«Мистецтво є така ж потреба для людини, як їсти і пити. Потреба краси і творчості, який втілює її, нерозлучна з людиною », - писав Ф. М. Достоєвський.

Дійсно, історія свідчить про те, що людина завжди був нерозлучний з мистецтвом. В горах, в печерах різних країн світу збереглися стародавні наскальні зображення. Ці виразні малюнки тварин і мисливців були зроблені ще в ті часи, коли люди не вміли писати.

Пам'ятники мистецтва говорять нам, яке величезне значення воно мало в житті людини і людського суспільства. Стародавні греки створили прекрасний міф про муз - вічно юних сестер, які уособлюють мистецтва і науки. Мельпомена - муза трагедії, Талія - \u200b\u200bкомедії, Терпсихора - танців, Кліо - муза історії ... Міф розповідає, що коли бог Аполлон - покровитель мистецтва, поезії і музики - з'являвся в супроводі муз, то вся природа слухала їх співу ... Музика, музей - ці слова походять від слова Муза.

Поетичний міф про муз-сестрах не втратив свого сенсу. У кожного виду мистецтва свої виразні засоби: в музиці - це звук, в образотворчому мистецтві - колір, лінія і т. Д., В літературі - слово. Але споріднена сутність всіх видів полягає в тому, що мистецтво - це одна з форм суспільної свідомості, в основі якої лежить образне віддзеркалення явищ дійсності.

До образотворчим мистецтвам, пов'язаних із зоровим сприйняттям, відносяться: живопис, графіка і скульптура. Ці мистецтва створюють зображення на площині (живопис і графіка) і в просторі (скульптура).

Картину, малюнок, естамп, скульптуру, які мають самостійне значення, тобто не пов'язані з будь-яким художнім ансамблем або з чисто практичним призначенням, ми називаємо станковими творами. Визначення це походить від слова «верстат» (в даному випадку - мольберт), на який ставиться полотно, коли пишеться картина. І навіть те, що картина обов'язково вставляється в раму, підкреслює незалежність, тобто відокремленого станкового живопису від навколишнього середовища. Рама відокремлює картину, створює можливість сприймати її як самостійне художнє ціле. Деякі станкові живописні твори репродуковано в книзі.

На відміну від станкового монументальний живопис за своїм призначенням і характером пов'язана з архітектурним ансамблем. Фреска, мозаїка, панно, вітражі органічно входять в архітектуру, доповнюючи і збагачуючи художнє оформлення інтер'єру чи всієї будівлі. Прекрасними зразками монументального живопису є фрески Рафаеля в Ватиканському палаці, розпису Мікеланджело в Сикстинській капелі. Найвищого рівня монументальний живопис досягла в візантійському і давньоруському мистецтві.

У наш час монументальний живопис знаходить широке застосування в палацах культури, клубах, театрах, станціях метрополітену, вокзалах і т. Д. Багато з вас бачили мозаїки в метро, \u200b\u200bстворені за ескізами П. Коріна, А. Дейнеки і інших радянських майстрів. Розписи інтер'єру Автовокзалу і Музею Збройних Сил в Москві (художник Ю. Корольов), розпису Музею Ціолковського в Калузі (група художників на чолі з А. Васнєцовим), вітражі литовських майстрів, карбовані панно грузинських художників прикрасили багато новобудови наших міст.

Міжнародну популярність здобуло монументальне мистецтво сучасної Мексики. Мозаїки Сікейроса та інших великих художників відображають героїчну боротьбу мексиканського народу за свою незалежність.

Не завжди можна провести різку грань між станковим і монументальним твором мистецтва. Це пояснюється тим, що якістю монументальності володіє нерідко і станковий живопис. А монументальні твори іноді мають і самостійне значення, сприймаючись як закінчені станкові картини.

Існує ще дуже велика область декоративно-прикладного мистецтва. Це художньо виконані меблі, посуд, одяг, тканини, килими, вишивки, ювелірні вироби і т. Д. Однак деякі види декоративно-прикладного мистецтва (гобелен, карбування, декоративна скульптура) можна також розглядати як самостійні твори. Живопис, яка призначена для прикраси або виявлення конструкції і призначення предмета і не має явно самостійного значення, називається декоративною.

