ดังนั้นหลักการแรก: เฉพาะกราฟิกต้นฉบับเท่านั้น ประการที่สอง: เราใช้ผลการประมูลแบบเปิดสำหรับผลงานของศิลปินที่รวมอยู่ในวงโคจรของศิลปะรัสเซียตามฐานข้อมูลของเว็บไซต์ (บางทียอดขายแกลเลอรีอาจสูงกว่า) ประการที่สาม: แน่นอนว่าการที่ Arshile Gorky คว้าอันดับที่ 1 มูลค่า 3.7 ล้านเหรียญสหรัฐ ในรายการ Housatonic คงเป็นเรื่องที่น่าดึงดูดใจ ดังที่ทราบกันดีว่าตัวเขาเองพยายามทุกวิถีทางที่จะได้รับการพิจารณาให้เป็นศิลปินชาวรัสเซียโดยไม่อายจากความลึกลับเขาใช้นามแฝงเพื่อเป็นเกียรติแก่ Maxim Gorky ฯลฯ ; ในปี 2009 ผลงานของ Gorka ได้รับการจัดแสดงโดยพิพิธภัณฑ์รัสเซียและหอศิลป์ Tretyakov ในนิทรรศการ "ศิลปินอเมริกันจากจักรวรรดิรัสเซีย" เรารวมเขาไว้ในฐานข้อมูลผลการประมูล AI แต่การเริ่มจัดอันดับกราฟิกรัสเซียกับเขานั้นไม่ยุติธรรม บนพื้นฐานที่เป็นทางการ ที่สี่: หนึ่งแผ่น - หนึ่งผลลัพธ์ สำหรับการจัดอันดับนี้ เราเลือกเฉพาะผลงานที่ประกอบด้วยกระดาษแผ่นเดียว วิธีการอย่างเป็นทางการอาจทำให้เราต้องพิจารณาสินค้าอีกสามรายการ ซึ่งแต่ละชิ้นขายเป็นล็อตเดียว: ภาพวาดหมึกต้นฉบับ 122 ภาพสำหรับ "The Book of the Marquise" โดย Konstantin Somov สองโฟลเดอร์ที่มีภาพวาด 58 ภาพและ gouache สำหรับ " The Brothers Karamazov” โดย F. M. Dostoevsky โดย Boris Grigoriev และเป็นส่วนหนึ่งของคอลเลกชัน Yakov Peremen ประการที่ห้า: ผู้เขียนหนึ่งคน - หนึ่งงาน หากเรายึด 10 อันดับแรกอย่างเป็นทางการตามราคา (ไม่รวมผลลัพธ์ของ Gorka และล็อตสำเร็จรูป) ก็จะมี Kandinsky ห้าแผ่น Chagall สามแผ่น และ Malevich และ Serebryakova อย่างละหนึ่งแผ่น น่าเบื่อ. ประการที่หก: เราวิเคราะห์ช่วงเวลาตั้งแต่ปี 2544 ถึงปัจจุบัน ประการที่เจ็ด: การจัดอันดับราคารวบรวมเป็นดอลลาร์ ผลลัพธ์ในสกุลเงินอื่น ๆ จะถูกแปลงเป็นดอลลาร์ตามอัตราแลกเปลี่ยนในวันที่ทำการซื้อขาย ประการที่แปด: ผลลัพธ์ทั้งหมดจะได้รับโดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชั่นของผู้ขาย

ภาพวาด "Head of a Peasant" ของ Kazimir Malevich ซึ่งเป็นภาพร่างการเตรียมการสำหรับภาพวาด "Peasant Funeral" ที่สูญหายในปี 1911 คาดว่าจะกลายเป็นผลงานอันดับต้นๆ ของการประมูลในรัสเซียที่ Sotheby's เมื่อวันที่ 2 มิถุนายน 2014 ในลอนดอน ผลงานของ Malevich ปรากฏในตลาดศิลปะน้อยมาก "Head of a Peasant" เป็นผลงานชิ้นแรกที่นำออกประมูลนับตั้งแต่การขาย "Suprematist Composition" ในราคา 60 ล้านดอลลาร์ที่ Sotheby's ในปี 2008 และเป็นหนึ่งในผลงานสำคัญชิ้นสุดท้ายของศิลปินในภาคเอกชน คอลเลกชัน ภาพร่างนี้เป็นหนึ่งในผลงาน 70 ชิ้นที่ศิลปินจัดแสดงในกรุงเบอร์ลินในปี พ.ศ. 2470 จากนั้นจึงย้ายไปเยอรมนีเพื่อช่วยพวกเขาจากการถูกสั่งห้ามและการลืมเลือนเทียมซึ่งจะรอพวกเขาอยู่ในรัสเซียอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ งานนี้มาจากการประมูลของ Sotheby จากคอลเล็กชั่นส่วนตัวอันทรงพลังของชาวเยอรมันที่มีลักษณะเปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย ล็อตเกือบทั้งหมดในคอลเลกชั่นนี้เกินประมาณการ แต่ภาพวาดของ Malevich นั้นเหนือกว่าคู่แข่ง พวกเขาให้เงินประมาณสามเท่า - 2.098 ล้านปอนด์ นี่เป็นงานกราฟิกที่แพงที่สุดของศิลปินชาวรัสเซีย

รายชื่อผลงานกราฟิกที่แพงที่สุดของ Wassily Kandinsky มีภาพวาดต้นฉบับมากถึง 18 ภาพซึ่งมีมูลค่ามากกว่าหนึ่งล้านดอลลาร์ สีน้ำของเขาไม่ด้อยไปกว่าภาพวาดของเขาในข้อความนามธรรมเลย ให้เราจำไว้ว่านี่มาจากงานกราฟิกของ Kandinsky - "The First Abstract WATERCOLOR" ในปี 1910 ซึ่งมักจะนับรวมประวัติศาสตร์ของศิลปะนามธรรมสมัยใหม่ ตามตำนานเล่าว่า วันหนึ่งคันดินสกีนั่งอยู่ในความมืดมิดของสตูดิโอของเขาในมิวนิกและมองดูผลงานที่เป็นรูปเป็นร่างของเขา ไม่สามารถมองเห็นสิ่งใดๆ บนนั้นได้ ยกเว้นจุดสีและรูปร่าง จากนั้นเขาก็ตระหนักว่าเขาต้องละทิ้งความเป็นกลางและพยายามจับภาพ "การเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณ" ด้วยสี ผลลัพธ์ที่ได้คืองานที่ปราศจากความเกี่ยวข้องกับโลกภายนอก - “สีน้ำนามธรรมครั้งแรก” (ปารีส, Centre Georges Pompidou)

ผืนผ้าใบของ Kandinsky หายากในท้องตลาดและมีราคาแพงมาก แต่กราฟิกจะลงตัวกับคอลเลกชันใด ๆ และจะดูดีในนั้น คุณสามารถซื้อกราฟิกหมุนเวียนได้ในราคาหลายพันดอลลาร์ แต่สำหรับภาพวาดต้นฉบับซึ่งเป็นภาพร่างของภาพวาดที่มีชื่อเสียงคุณจะต้องจ่ายมากขึ้นหลายเท่า สีน้ำที่แพงที่สุดในปัจจุบัน “Untitled” จากปี 1922 ถูกขายในช่วงที่งานศิลปะบูมในปี 2008 ในราคา 2.9 ล้านเหรียญสหรัฐ