Таким чином, живопис розділяється на станковий, монументальний і декоративну.

картина

Станкове твір живопису, що має самостійне значення. На відміну від етюду і ескізу картина є завершеним твором, підсумком тривалої роботи художника, узагальненням спостережень і роздумів над життям. Картина втілює глибину задуму і образного змісту.

Створюючи картину, художник спирається на натуру, але в цьому процесі велику роль відіграє творча уява.

Поняття картини додається насамперед до творів сюжетно-тематичного характеру, основу яких складає зображення важливих історичних, міфологічних або громадських подій, людських дій, думок і емоцій в багатофігурних складних композиціях. Тому в розвитку живопису картина грає провідну роль.

Картина складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, фанери, картону, пресованої плити, пластику, паперу, шовку і т. Д.), На яку наносяться грунт і барвистий шар. Естетичне сприйняття картини багато в чому виграє, коли вона полягає в відповідну раму (багет), що відокремлює живопис від навколишнього світу. Східний тип картини зберігає традиційну форму вільно висить розгорнутого сувою (горизонтального або вертикального). Картина, на відміну від монументального живопису, не пов'язана жорстко з певним інтер'єром. Вона може бути знята зі стіни і повішена по-іншому.

У картинах видатних живописців досягнуті вершини мистецтва. У різноманітних течіях модернізму відбувається втрата сюжету і відмова від образотворчості, тим самим поняття картини значно переглядається. Дедалі ширше коло живописних творів XX ст. називається картинами.

КАРИКАТУРА (Іт. Caricatura, від caricare - навантажувати, перебільшувати) - жанр образотворчого мистецтва, що використовує засоби сатири і гумору, гротеску, шаржу для критичної оцінки будь-яких громадських, політичних та побутових явищ або конкретних осіб і подій. Комічний ефект карикатурного зображення створюється перебільшенням і загостренням характерних рис, несподіваними порівняннями, уподібненнями, метафорами, з'єднанням реального і фантастичного. Карикатура використовується в основному в газетній та журнальній графіці, але вона знаходить собі місце також в сатиричній живопису і дрібної пластики, в плакаті і навіть в монументальному живописі. Карикатуру можна побачити в народній творчості, особливо в лубке. Видатними художниками-карикатуристами були Ж. Еффель (Франція), X. Бідструп (Данія), Кукринікси (М. Купріянов, П. Крилов, Н. Соколов - Росія).

КАРТИНА - станковое твір живопису, що має самостійне значення. На відміну від етюду і ескізу картина є завершеним твором, підсумком тривалої роботи художника, узагальненням спостережень і глибину задуму і образного змісту. Створюючи картину, художник спирається на натуру, але в цьому процесі велику роль відіграє творча уява. Поняття картини додається, перш за все, до творів сюжетно-тематичного характеру, основу яких складає зображення важливих історичних, міфологічних або громадських подій, людських дій, думок і емоцій в багатофігурних складних композиціях. Тому в розвитку живопису картина грає провідну роль. Картина складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, фанери, картону, пресованої плити, пластику, паперу, шовку і т. Д.), На яку наносяться грунт і барвистий шар. Естетичне сприйняття картини багато в чому виграє, коли вона полягає в відповідну раму (багет), що відокремлює живопис від навколишнього світу. Східний тип картини зберігає традиційну форму вільно висить розгорнутого сувою (горизонтального або вертикального). Картина, на відміну від монументального живопису, не пов'язана жорстко з певним інтер'єром. Вона може бути знята зі стіни і повішена по-іншому. У картинах видатних живописців досягнуті вершини мистецтва. У різноманітних течіях модернізму відбувається втрата сюжету і відмова від образотворчості, тим самим поняття картини значно переглядається. Дедалі ширше коло живописних творів XX ст. називається картинами.

КАРТИННА ГАЛЕРЕЯ - художній музей, в якому експонуються виключно або переважно твори живопису. Картинною галереєю називають також розділи живопису в великих музеях і палацові зали, призначені для зборів картин. У Стародавній Греції сховище картин називалося Пінакотека, пізніше так стали називати великі зібрання живопису, тобто картинні галереї. Багато найбільші художні музеї світу є картинними галереями і звуться галерей, в тому числі Національна галерея в Лондоні, Національна галерея мистецтва у Вашингтоні, Державна Третьяковська галерея в Москві і ін.

ПЕНЗЛИК- інструмент художника, головним чином живописця, який представляє собою ручку з ворсом на кінці. Кисті для живопису звичайно вживають з волоса: щетинні (з білою свинячої щетини), колонкові (з волоса червоної куниці - колонка), білячі, тхорячих і ін. Для акварельного живопису, для роботи над дрібними деталями підійдуть кисті з тонкого і м'якого волосся, наприклад білячі. Для живопису гуашшю, темперою, олійними фарбами вибирають жорсткі щетинні кисті. За старих часів художники користувалися борсукові кисті, званої флейцем, яким вони згладжували поверхню фарби, знищуючи подряпини, що залишаються на фарбі щетинною пензлем. Кисті бувають круглі і плоскі, з коротким і довгим ворсом, жорсткі і м'які. На одній руці стоять піфри (1, 2, 3 і т. Д.). Чим більше цифра, тим більше кисть за розміром. Кінці волосся в кисті повинні бути обов'язково загостреними, а не обрізаними. Волосся повинні бути підібрані так, щоб вони лежали паралельно, а не топорщілісь в сторони. Хороша кисть зберігає свою форму і після миття водою, а погана стовбурчиться, навіть якщо її вмочити в фарбу. Така кисть не годиться для живопису взагалі. Останнім часом художники вважають за краще кисті плоскі, що дають більш визначену форму мазка. В даний час широка і плоска кисть називається флейцем. Вона застосовується для фарбування більших площин і грунтовки полотен. Кисті вживаються також в графіку і каліграфії.

КІТЧ (Нім. Kitsch - букв, халтура, поганий смак) - псевдохудожньою вироби, що відповідають низькому художньому смаку і нерозвиненим естетичним запитам. Для кітчу характерні крикливість кольору, еклектизм, надмірність декору, підробки під дорогоцінні матеріали. Прояви кітчу можливі у всіх видах пластичних мистецтв, але найчастіше вони зустрічаються в масовому художньому виробництві, індустрії сувенірів, в масової друкованої графіку, деяких видах художніх промислів.

КЛАСИКА (Від лат. Classicus - зразковий) - в історії мистецтва епоха вищого підйому античного мистецтва в V-IV ст. до н. е. Класичне мистецтво - мистецтво Стародавньої Греції та Стародавнього Риму часу їхнього розквіту, а також мистецтво європейського Ренесансу і класицизму, безпосередньо спирався на античні традиції. В епоху класики оформляються основні архітектурні ордери, отримує розвиток регулярне планування міст, процвітають монументальна скульптура, нерозривно пов'язана з архітектурою, і декоративне мистецтво. Образи гармонійних людей, наділених одно фізичної і духовної красою, створили найбільші скульптори Мирон, Поліклет, Фідій, Пракситель, Скопас. У класичному мистецтві була високо розвинена живопис (Полигнот). У V ст. до н. е. було створено найдосконаліші архітектурні твори Стародавньої Греції - храми Парфенон (архітектори Иктин і Калликрат) і Ерехтейон, що знаходяться на Акрополі в Афінах, відмічені художньою єдністю цілого і всіх архітектурних і скульптурних деталей. Класичне мистецтво пов'язано з розквітом Афін та інших міст-полісів, в яких був лад рабовласницької демократії.