Marc Chagall เป็นศิลปินที่มีประสิทธิผลผิดปกติในช่วงเวลาของเขา ปัจจุบัน Damien Hirst และ Jeff Koons ได้รับความช่วยเหลือจากกองทัพผู้ช่วย และ Mark Zakharovich สร้างสรรค์ผลงานกราฟิกต้นฉบับนับพันชิ้นด้วยตัวคนเดียวตลอด 97 ปีในชีวิตของเขา ไม่ต้องพูดถึงผลงานที่ผลิตจำนวนมาก มีผลการประมูล Chagall มากกว่า 2,000 รายการในฐานข้อมูลของเรา ผลงานต้นฉบับบนกระดาษ ศิลปินคนนี้มีราคาเพิ่มขึ้นอย่างต่อเนื่องและโอกาสในการลงทุนในการซื้อผลงานของเขาชัดเจน - สิ่งสำคัญคือความถูกต้องของงานได้รับการยืนยันโดยคณะกรรมการ Chagall มิฉะนั้นงานเกือบจะถูกเผา (นั่นคือสิ่งที่คณะกรรมการ Chagall ข่มขู่เจ้าของซึ่งเพิ่งส่งภาพวาดไปปารีสเพื่อตรวจสอบซึ่งกลายเป็นของปลอม) ดังนั้นการเลือกควรทำเพื่อสนับสนุนกราฟิกที่แท้จริงโดยไม่มีเงื่อนไขเท่านั้น ราคาของมันอาจสูงถึง 2.16 ล้านดอลลาร์ - นี่คือจำนวนเงินที่พวกเขาจ่ายในเดือนพฤษภาคม 2556 สำหรับการวาดภาพ "ผู้ขับขี่" (กระดาษบนกระดาษแข็ง, gouache, สีพาสเทล, ดินสอสี)

สีพาสเทล "Reclining Nude" ไม่เพียง แต่เป็นงานกราฟิกที่แพงที่สุดของ Zinaida Serebryakova เท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานที่แพงที่สุดของเธอโดยทั่วไปด้วย ธีมของร่างกายผู้หญิงที่เปลือยเปล่าเป็นหนึ่งในธีมหลักในผลงานของศิลปิน ภาพเปลือยของ Serebryakova พัฒนามาจากภาพนักอาบน้ำและความงามของรัสเซียในโรงอาบน้ำในยุคแห่งความคิดสร้างสรรค์ของรัสเซีย มาเป็นภาพเปลือยเอนกายที่มีจิตวิญญาณของศิลปะยุโรปในยุคปารีสมากขึ้น เมื่อมองภาพเปลือยที่สวยงามตระการตาและอุดมคติของ Serebryakova เป็นเรื่องยากที่จะจินตนาการว่าชะตากรรมของศิลปินน่าเศร้าเพียงใด - สามีของเธอเสียชีวิตด้วยโรคไข้รากสาดใหญ่ทิ้งเธอไว้กับลูกสี่คนในอ้อมแขนของเธอ ฉันต้องใช้ชีวิตแบบปากต่อปากและในท้ายที่สุดก็อพยพไปปารีส (ตามที่ปรากฏในภายหลังตลอดไป) ทิ้งลูก ๆ ไว้ในรัสเซีย (มีเพียงสองคนเท่านั้นที่ถูกขนส่งไปฝรั่งเศสในเวลาต่อมาอีกสองคนต้องแยกจากกันมากขึ้น เกิน 30 ปี)

Zinaida Serebryakova ปลูกฝังความงามคลาสสิกที่สมบูรณ์แบบนิรันดร์ในผลงานของเธอ สีพาสเทลสื่อถึงความเบาและความโปร่งสบายได้ดียิ่งขึ้นไปอีก ภาพผู้หญิงซึ่งเกือบตลอดเวลามีบางอย่างจากตัวศิลปินเองและลูก ๆ ของเธอ (ลูกสาวคัทย่าเป็นหนึ่งในนางแบบคนโปรดของเธอ)

สีพาสเทลที่ค่อนข้างใหญ่ Reclining Nude ถูกซื้อในช่วงที่งานศิลปะบูมในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2551 ในราคา 1.07 ล้านปอนด์ (2.11 ล้านเหรียญสหรัฐ) ไม่มีงานอื่นใดตั้งแต่นั้นมาที่สามารถเอาชนะสถิตินี้ได้ สิ่งที่น่าสนใจคือในยอดขายประมูล 10 อันดับแรกของ Zinaida Serebryakova มีเพียงภาพเปลือยและผลงานสามชิ้นเป็นเพียงสีพาสเทล

ในการประมูล Sotheby’s London เมื่อวันที่ 27 พฤศจิกายน 2555 ซึ่งอุทิศให้กับภาพวาดและกราฟิกของศิลปินชาวรัสเซีย ล็อตแรกไม่ใช่ภาพวาด แต่เป็นภาพวาดดินสอบนกระดาษ - "Portrait of Vsevolod Meyerhold" โดย Yuri Annenkov ผู้เข้าร่วมแปดคนโต้เถียงกันเรื่องงานในห้องโถงและทางโทรศัพท์ เป็นผลให้ภาพวาดซึ่งมีมูลค่าประมาณ 30-50,000 ปอนด์ทำให้เจ้าของใหม่เสียค่าใช้จ่ายมากกว่าที่ประมาณการไว้หลายสิบเท่า ผลลัพธ์ที่ได้ 1.05 ล้านปอนด์ (1.68 ล้านดอลลาร์) ในชั่วข้ามคืนทำให้ "Portrait of Vsevolod Meyerhold" เป็นกราฟิกที่แพงที่สุดของผู้เขียนและอยู่อันดับสามในรายการราคาประมูลสูงสุดสำหรับผลงานของ Annenkov โดยทั่วไป

เหตุใดความสนใจในภาพบุคคลจึงแข็งแกร่งมาก? Annenkov เป็นจิตรกรภาพเหมือนที่เก่งกาจซึ่งทิ้งภาพของบุคคลที่ดีที่สุดในยุคนั้น - กวีนักเขียนและผู้กำกับ นอกจากนี้ เขามีความสามารถมากในด้านกราฟิก: สไตล์ของเขาผสมผสานเทคนิคการวาดภาพคลาสสิกเข้ากับองค์ประกอบแนวหน้าของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ลัทธิลัทธิลัทธิลัทธิลัทธิลัทธิแสดงออก การแสดงออก... เขาประสบความสำเร็จในฐานะศิลปินละครและภาพยนตร์ในฐานะนักวาดภาพประกอบหนังสือ บุคลิกของนางแบบในภาพบุคคลดึงดูดความสนใจของสาธารณชนอย่างแน่นอน - ผู้กำกับชื่อดัง Vsevolod Meyerhold ยิ่งไปกว่านั้น ภาพวาดนี้มาจากคอลเลกชันของนักแต่งเพลง Boris Tyomkin ชาวเมือง Kremenchug ซึ่งอพยพไปยังสหรัฐอเมริกาและกลายเป็นนักแต่งเพลงชาวอเมริกันที่มีชื่อเสียง ผู้ได้รับรางวัลออสการ์สี่ครั้งจากผลงานดนตรีในภาพยนตร์

แน่นอนว่าหนึ่งในศิลปินหลักของสมาคม World of Art อย่าง Lev (Leon) Bakst น่าจะอยู่ในรายชื่อศิลปินกราฟิกที่ประสบความสำเร็จทางการค้ามากที่สุด ผลงานละครที่ซับซ้อนของเขา - การออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับนักเต้นที่เก่งที่สุดแห่งยุคและฉากสำหรับการผลิต - ทำให้เราเข้าใจในวันนี้ว่าฤดูกาลรัสเซียของ Diaghilev ที่หรูหรานั้นเป็นอย่างไร