КЛАССИЦИЗМ (Від лат. Classicus - зразковий) - художній стиль європейського мистецтва XVII-XIX ст., Однією з найважливіших рис якого було звернення до античного мистецтва як вищого зразка і опора на традиції високого Відродження. Мистецтво класицизму відображало ідеї гармонійного устрою суспільства, але багато в чому їх втрачало в порівнянні з культурою Відродження. Конфлікти особи і суспільства, ідеалу і реальності, почуття і розуму свідчать про складність мистецтва класицизму. Художніх форм класицизму властиві сувора організованість, врівноваженість, ясність і гармонійність образів. Для архітектури класицизму характерні навіяні античними зразками ордерна система, чіткість і геометрична правильність обсягів і планування, що виділяються на гладі стін портики, колони, статуї, рельєфи. Видатним шедевром архітектури, що з'єднав класицизм і бароко в єдиний урочистий стиль, був палацово-парковий ансамбль у Версалі - резиденція французьких королів (друга половина XVII ст.). У живописі головне значення придбали логічне розгортання сюжету, ясна врівноважена композиція, чітка передача обсягу, за допомогою світлотіні підпорядкована роль кольору, використання локальних кольорів (Н. Пуссен, К. Лоррен). Чітка розмежована планів в пейзажах виявлялася також за допомогою кольору: передній план обов'язково повинен був бути коричневим, середній - зеленим, а дальній - блакитним.

твір живопису, що має самостійне художнє значення і володіє властивістю закінченості (на відміну від етюду і ескізу). К., як правило, не пов'язана, подібно фресці або книжковій мініатюрі, з певним інтер'єром або системою декорування. Складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, картону, паперу), грунту і барвистого шару.

відмінне визначення

Неповне визначення ↓

картини

1. К. ( грец. pinakes) представляли собою дерев'яні дошки, плити і плитки з обпалені. глини або каменю, металеві. і інші пластини з наніс, на них фігурними або орнаментальними зображеннями. Найдавнішими свідченнями є глиняні метопи з Терма (7 ст. До н. Е.); з етруської сфери - бокканерскіе і Кампанії плити. Менший формат мають коринфские К. на глині \u200b\u200bз Пендескуфіі і К. на дереві з Пітса (6 ст. До н. Е.). Елліністіч. К. на мармурі, наприклад в Геркулануме, копіюють класичні. зразки. У великій кількості збереглися римсько-Кампанії настінні К., які, як правило, складали одну з декоративних складових частин настінного живопису. Особливе значення мають чудово збереглися в біль шинстве випадків поясні портрети померлих. Фамільні рим. портрети ( лат. відмінне визначення

Неповне визначення ↓

картина - твір живопису, що володіє закінченим характером (на відміну від ескізу і етюду) і самостійним художнім значенням. Складається з основи (полотна, дерев'яної або металевої дошки, картону, паперу, каменю, шовку і т.д.), грунту і барвистого шару. Картина - один з видів станкового мистецтва. Картини бувають різних жанрів. Створюючи картину, художник спирається на натуру, але в цьому процесі велику роль відіграє творча уява. Кінець 19 століття у всій Європі відзначений новим, динамічним поглядом на світ. Художник рубежу століть мав відповідати постійно мінливій життя: не стільки відображати навколишній світ (цим тепер займаються фотографія і кіно), скільки зуміти висловити в картині свою індивідуальність, свій внутрішній світ, власне бачення. У картинах видатних живописців досягнуті вершини мистецтва. У різноманітних течіях модернізму відбувається втрата сюжету і відмова від образотворчості, тим самим поняття картини значно переглядається. Деякі художники, що належать до різних шкіл живопису, відійшли від зображення світу (людей, тварин, природи) таким, яким ми його бачимо. На їх мальовничих полотнах світ постає деформованим, іноді зовсім невпізнанним, бо художники керуються більше своєю уявою, ніж зоровим сприйняттям оточуючих нас явищ.

У розвитку живопису картина грає найважливішу роль.

Репродукцію також можна назвати картиною, якщо у відповідному контексті не має значення, копія це чи оригінальний твір.

Картина в переносному або більш загальному значенні - будь-яке закінчила, цілісний твір мистецтва, в тому числі - живе і яскраве опис, усне або письмове, вид природи.

Живопис - це мистецтво площині і однієї точки зору, де простір і обсяг існують тільки в ілюзії. Живопис завдяки складності образотворчих засобів здатна створити на площині таку глибину ілюзорного простору і багатовимірність художньої реальності, яка непідвладна іншим способам зображення. Кожна картина виконує дві функції - образотворчу і експресивно-декоративну. Мова живописця цілком зрозумілий лише тому, хто усвідомлює декоративно-ритмічні функції площині картини.

В естетичному сприйнятті всі функції картини (і декоративні, площинні, і образотворчі, просторові) повинні брати участь одночасно. Правильно сприйняти і зрозуміти картину - це значить одночасно, неподільне побачити і поверхню, і глибину, і візерунок, і ритм, і зображення.

Естетичне сприйняття картини багато в чому виграє, коли вона полягає в відповідну раму, яка відокремлює живопис від навколишнього світу. Східний тип картини зберігає традиційну форму вільно висить розгорнутого сувою (горизонтального або вертикального). Картина, на відміну від монументального живопису, не пов'язана жорстко з певним інтер'єром. Вона може бути знята зі стіни і повішена по-іншому.

Глибина ілюзорного простору картин

Професор Річард Грегорі описав "дивні властивості картин": «Картини - унікальний клас предметів, тому що вони одночасно видні і самі по собі, і як щось зовсім інше, ніж просто аркуш паперу, на якому вони намальовані. Картини парадоксальні. Ніякої об'єкт не може перебувати в двох місцях одночасно; ніякої об'єкт не може бути одночасно двовимірним і тривимірним. А картини ми бачимо саме так. Картина має цілком певний розмір, і в той же час вона показує справжню величину людського обличчя, будівлі або корабля. Картини - неможливі об'єкти.

Здатність людини реагувати на відсутні, уявні ситуації, представлені в картинах, є важливим етапом у розвитку абстрактного мислення ».

Як створюються картини

Картина - це духовний світ художника, його переживання і почуття виражені на полотні або папері. Пояснити, як створюються картини, складно - краще це побачити самому. Неможливо передати словами, як художник зафарбовує полотно, який пензлем він стосується полотна, які фарби вибирає. Під час роботи все стають одним цілим: художник, кисть і полотно. І вже після першого помаху пензлем в майстерні починає діяти особливе чарівництво живопису.

Картини не просто розфарбований полотно, вони впливають на почуття і думки, залишають слід у душі, пробуджують передчуття.

Як же створюється картина?

Здавалося б, фарбами, пензлями, на полотні. Може бути ще один універсальний відповідь: по-різному.

Методи роботи над картиною постійно змінювалися протягом історії мистецтва. Художники італійського Відродження працювали зовсім по-іншому, ніж Рембрандт або "маленькі голландці" XVII століття, романтики - інакше, ніж імпресіоністи, абстракціоністи, сучасні нам художники-реалісти. Та й в рамках однієї епохи і навіть одного напрямку можна зустріти велику різноманітність.

Художників-реалістів минулого і сьогодення (якщо розуміти реалізм в широкому сенсі слова) об'єднує наступне:

Створення повноцінного твори, в даному випадку картини, портрета або пейзажу, неможливо без глибокого вивчення життя, активного ставлення до неї автора. Засобами художнього пізнання життя служать робота з натури, зорові враження, аналіз і синтез життєвих явищ.

Створення картини - складний, трудомісткий творчий процес, результати якого визначаються не витраченим часом, а мірою таланту, майстерності художника, силою і дієвістю оригінального образного вирішення. Найважливішими віхами цього процесу є зародження і конкретизація задуму, безпосередні спостереження, ескізи, етюди з натури, власне написання картини з неодмінно творчої, активної переробкою життєвого матеріалу.

І коли в музеї або на виставці глядач підходить до картини, то перш ніж винести про неї своє судження, він повинен пам'ятати, що за нею завжди стоїть жива людина, художник, який вклав в роботу шматок свого життя, серце, нерви, талант і майстерність. Можна сказати, що картина - це здійснена мрія художника.