ผลงานกราฟิกที่แพงที่สุดของ Bakst เรื่อง “The Yellow Sultana” ถูกสร้างขึ้นในปีที่บัลเล่ต์ของ Diaghilev ออกทัวร์ครั้งแรกในสหรัฐอเมริกา เมื่อถึงเวลานั้น Bakst ก็เป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงอยู่แล้ว รูปแบบการแสดงละครที่เป็นที่รู้จักของเขาได้กลายเป็นแบรนด์ และอิทธิพลของเขาก็สัมผัสได้ในแฟชั่น การออกแบบตกแต่งภายใน และเครื่องประดับ ภาพเปลือยอันเย้ายวน "เยลโล่ สุลต่าน" ซึ่งงอกออกมาจากภาพร่างละครของเขา ทำให้เกิดการต่อสู้อันดุเดือดระหว่างโทรศัพท์สองเครื่องในการประมูลของคริสตี้เมื่อวันที่ 28 พฤษภาคม 2555 ส่งผลให้ตัวเลขดังกล่าวสูงถึง 937,250 ปอนด์ ( 1 467 810 ดอลลาร์) โดยคำนึงถึงค่าคอมมิชชันแม้ว่าจะมีการประมาณการอยู่ที่ 350-450,000 ปอนด์ก็ตาม

โลกแห่งรังอันสูงส่งที่ค่อยๆ หายไปจากการลืมเลือน สวนสาธารณะคฤหาสน์ที่เต็มไปด้วยหมอก และหญิงสาวผู้สง่างามที่เดินไปตามตรอกซอกซอยปรากฏในผลงานของ Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov บางคนเรียกสไตล์ของเขาว่า "สง่างามในการวาดภาพ" โดยมีลักษณะเฉพาะคือความเพ้อฝัน ความเศร้าโศกอันเงียบสงบ และความโศกเศร้าในยุคที่ล่วงลับไปแล้ว สำหรับ Borisov-Musatov ที่ดินอันสูงส่งคือโลกแห่งปัจจุบัน แต่มีบางอย่างในโลกนี้ที่สะท้อนถึงโลกนี้ สวนสาธารณะ ระเบียง และสระน้ำเหล่านี้ดูเหมือนจะเป็นความฝันของศิลปิน ราวกับว่าเขามีความคิดที่ว่าในไม่ช้าโลกนี้ก็จะไม่มีอีกต่อไปและตัวเขาเองก็จะไม่มีอยู่อีกต่อไป (ความเจ็บป่วยร้ายแรงทำให้ศิลปินต้องจากไปเมื่ออายุ 35 ปี)

Viktor Borisov-Musatov ชอบสีพาสเทลและสีน้ำมากกว่าการวาดภาพสีน้ำมัน พวกเขาให้ความบางเบาแก่เขาและหมอกควัน การปรากฏตัวของสีพาสเทล "วันสุดท้าย" ของเขาในการประมูลที่รัสเซียที่ Sotheby's ในปี 2549 นั้นเป็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นเนื่องจากผลงานหลักของ Borisov-Musatov อยู่ในพิพิธภัณฑ์และมีการนำเสนอผลงานเพียงประมาณสิบชิ้นในการประมูลแบบเปิดในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สีพาสเทล "วันสุดท้าย" มาจากคอลเลกชันของ V. Napravnik ลูกชายของ Eduard Napravnik วาทยากรและนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย สีพาสเทลนี้ปรากฎใน "ภาพเหมือนของ Maria Georgievna Napravnik" โดย Zinaida Serebryakova ซึ่งปัจจุบันเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ศิลปะ Chuvash ในเอกสาร "Borisov-Musatov" (1916), N. N. Wrangel กล่าวถึง "วันสุดท้าย" ในรายการผลงานของศิลปิน ตามที่คาดไว้ สินค้าของแท้นั้นมีราคาสูงสุดเป็นประวัติการณ์สำหรับศิลปินที่ 702,400 ปอนด์หรือ 1,314,760 ดอลลาร์

Alexander Deineka เป็นศิลปินกราฟิกที่ยอดเยี่ยมในช่วงแรกของเขา เส้นทางที่สร้างสรรค์กราฟิกดึงดูดเขามากกว่าการวาดภาพ เนื่องจากศักยภาพในการโฆษณาชวนเชื่อเป็นหลัก ศิลปินทำงานมากในฐานะนักวาดภาพประกอบหนังสือและนิตยสารและสร้างโปสเตอร์ ต่อมา "งานโปสเตอร์นิตยสาร" นี้ทำให้เขาเหนื่อยเขาเริ่มทำงานด้านการวาดภาพในงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่มากขึ้นเรื่อย ๆ แต่ทักษะที่ได้รับของช่างเขียนแบบกลับกลายเป็นว่ามีประโยชน์มาก - ตัวอย่างเช่นเมื่อสร้างภาพร่างแบบเตรียมการสำหรับภาพวาด “ เด็กผู้หญิงผูกริบบิ้นบนหัว” - ภาพร่างสำหรับภาพวาด“ Bather” (1951, คอลเลกชันของ Tretyakov Gallery) งานที่แพงที่สุดของ Deineka จนถึงปัจจุบันนี้ย้อนกลับไปถึงช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ เมื่อสไตล์ของศิลปินจากการค้นหาแนวหน้าในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ได้พัฒนาไปสู่ความสมจริงแบบสังคมนิยมอย่างมากแล้ว แต่ Deineka ก็มีความจริงใจในสัจนิยมสังคมนิยมเช่นกัน พลังและความงามอันเปี่ยมล้นด้วยสุขภาพที่ดี ร่างกายมนุษย์- หนึ่งในธีมโปรดของ Deineka ในงานของเขา “ เด็กผู้หญิงผูกริบบิ้น” หมายถึงเราถึงภาพเปลือยของเขาซึ่งคล้ายกับเทพธิดากรีก - วีนัสโซเวียตผู้ค้นพบความสุขในการทำงานและการเล่นกีฬา นี่คือภาพวาดโดยตำราเรียน Deineka จึงไม่น่าแปลกใจเลยที่มันถูกขายในราคา 27,500,000 รูเบิล ($1,012,450) ในการประมูลของ Sovcom

Boris Dmitrievich Grigoriev อพยพมาจากรัสเซียในปี 1919 เขากลายเป็นหนึ่งในศิลปินรัสเซียที่โด่งดังที่สุดในต่างประเทศ แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ถูกลืมในบ้านเกิดมานานหลายทศวรรษและนิทรรศการครั้งแรกของเขาในสหภาพโซเวียตเกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1980 เท่านั้น แต่วันนี้เขาเป็นหนึ่งในนักเขียนที่เป็นที่ต้องการและมีมูลค่าสูงที่สุดในตลาดศิลปะรัสเซีย ผลงานของเขาทั้งภาพวาดและกราฟิกขายได้ในราคาหลายแสนล้านดอลลาร์ ศิลปินมีประสิทธิภาพอย่างมาก เขาเชื่อว่าเขาสามารถจัดการหัวข้อใดก็ได้หรือคำสั่งใดก็ได้

อาจมีชื่อเสียงมากที่สุดคือวัฏจักร "การแข่งขัน" และ "ใบหน้าของรัสเซีย" ซึ่งมีความใกล้ชิดกันมากและแตกต่างกันตรงที่อันแรกถูกสร้างขึ้นก่อนการอพยพและอันที่สองอยู่ในปารีสแล้ว ในรอบเหล่านี้เราจะนำเสนอแกลเลอรีประเภท (“ใบหน้า”) ของชาวนารัสเซีย - ชายชราผู้หญิงและเด็กมองผู้ชมอย่างบูดบึ้งพวกเขาดึงดูดสายตาและในขณะเดียวกันก็ขับไล่มัน Grigoriev ไม่เคยมีแนวโน้มที่จะทำให้อุดมคติหรือตกแต่งคนที่เขาวาดภาพเลย ในทางกลับกัน บางครั้งเขาก็นำภาพมาสู่ความแปลกประหลาด หนึ่งใน "ใบหน้า" ที่วาดด้วยสีน้ำ gouache และสีน้ำบนกระดาษ กลายเป็นงานกราฟิกที่แพงที่สุดโดย Boris Grigoriev: ในเดือนพฤศจิกายน 2552 พวกเขาจ่ายเงิน 986,500 ดอลลาร์ในการประมูลของ Sotheby

และในที่สุดผู้เขียนคนที่สิบในรายการผลงานกราฟิกรัสเซียที่แพงที่สุดของเราคือ Konstantin Somov ลูกชายของภัณฑารักษ์ของคอลเลกชัน Hermitage และนักดนตรีความรักในศิลปะและทุกสิ่งที่สวยงามได้รับการปลูกฝังในตัวเขาตั้งแต่วัยเด็ก หลังจากเรียนที่ Academy of Arts ภายใต้ Repin ในไม่ช้า Somov ก็พบว่าตัวเองอยู่ในสังคมโลกแห่งศิลปะซึ่งได้รับการเลื่อนตำแหน่ง ลัทธิความงามที่อยู่ใกล้เขา ความปรารถนาในการตกแต่งและ "ความงาม" นี้ปรากฏชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาดจำนวนมากของเขาที่สร้างจากภาพในยุคความกล้าหาญซึ่งมีความสนใจในผลงานของศิลปินระดับโลกอื่น ๆ (Lancere, Benois) ขุนนางและขุนนางผู้กล้าหาญของ "Somov" ในการออกเดทลับ ฉากการต้อนรับทางสังคมและการสวมหน้ากากด้วยตัวละครตลกและสุภาพสตรีในวิกทำให้เรานึกถึงสุนทรียศาสตร์ของบาโรกและโรโกโก

ราคาผลงานของ Somov ในตลาดศิลปะเริ่มเติบโตอย่างรวดเร็วและไม่อาจเข้าใจได้เสมอไปตั้งแต่ปี 2549 บางส่วนของเขา ภาพวาดเกินคาดถึง 5 หรือ 13 เท่า ภาพวาดของเขามีราคาหลายล้านปอนด์ สำหรับกราฟิก ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดของ Somov จนถึงตอนนี้อยู่ที่ 620,727 ดอลลาร์ - นี่เป็นเพียงหนึ่งในภาพวาดของซีรีส์ "Masquerade" ที่ "กล้าหาญ"

เมื่อวันที่ 22 เมษายน พ.ศ. 2553 ผลงาน 86 ชิ้น - ภาพวาดและกราฟิก - โดยนักเขียนเกือบสองโหลถูกขายเป็นล็อตเดียวหมายเลข 349 ที่ Sotheby's ในนิวยอร์ก การขายครั้งนี้ทำให้เกิดความสับสนในสถิติการประมูลของศิลปินที่มีผลงานเข้าล็อตนี้ ใช่แล้ว คอลเลกชั่นนี้มีคุณค่าในตัวเองมาก มันยาว ซับซ้อน และ เรื่องราวที่น่าเศร้าและด้านหนึ่งก็ดีที่คอลเลกชันนี้ตกไปอยู่ในมือเดียวกัน แต่ในทางกลับกัน หากวันหนึ่งเจ้าของตัดสินใจขายผลงานแต่ละชิ้น ผู้เขียนส่วนใหญ่ก็ไม่มีระดับราคาเลย หลังจากที่ "การเตรียมงานศิลปะ" ที่ทำให้หูหนวกก่อนการขายคอลเลกชันอาจปรากฏขึ้น แต่ก็ไม่ และเมื่อขายต่อมันจะเป็นข้อเสียเปรียบอย่างมาก

ความสนใจ! เนื้อหาทั้งหมดบนเว็บไซต์และฐานข้อมูลผลการประมูลบนเว็บไซต์ รวมถึงข้อมูลอ้างอิงที่มีภาพประกอบเกี่ยวกับงานที่ขายในการประมูล มีวัตถุประสงค์เพื่อใช้ตามมาตรา 43 เท่านั้น มาตรา 1274 แห่งประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย ไม่อนุญาตให้ใช้เพื่อวัตถุประสงค์ทางการค้าหรือละเมิดกฎที่กำหนดโดยประมวลกฎหมายแพ่งของสหพันธรัฐรัสเซีย เว็บไซต์จะไม่รับผิดชอบต่อเนื้อหาของเนื้อหาที่จัดทำโดยบุคคลที่สาม ในกรณีที่มีการละเมิดสิทธิของบุคคลที่สาม ผู้ดูแลเว็บไซต์ขอสงวนสิทธิ์ในการลบพวกเขาออกจากเว็บไซต์และจากฐานข้อมูลตามคำขอจากหน่วยงานที่ได้รับอนุญาต

• ภาพวาดโดยศิลปินคลาสสิกเรียนผู้ใช้ คุณสามารถดาวน์โหลดกราฟิกของศิลปินบางคนได้ในไฟล์ rar รูปภาพขนาดใหญ่ อัปเดตในส่วน "ประวัติกราฟิก"
• vk.com/site. เป็นตัวแทนของเว็บไซต์ "กราฟิก" ในการติดต่อ มีวิดีโอเพื่อการศึกษาสำหรับศิลปินมากมายในชุมชน มีการเพิ่มอัลบั้มใหม่ของศิลปินกราฟิกคลาสสิกอย่างต่อเนื่อง

ผลงานของศิลปินในเว็บไซต์ "กราฟิก"

กราฟิก- ด้านหนึ่งเป็นศิลปะรูปแบบหนึ่ง อีกด้านเป็นกิจกรรมที่ทุกคนเข้าถึงได้ และทุกคนมีส่วนร่วมตั้งแต่อายุยังน้อย หากต้องการสร้างภาพวาดกราฟิก คุณเพียงใช้กระดาษแผ่นเดียวและวัสดุวาดภาพ - ดินสอหรือสี นั่นคือในอีกด้านหนึ่ง กราฟิกนั้นเปิดเผยต่อสาธารณะ

แต่ในทางกลับกันนี่ ดูซับซ้อนศิลปะที่ต้องเรียนรู้ในลักษณะเดียวกับการวาดภาพหรือประติมากรรม นี่คือความยากและความเรียบง่ายของกราฟิก ทุกคนสามารถวาดรูปได้ แต่มีเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่สามารถเป็นผู้เชี่ยวชาญได้
กราฟิกแบ่งออกเป็น 2 ประเภท: พิมพ์ (พิมพ์)มีไว้สำหรับการจำลองแบบ และ มีเอกลักษณ์หมายถึงการสร้างสรรค์ผลงานในสำเนาเดียว

คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของกราฟิกคือความสัมพันธ์พิเศษของวัตถุที่ปรากฎต่ออวกาศ ซึ่งบทบาทส่วนใหญ่เล่นโดยพื้นหลังของกระดาษ "อากาศของแผ่นสีขาว" ในคำพูดของปรมาจารย์กราฟิกแห่งโซเวียต V. A. ฟาวสกี้. ความรู้สึกเชิงพื้นที่ไม่เพียงสร้างขึ้นจากพื้นที่ของแผ่นงานที่ไม่ได้ถูกครอบครองโดยภาพเท่านั้น แต่ยังบ่อยครั้ง (เช่น ในภาพวาดสีน้ำ) โดยพื้นหลังของกระดาษที่ปรากฏใต้เลเยอร์สีสันสดใส

เราขอนำเสนอหัวข้อ: ห้องสมุดสำหรับศิลปิน
ใน "ห้องสมุด" คุณสามารถดาวน์โหลดหนังสือเกี่ยวกับศิลปะ กายวิภาคศาสตร์ ประวัติศาสตร์ศิลปะ บทเรียนการวาดภาพและระบายสีสำหรับการศึกษาที่บ้านได้