Г. С. ОСТРОВСЬКИЙ

завершеність картини

У житті багато буває випадково - в картині таких випадковостей бути не може, в ній все повинно бути завершено, логічно. В який же момент картина вважається завершеною?

Віртуозний рембрандтівского пастозний мальовничий мазок, настільки високо цінується пізніше і в наш час, викликав у сучасників Рембрандта лише подив і породжував глузування і гостроти на його рахунок. Заперечуючи своїм критикам, Рембрандт оскаржував правильність їх розуміння завершеності живописного твору, протиставляючи їм своє розуміння її, яке він формулював таким чином: картину має вважати закінченою тоді, коли художник сказав в ній все, що він хотів. Щоб не чути набридає йому питань про «незавершеності» його картин, Рембрандт перестав дозволяти наближатися до них наївним відвідувачам своєї майстерні, дивився з великою цікавістю на бравурні мазки його живопису, лякаючи їх тим, що до картинам не слід підходити надто близько, так як нюхати їх фарби шкідливо для здоров'я.

Матісс про свою живопису:

"Я просто намагаюся покласти на полотно ті кольори, які висловлюють моє відчуття. Необхідна пропорція тонів може змусити мене змінити форму фігури або змінити композицію. Поки я цієї пропорції не досяг у всіх частинах картини, я її шукаю і продовжую роботу. Потім настає момент, коли всі частини знаходять остаточні співвідношення, і тоді я не можу доторкнутися до картини, що не переробляючи її всю заново ".

Починаючи приблизно з імпресіоністів, категорії малюнка, форми і колориту тісно пов'язані, зрослися, здаються безперервним процесом: малюнок і колорит, ліплення і композиція, тон і лінія виникають і розвиваються як би в один час. Процес писання картини може, так би мовити, тривати безмежно, момент закінчення роботи є кілька-умовним: у будь-якому місці полотна художник може продовжувати її, накладаючи нові мазки на подібні ж, але нижче лежать. Найбільш яскравим і послідовним представником цієї системи є Сезанн. У листах і записаних розмовах він неодноразово формулював цей змішаний або, правильніше, нерозчленованої метод живопису. У будь-який момент робота над картиною може бути перервана, але твір не втратить естетичної повноцінності. У будь-який момент картина готова.

Зв'язок образотворчого простору картини з реальним простором

Художник і теоретик мистецтва В. А. Фаворський в курсі теорії композиції підкреслював, що істинно художнього твору від народження притаманне двоїсте існування: як предмета в навколишньому просторі і як щодо замкнутого світу з власними просторово-часовими відносинами. У живописі така мета досягається узгодженням внутрішньої конструкції картини з рамою, в скульптурі - з навколишнім простором (класичний приклад: статуя в ніші).

Для зв'язку образотворчого простору з реальним простором, в якому знаходиться глядач, використовується рама картини. Художники обіграють також багаторазове "репродукування рами" в самому зображенні, зорові рими, повтори вертикалей і горизонталей. Одним з характерних прийомів, що дозволяють візуально "зміцнити" зображення в межах прямокутного формату, є "скіс кута". Відокремлення живопису від архітектури породило певну систему сприйняття станкової картини. Основним змістом картини стає вираз цілісного уявлення простору. Композиція втілюється в експозицію, в якій глядач має перед перетвореним світом просторово-часових відносин і бачить себе в ньому як у дзеркалі. Так прозоре скло епохи Відродження перетворилося в дзеркало епохи класицизму і бароко. Для мистецтва постренессансной епохи характерні обігравання відображень у дзеркалі, введення в композицію картини фігур-медіаторів, осіб, які своїм становищем, поглядом або жестом руки вказують на дію, що відбувається в глибині картини, як би запрошують увійти в неї. Крім рами в подібних композиціях виникає проскеніум - передня частина сцени, куліси, потім середній план, в якому відбувається головна дія, і фон - "задник".