และนิตยสาร Art Gallery 100 ฉบับในรูปแบบ djvu

) ในผลงานที่แสดงออกและกว้างขวางของเธอสามารถรักษาความโปร่งใสของหมอก ความเบาของใบเรือ และการโยกตัวของเรือที่ราบรื่นบนคลื่น

ภาพวาดของเธอสร้างความประหลาดใจด้วยความลึก ปริมาณ ความสมบูรณ์ และพื้นผิวที่ไม่อาจละสายตาจากภาพวาดเหล่านั้นได้

ความเรียบง่ายอันอบอุ่นของ Valentin Gubarev

ศิลปิน Primitivist จากมินสค์ วาเลนติน กูบาเรฟไม่ไล่ตามชื่อเสียงแต่ทำในสิ่งที่เขารัก งานของเขาได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อในต่างประเทศ แต่เพื่อนร่วมชาติแทบไม่รู้จัก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 ชาวฝรั่งเศสตกหลุมรักภาพร่างในชีวิตประจำวันของเขาและเซ็นสัญญากับศิลปินเป็นเวลา 16 ปี ภาพวาดซึ่งดูเหมือนว่าควรจะเข้าใจได้สำหรับเราเท่านั้นผู้ถือ "เสน่ห์อันเรียบง่ายของลัทธิสังคมนิยมที่ยังไม่พัฒนา" ดึงดูดสาธารณชนชาวยุโรปและนิทรรศการเริ่มขึ้นในสวิตเซอร์แลนด์ เยอรมนี บริเตนใหญ่ และประเทศอื่น ๆ

ความสมจริงทางความรู้สึกของ Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov อายุ 41 ปี เขาอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและทำงานในประเพณีที่ดีที่สุดของโรงเรียนการวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียคลาสสิก วีรสตรีของผืนผ้าใบของเขาคือผู้หญิงที่อ่อนโยนและไม่มีที่พึ่งในสภาพเปลือยเปล่าครึ่งหนึ่ง ในหลาย ๆ อย่างมากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงพรรณนาถึงรำพึงของศิลปินและภรรยา Natalya

โลกสายตาสั้นของฟิลิป บาร์โลว์

ในยุคสมัยใหม่ของภาพที่มีความละเอียดสูงและการเพิ่มขึ้นของไฮเปอร์เรียลลิสม์ ผลงานของ Philip Barlow ดึงดูดความสนใจได้ทันที อย่างไรก็ตามผู้ชมต้องใช้ความพยายามบางอย่างเพื่อบังคับตัวเองให้มองภาพเงาและจุดสว่างที่พร่ามัวบนผืนผ้าใบของผู้เขียน นี่อาจเป็นวิธีที่ผู้คนที่เป็นโรคสายตาสั้นมองโลกโดยไม่สวมแว่นตาและคอนแทคเลนส์

กระต่ายสดใส โดย Laurent Parselier

จิตรกรรมโดย Laurent Parcelier คือ โลกที่น่าตื่นตาตื่นใจซึ่งไม่มีทั้งความโศกเศร้าและความท้อแท้ คุณจะไม่พบภาพที่มืดมนและมีฝนตกจากเขา ผืนผ้าใบของเขาประกอบด้วยแสง อากาศ และสีสดใสมากมาย ซึ่งศิลปินนำไปใช้กับลายเส้นที่มีลักษณะเฉพาะและเป็นที่จดจำได้ ทำให้เกิดความรู้สึกว่าภาพเขียนถูกถักทอจากแสงตะวันนับพัน

พลวัตของเมืองในผลงานของ Jeremy Mann

ศิลปินชาวอเมริกัน Jeremy Mann วาดภาพบุคคลที่มีชีวิตชีวาของมหานครสมัยใหม่ด้วยสีน้ำมันบนแผ่นไม้ “รูปทรงนามธรรม เส้น คอนทราสต์ของแสงและจุดมืด ล้วนสร้างภาพที่กระตุ้นให้เกิดความรู้สึกที่บุคคลหนึ่งประสบท่ามกลางฝูงชนและความวุ่นวายในเมือง แต่ยังสามารถถ่ายทอดความสงบที่พบได้เมื่อใคร่ครวญความงามอันเงียบสงบ” ศิลปินกล่าว

โลกมายาของนีล ไซมอน

ในภาพวาดของศิลปินชาวอังกฤษ Neil Simone ไม่มีอะไรเหมือนที่เห็นเมื่อมองแวบแรก “สำหรับฉัน โลกรอบตัวฉันเต็มไปด้วยรูปร่าง เงา และขอบเขตที่เปราะบางและเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา” ไซมอนกล่าว และในภาพวาดของเขาทุกอย่างเป็นภาพลวงตาและเชื่อมโยงถึงกันอย่างแท้จริง ขอบเขตถูกเบลอ และเรื่องราวก็ไหลเข้าหากัน

ละครรักโดย Joseph Lorasso

Joseph Lorusso ศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัยชาวอิตาลีโดยกำเนิดได้ถ่ายทอดลงบนผืนผ้าใบที่เขาสอดแนม ชีวิตประจำวัน คนธรรมดา- การกอดและจูบ การแสดงอารมณ์ที่เร่าร้อน ช่วงเวลาแห่งความอ่อนโยนและความปรารถนาเติมเต็มภาพทางอารมณ์ของเขา

ชีวิตในชนบทของมิทรีเลวิน

มิทรี เลวิน - อาจารย์ที่ได้รับการยอมรับภูมิทัศน์ของรัสเซียซึ่งสถาปนาตัวเองเป็นตัวแทนที่มีความสามารถของโรงเรียนสมจริงของรัสเซีย แหล่งที่มาที่สำคัญที่สุดของงานศิลปะของเขาคือการผูกพันกับธรรมชาติซึ่งเขารักอย่างอ่อนโยนและหลงใหลและรู้สึกว่าตัวเองเป็นส่วนหนึ่ง

Bright East โดย Valery Blokhin

คอลเลกชันของกราฟิกรัสเซีย ปลาย XIX- ศตวรรษที่ XX ในพิพิธภัณฑ์เขตสงวน Sergiev Posad มีขนาดเล็ก มีระบบน้อยกว่าและเป็นองค์รวมมากกว่าคอลเลกชันรูปภาพในช่วงเวลานี้ แต่ก็มีความสำคัญทางศิลปะในพิพิธภัณฑ์โดยรวม
ลักษณะเฉพาะของคอลเลกชันกราฟิกของพิพิธภัณฑ์ (เช่นเดียวกับคอลเลกชันภาพวาด) คือความโดดเด่นของผลงานของศิลปินท้องถิ่นและการมุ่งเน้นเฉพาะเรื่องที่เกี่ยวข้องกับการยึดถือของ Trinity-Sergius Lavra และเมือง ส่วนพิเศษประกอบด้วยแผ่นงานแต่ละแผ่น (ไม่ค่อยมี - รอบการทำงาน) อาจารย์ที่มีชื่อเสียงภายในประเทศ วิจิตรศิลป์– ไอ.ไอ. Shishkina, B.M. คุสโตเดียวา, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. ฟาวสกี้ ที.เอ. Mavrina และคนอื่น ๆ (ประมาณ 80 งาน)

ขั้นตอนแรกสู่การสะสมผลงานเกิดขึ้นในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมของพิพิธภัณฑ์ - ในปี 1920–1921: ผลงานกราฟิกของศิลปินท้องถิ่นมากกว่า 30 ชิ้นถูกซื้อจาก "นิทรรศการลวดลายทางสถาปัตยกรรม TSL"
ส่วนที่มีค่าที่สุดของคอลเลกชันคือการได้รับของขวัญและการซื้องานกราฟิกจากบุคคลทั่วไป นี่คือวิธีที่ผลงานของ I.I. มาถึงพิพิธภัณฑ์ Shishkina, B.M. คุสโตเดียวา, V.A. ฟาวสกี้, แอล.เอส. บัคสตา “ ชื่อ” (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin ฯลฯ ) เป็น“ ชื่อ” แต่แสดงด้วยผลงานชิ้นเดียว โดยพื้นฐานแล้วมี “บุคลิกภาพ” ประการหนึ่งของงานศิลปะภาพพิมพ์ของรัสเซียในคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์ – T.A. Mavrin (คอลเลกชัน SPMZ อนุญาต โดยใช้ตัวอย่าง ผลงานที่ดีที่สุดแสดงผลงานของเธอที่กำลังพัฒนา - ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1940 ถึง 1970) อย่างไรก็ตาม สำหรับคอลเล็กชั่นงานศิลปะ "ประจำจังหวัด" จากปลายศตวรรษที่ 19 และ 20 ผลงานแต่ละชิ้นของศิลปินคลาสสิกมีคุณค่าอย่างยิ่ง

ตัวอย่างกราฟิกที่พิมพ์เร็วที่สุดในกลุ่มผลงานที่เรากำลังพิจารณามีอายุย้อนกลับไปในยุค 80 ของศตวรรษที่ 19 พวกเขาเชื่อมโยงกับ "บุคลิกภาพ" เดียว - โดดเด่นและมีความสำคัญในประวัติศาสตร์ของการแกะสลักของรัสเซียในยุคนี้ - I.I. ชิชกิน (2375 2441)
ขอให้เราระลึกว่าช่วงทศวรรษที่ 1870 เป็นช่วงเปลี่ยนผ่านและ "ผ่าน" สำหรับกราฟิกสิ่งพิมพ์ของรัสเซีย ซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งความโดดเด่นของการแกะสลักโทนสี แต่ถึงแม้ในช่วงเวลาที่ไม่สร้างสรรค์มากนัก แต่ก็ยังมีฝีมือช่างแกะสลักไม้ (V.V. Mate) และการแกะสลัก (I.I. Shishkin) อย่างแท้จริง คอลเลกชั่นของเราประกอบด้วยภาพแกะสลักสี่ชิ้นโดยศิลปินซึ่งสร้างขึ้นโดยเขาในช่วงทศวรรษที่ 1880 (ช่วงเวลาที่มีผลอย่างมากในผลงานของ Shishkin) นี่คือเอกสารการดำเนินการที่ยอดเยี่ยมและความละเอียดอ่อนในการถ่ายทอดสภาวะของธรรมชาติ: “Gurzuf” (1885), “Black Forest” (1885), “April” (1885), “Swamp on Varshavskaya” ทางรถไฟ"(พ.ศ. 2429) คอลเลกชั่นของพิพิธภัณฑ์ยังประกอบด้วยภาพวาดของจิตรกรชาวรัสเซียผู้โด่งดัง เช่น ศิลปินนักเดินทาง Vladimir Egorovich Makovsky (พ.ศ. 2389-2463) และ Valentin Aleksandrovich Serov (พ.ศ. 2408 - 2454) ภาพเหมือนของ V.E. Makovsky สร้างขึ้นด้วยภาพวาดก็เช่นกัน องค์ประกอบและความสมบูรณ์แบบที่ไร้ที่ติเช่นเดียวกับภาพวาดสีน้ำมันของเขา V.E. Makovsky มีพรสวรรค์ในการถ่ายทอดไม่เพียงแต่ความคล้ายคลึงภายนอกของบุคคลที่ถูกนำเสนอเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะของการเคลื่อนไหวทางจิตของเขาด้วยโดยเน้นถึงลักษณะตัวละครหลักเหล่านั้น ที่กำหนดการกระทำของบุคคล ความคิดและความรู้สึกของเขา Valentin Serov เช่นเดียวกับศิลปินตัวจริงไม่ได้ทำงานอย่างมหัศจรรย์เท่านั้น ภาพวาดสีน้ำมันแต่เชี่ยวชาญเทคนิคการวาดภาพอย่างเชี่ยวชาญ ผลงานมากมายของเขาเกี่ยวกับดินสอและถ่านมีความมีชีวิตชีวาและแม่นยำในการถ่ายทอดลักษณะของบุคคลที่วาดภาพ เช่นเดียวกับความสมบูรณ์แบบในการแสดงภาพเขียนสีน้ำมันของเขา

คอลเล็กชันของพิพิธภัณฑ์ประกอบด้วยผลงานหลายชิ้นของศิลปินชาวรัสเซียผู้โด่งดังในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ก่อนอื่นนี่คือภาพวาดโดย Mikhail Vrubel (1856–1910) ซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของสัญลักษณ์และความทันสมัยในงานศิลปะรัสเซีย พร้อมด้วยแผ่นงานของ L.S. Bakst และปริญญาโท Vrubel ยุครุ่งเรืองของงานกราฟิกของรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19–20 และทศวรรษ 1910 นำเสนอโดยผลงานของ K.A. Korovin (1861–1939) – ภาพร่างทิวทัศน์สำหรับโอเปร่าในปี 1917 โดย N.A. ริมสกี คอร์ซาคอฟ "ซัดโก" ภาพร่างนี้เป็นเพียงตัวอย่างเดียวที่ “มีชีวิตรอด” ของกราฟิกฉากละคร ในด้านโวหาร เอกสารของเราใกล้เคียงกับผลงานละครหลายชิ้นของ K. Korovin ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1900 ถึง 1910 ภาพร่างของ K. Korovin สำหรับ "Sadko" ในปี 1906, 1914 มีความโดดเด่นด้วยความซับซ้อนที่มากขึ้น โครงสร้างองค์ประกอบพวกเขาไม่เพียงแต่รวมถึงภาพของ "คฤหาสน์" เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงระเบียงเปิดโล่งซึ่งมองเห็นทิวทัศน์ "ทะเลสีฟ้า" อีกด้วย ผ้าปูที่นอนของเราให้ความรู้สึกเหมือนเป็นห้อง: แสดงถึงภายในห้องที่มีหลังคาโค้งสูง หน้าต่างบานเล็ก เตากระเบื้อง และม้านั่ง
คอลเลกชันกราฟิกของพิพิธภัณฑ์ยังรวมถึงภาพวาดขนาดเล็กโดย Ilya Efimovich Repin "ภาพเหมือนของนักเขียน Leontyev-Shcheglov" ไอแอล Leontiev-Shcheglov (2399-2454) - นักเขียนและนักเขียนบทละครชาวรัสเซียผู้มีความสามารถ

แผ่นกราฟิก B.M. Kustodiev ในคอลเลกชันของ Sergiev Posad Museum-Reserve - นี่คือสาม linocuts ปี 1926 (ลงนามลงวันที่โดยผู้เขียน) ซึ่งได้รับในปี 1928 จากคอลเลกชันส่วนตัว ในงานของศิลปินกราฟิกถูกครอบครอง สถานที่ที่ดีแม้ว่าเขาจะเป็นจิตรกรเป็นหลักก็ตาม ในช่วงทศวรรษที่ 1920 Kustodiev ได้ทำภาพประกอบหนังสือ โปสเตอร์ และการแกะสลักขาตั้งจำนวนมาก (ภาพพิมพ์แกะ พิมพ์หิน linocut) ในปี พ.ศ. 2469 พ.ศ. Kustodiev สร้างสรรค์ผลงานหลายชิ้นด้วย "Bathers" โดยใช้เทคนิคของ linocut ภาพพิมพ์แกะไม้ และสีน้ำ ในรายการไดอารี่ปี 1926 ของผู้เขียนชีวประวัติคนแรก V.V. Voinov (ศิลปินกราฟิก, นักประวัติศาสตร์ศิลป์, นักวิจารณ์ศิลปะ) มักจะได้ยินหัวข้องานของ Boris Mikhailovich เกี่ยวกับ linocuts "Bather" และ "Bathers" แบบถาวรใน ปีที่ผ่านมาชีวิตของบี.เอ็ม. Irina ลูกสาวของเขาเสิร์ฟ Kustodiev "สำหรับการถ่ายภาพบุคคล ตัวละครในภาพวาด ปก ภาพแกะสลัก ภาพประกอบ" เธอยังโพสท่าให้พ่อของเธอสลักคำว่า “Bather” ด้วย
ในซีรีส์เรื่อง “Bathers” โดย B.M. Kustodiev ทำงานอย่างแท้จริงจนกระทั่ง วันสุดท้ายของชีวิต: การแกะสลักครั้งสุดท้ายของวงจรนี้เกิดขึ้นโดยเขาเมื่อวันที่ 4 พฤษภาคม พ.ศ. 2470 (และในวันที่ 26 พฤษภาคมศิลปินเสียชีวิต)

ผลงานของหนึ่งในบุคคลสำคัญทางศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 งานแกะสลักไม้คลาสสิก V.A. Favorites Favorites (พ.ศ. 2429-2507) มีการนำเสนอในคอลเลคชันของพิพิธภัณฑ์ด้วยแผ่นกราฟิกจำนวน 16 แผ่น ช่วงเวลาที่แตกต่างกัน: ผลงานเหล่านี้เป็นงานขาตั้ง ภาพประกอบหนังสือ และตัวอย่าง "กราฟิกประเภท" ของเขา
การเลือกแผ่นงานส่วนใหญ่เป็นการสุ่ม ไม่ใช่ทั้งหมดจะเป็นผลงานชั้นหนึ่งหรือสัญลักษณ์ของปรมาจารย์ ในปี พ.ศ. 2462 พ.ศ. 2482 สมาชิกของครอบครัวนี้ (รวมถึง Vladimir Andreevich Favoritesky) อาศัยอยู่ใน Sergiev Zagorsk มีรากฐานมาจากจิตวิญญาณและ ชีวิตทางวัฒนธรรมสร้างสรรค์ผลงานมากมายที่นี่และ V.A. พ่อตา Favorsky เป็นหนึ่งในผู้จัดงานพิพิธภัณฑ์ของเรา
ในบรรดาผลงานเหล่านี้เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงและสำคัญที่สุดในช่วงเวลานี้ของผลงานของอาจารย์ - งานแกะสลักขาตั้ง "ตุลาคม พ.ศ. 2460" ปี พ.ศ. 2471 ภาพพิมพ์แกะไม้นี้สร้างขึ้นตามคำสั่งของรัฐครั้งแรกของสภาผู้แทนราษฎรในวันครบรอบ 10 ปีของ การปฏิวัติเดือนตุลาคม จากนั้น Favorsky ก็คิดซีรีส์เรื่อง "ปีแห่งการปฏิวัติ" โดยที่ "ภาพวาดที่จัดเรียงตามลำดับเวลาควรจะสร้างประวัติศาสตร์ทั้งหมดของรัฐโซเวียตในช่วง 10 ปีแรกปีแล้วปีเล่า" ภาพพิมพ์แกะพิมพ์ "ตุลาคม พ.ศ. 2460" เป็นโครงเรื่องที่มีการเล่าเรื่องโดยละเอียดและในขณะเดียวกันก็มีองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบเชิงสัญลักษณ์ที่มีเนื้อหามากมาย ตัวอักษรและหลายตอนก็รวมเข้าด้วยกันอย่างเป็นธรรมชาติ

ช่วงปลายของความคิดสร้างสรรค์ของ V.A. Favorites Favorite ในคอลเลกชันของเรามีการแกะสลักจากวงจรที่ดีที่สุดและโด่งดังที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษ 1950 ซึ่งศิลปินได้รับรางวัลเลนินในปี 2505 - ภาพประกอบปี 1950 สำหรับ "The Tale of Igor's Host" และสำหรับ "Boris Godunov" ปี 1955 ., บริจาคให้กับพิพิธภัณฑ์ในปี พ.ศ. 2508
พวกเขาแสดงให้เห็นถึง "สไตล์สาย" ของงานแกะสลักไม้ของ Favorite อย่างสมบูรณ์แบบโดยให้ความสำคัญกับรูปลักษณ์ของตัวละครฉากเครื่องแต่งกายซึ่งภาพหมายถึงการเปลี่ยนแปลงตามธรรมชาติ: การบำเพ็ญตบะของโซลูชันกราฟิกที่มีการเน้นรูปทรงและการแรเงาแบบเปิดถูกแทนที่ด้วย ด้วย "ความงดงาม" บางอย่าง ความเคร่งขรึมและความยิ่งใหญ่ของมหากาพย์ของเพลง "Lay" ฟังดูสมบูรณ์แบบในองค์ประกอบหลายร่าง (“ ก่อนการรบ”) ซึ่ง Favorites มีรูปภาพของทหารรัสเซียภายใต้ธงการต่อสู้และ Guslyar จากวงจรกราฟิกที่หลากหลาย V.A. Favorites ในยุค 50 ถึงละครของ A.S. พุชกิน ("Boris Godunov", "Little Tragedies") ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์มีเพียงภาพประกอบเดียวสำหรับโศกนาฏกรรม "Boris Godunov" - "Pimen and Gregory" 1955

คอลเลกชันผลงานของศิลปินกราฟิกและจิตรกรชาวรัสเซียที่โดดเด่น Tatyana Alekseevna Mavrina ในพิพิธภัณฑ์ Sergiev Posad-Reserve ในด้านปริมาณ ระดับงาน และความหลากหลายของประเภทผลงานสามารถเทียบได้กับคอลเลกชันพิพิธภัณฑ์ที่ใหญ่ที่สุดในประเทศที่มีคอลเลกชันของ กราฟิกแห่งศตวรรษที่ 20 (พิพิธภัณฑ์พุชกิน, หอศิลป์ State Tretyakov, พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐ) นี่คือเอกสารหกสิบสองแผ่นที่มาหาเราในปี พ.ศ. 2520-2521 หลังจากศึกษาที่พิพิธภัณฑ์ นิทรรศการส่วนตัวผู้เขียน. มอบผลงานสี่สิบห้าชิ้นให้กับ T.A. Mavrina เป็นของขวัญ
ตามลำดับเวลา การรวบรวมผลงานของ Mavrin ครอบคลุมผลงานของศิลปินเป็นระยะเวลานาน (วันที่รุนแรงคือปี 1944 และ 1976 และประมาณ จำนวนเท่ากันแผ่นงานหมายถึงช่วงเวลาของยุค 40, 50, 60 และ 70) นำเสนอเทคนิคกราฟิกที่หลากหลายซึ่ง Mavrina ทำงานได้อย่างมีประสิทธิผล ได้แก่ สีน้ำ gouache แผ่นงานที่ทำใน สื่อผสม(เทมเพอรา, gouache หรือเทมเพอรา, gouache, สีน้ำ), ภาพวาดดินสอ, ภาพวาดหมึก

"วงจร Zagorsky" T.A. Mavrina แสดงโลกทัศน์ของเธออย่างชัดเจน ลำดับความสำคัญในงานศิลปะ สไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอ ซึ่งมักถูกเรียกว่า "Mavrinsky" เริ่มเป็นรูปเป็นร่างในช่วงทศวรรษที่ 1940 "ซีรีส์พล็อต" ของผลงานของ Mavrin ในยุค 50 - ชุด "ที่เห็นอย่างเหลือเชื่อ" ของ Lavra, อาราม Pyatnitsky, เมืองเก่าและชีวิตของผู้อยู่อาศัย - ทุกวันและรื่นเริงรวมอยู่ในคีย์พิเศษเชิงเปรียบเทียบและบทกวีที่เกี่ยวข้อง ด้วยภาพ ศิลปะพื้นบ้าน, นิทานพื้นบ้าน. แผ่นงานในช่วงปี 1960-1970 นั้นสื่ออารมณ์และเป็นอิสระพอๆ กัน มีการออกแบบ องค์ประกอบ และสีสันที่ชัดเจน องค์ประกอบเฉพาะเรื่องของพวกเขายังคงถูกครอบงำด้วยทิวทัศน์ประเภทต่างๆ ซึ่งเป็นชื่อที่เน้นถึงแง่มุมที่มีประสิทธิภาพในชีวิตประจำวัน ตัวอย่างคลาสสิกของ "ภาพเหมือนของ Mavrinsky" ในคอลเลกชันของเราคือ "Demidova", 1973 "Demidova" เป็นตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานแบบออร์แกนิกของสองประเภท - "ภาพบุคคลในแนวนอน": รูปภาพขนาดใหญ่ หน้าผาก ครึ่งความยาวของ “ หญิงชราชาวรัสเซีย” ในผ้าพันคอสีขาวโดยมีฉากหลังเป็นภูมิทัศน์หมู่บ้านฤดูร้อนซึ่งตามประเพณีโบราณของภาพวาดพื้นบ้านและภาพพิมพ์ยอดนิยมจะมีการจารึกไว้ในภาพด้วย

กราฟิกเป็นที่สุด ดูโบราณวิจิตรศิลป์ ผลงานกราฟิกชิ้นแรกถือเป็นภาพวาดในถ้ำของมนุษย์ดึกดำบรรพ์ซึ่งสะท้อนถึงมุมมองของเขา โลกรอบตัวเรา- หนังสือปาปิรัสของชาวอียิปต์โบราณมีสัญลักษณ์กราฟิก (อักษรอียิปต์โบราณ) และภาพประกอบ ตั้งแต่สมัยโบราณ ตัวอย่างกราฟิกที่สวยงามได้มาหาเราในรูปแบบของภาพวาดบนแจกันและภาชนะเซรามิก

เป็นเวลานานแล้วที่เฉพาะการเขียนและการประดิษฐ์ตัวอักษรเท่านั้นที่ถูกจัดประเภทเป็นกราฟิก ในยุคกลาง กราฟิกหนังสือเริ่มแพร่หลาย: หนังสือที่เขียนด้วยลายมือได้รับการตกแต่งด้วยภาพวาดและภาพขนาดย่ออันงดงาม และการสร้างแบบอักษรก็กลายเป็นงานศิลปะที่โดดเด่น

ศิลปินกราฟิกที่โดดเด่นและผลงานอันโด่งดังของพวกเขา

Albrecht Durer ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุโรปตะวันตกเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งการแกะสลัก ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาเกี่ยวกับทองแดงคือ "Knight, Death and the Devil" (1513), "St. เจอโรมในห้องขังของเขา" และ "ความเศร้าโศก" (1514)

ศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่และนักวิทยาศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Leonardo da Vinci เป็นนักเขียนแบบที่เลียนแบบไม่ได้ มรดกทางกราฟิกอันมหาศาลของเขาประกอบด้วย: ภาพวาดเพื่อการเตรียมภาพวาด, ภาพสัตว์และพืช, ภาพประกอบเพื่อการพัฒนาทางเทคนิค, ภาพวาดสำหรับบทความ

เทคนิคและประเภทของกราฟิก

พื้นฐานของศิลปะภาพพิมพ์ทุกประเภทคือการวาดภาพ โดยทั่วไปแล้ว ภาพกราฟิกจะถูกสร้างขึ้นบนแผ่นกระดาษซึ่งมีบทบาทเป็นพื้นที่ ในการสร้างผลงานของเขาศิลปินสามารถใช้เครื่องมือทั้งหมดได้: ดินสอ, ปากกาลูกลื่น, ถ่าน, หมึก, หมึก, ร่าเริง (ดินสอสีน้ำตาลแดงที่ทำจากดินขาวและเหล็กออกไซด์), ชอล์กสี, ซอส (พาสเทลชนิดหนึ่ง) , สีน้ำ, gouache

เครื่องมือหลักของการวาดภาพของชาวยุโรปในยุคโกธิคและเรอเนซองส์ตอนปลายคือปากกา ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ดินสอกราไฟท์เริ่มถูกนำมาใช้ในการวาดภาพ ภาพวาด และภาพร่าง Canvas ไม่ได้ใช้จริงในกราฟิกตั้งแต่นั้นมา สีน้ำและ gouache ไม่พอดีกับมัน สีในภาพกราฟิกใช้น้อยกว่าภาพวาดมาก ลักษณะการมองเห็นหลักของกราฟิก ได้แก่ เส้น จุด ไคอาโรสคูโร เส้นขีด และจุด

กราฟิกมีประเภทที่หลากหลายเช่นเดียวกับการวาดภาพ แต่ที่นี่ประเภทของการถ่ายภาพบุคคลและทิวทัศน์เป็นเรื่องธรรมดามากกว่า และยังมีภาพนิ่ง ประวัติศาสตร์ ชีวิตประจำวันและอื่นๆ ในระดับที่น้อยกว่า กราฟิกมักแบ่งออกเป็นแบบอนุสาวรีย์ (โปสเตอร์ กราฟิกติดผนัง) ขาตั้ง (ภาพวาดและภาพพิมพ์) กราฟิกหนังสือ (ภาพประกอบ โปสการ์ด) รวมถึงกราฟิกคอมพิวเตอร์ ซึ่งมีความโดดเด่นเนื่องจากไม่ได้ใช้วัสดุแบบดั้งเดิม

ศิลปะกราฟิกมีความโดดเด่นด้วยเทคนิคที่หลากหลายที่ศิลปินใช้ในรูปแบบที่บริสุทธิ์หรือในรูปแบบต่างๆ ตามเทคนิคกราฟิกมีสองประเภท: การวาดภาพและกราฟิกพิมพ์ (ภาพพิมพ์) ภาพวาดถูกสร้างขึ้นในสำเนาเดียวเท่านั้น ในสมัยโบราณ ศิลปินใช้กระดาษปาปิรุสและกระดาษหนัง และตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 พวกเขาก็เริ่มวาดภาพบนกระดาษ

ในทางกลับกัน กราฟิกที่พิมพ์ออกมานั้นมีอยู่ในหลายสำเนา สำหรับการทำซ้ำจะใช้การแกะสลัก - การวาดภาพบนวัสดุแข็งซึ่งเคลือบด้วยสีแล้วพิมพ์บนแผ่นกระดาษ ขึ้นอยู่กับวัสดุที่แตกต่างกัน ประเภทต่างๆและเทคนิคการแกะสลัก: ภาพพิมพ์แกะไม้ (ภาพพิมพ์แกะไม้) ภาพพิมพ์หิน (ภาพเขียนที่แกะสลักบนเสื่อน้ำมัน) ภาพแกะสลัก (ภาพแกะสลักโลหะ) ภาพพิมพ์หิน (ภาพแกะสลักหิน) ด้วยการมาถึงของการแกะสลัก หนังสือที่พิมพ์ออกมาและกราฟิกหนังสือก็เริ่มมีการพัฒนา ทุกวันนี้การพัฒนากราฟิกไม่ได้หยุดนิ่ง มีประเภทและเทคนิคใหม่ ๆ เกิดขึ้น แต่ในสมัยโบราณ กราฟิกยังคงเป็นองค์ประกอบสำคัญของวิจิตรศิลป์ในชีวิตของเรา