Головні фігури художник зазвичай поміщає в середньому плані картини, встановлюючи їх на уявну горизонталь як на постамент. Від положення цієї опорної горизонтальної лінії залежить глибина "просторового шару" (в планіметрична відношенні - вище або нижче щодо нижнього краю рами картини). Відкладаючи горизонталь багаторазово вгору, живописець створює певний ритм руху в глибину уявного простору. Завдяки цьому навіть на невеликому полотні можна зобразити простір будь-якої протяжності з будь-якою кількістю фігур і предметів. У подібній експозиції доводиться спеціально звертати увагу глядача на те, що одні предмети знаходяться ближче, а інші далі. Для цього застосовуються "покажчики": перспективне зменшення, введення масштабних орієнтирів (маленькі фігурки людей на дальньому плані), перекривання планів, тональний контраст, падаючі тіні від джерела світла всередині або поза картини. Іншим орієнтиром уявного руху глядача в просторі картини є діагоналі, головна з них - "діагональ входу" (зазвичай зліва направо).

Картина в картині

Зображення в зображенні

«Зображення в зображенні» може використовуватися в спеціальній композиційної функції. Подібна ієрархічна організація представлена \u200b\u200bв разі зображення картини в картині (а також фресок в стінних розписах тощо).

"Картина в картині" - композиційний прийом, зустрічається в мистецтві класичної живописної картини XVI-XVII ст. Картина в картині може бути наділена особливим прихованим змістом.

Композиційний прийом «картина в картині» може виконувати кілька завдань:

• виражати ідею
• роз'яснювати сюжет
• протиставляти або створювати гармонію
• бути деталлю обстановки (інтер'єру)

Дуже часто зображення фону в мальовничому творі можна зрозуміти як свого роду картина в картині, тобто самостійне зображення, побудоване за своїм спеціальним закономірностям. При цьому зображення фону в більшій мірі, ніж зображення фігур на основному плані, підпорядковується чисто декоративним завданням, можна сказати, що тут часто зображується не самий світ, але декорація цього світу, тобто представлено не саме зображення, а зображення цього зображення.

У голландців географічна карта, шпалера, картина, відкрите вікно як включений в картину образ розширюють межі світу або ж служать розвитку алегоричної сенсу основного сюжету. Вермеер, відкриваючи завісу майстерні, стає поводирем за трьома рівнями реальності: простору глядача, простору своєї майстерні, простору художнього твору (полотна, що стоїть на мольберті), уподібнюючи ці метаморфози плавання по океанах, нанесеним на географічну карту або польоту над нанесеною на карту землею .

Перетікання реальності - мистецтва - міфу можна спостерігати і у Веласкеса, який охоче вдається до прийому «картина в картині», прикладом чого можуть служити «Меніни» і «Пряхи».

«Картина в картині» є і в «Венері перед дзеркалом» Веласкеса, але туманне дзеркало лише відображає тінь богині любові.

Картина і рама

Будь-яке зображення, створене художником, за винятком тільки древніх наскальних малюнків, має обрамлення. Обрамлення - необхідна і важлива частина композиції, воно завершує її, надає єдність. Обрамлення може перебувати на тій же площині, на якій виконана і сама мальовнича або графічна композиція. Воно ж може бути створено спеціально як якась рельєфна форма за допомогою декоративних, скульптурних та архітектурних елементів. Найчастіше зустрічаються обрамлення прямокутної форми, дещо рідше - круглої і овальної.

Рама допомагає виділити живописний твір з навколишнього середовища як щось особливе і гідне уваги, не разом з тим і пов'язує його з оточенням. Так, якщо стиль рами збігається з художнім виглядом, ладом і характером інтер'єру, де знаходиться картина, це сприяє цілісності ансамблю. Залежно від кольору, насиченості декоративними і скульптурними деталями рама значно впливає на загальне враження від живописного образу. Все це і дозволяє говорити про єдність картини і рами, де обрамлення виконує, звичайно, не головну, але дуже потрібну функцію.

Шляхи розвитку станкового живопису були складними. Який яскравою віхою в її історії став перехід від середніх віків до Ренесансу! Найбільш істотним в ньому з'явилося прагнення піти від застиглість і абстрактності іконного зображення, що панував в середньовіччі. Приблизно в XIV столітті народжується картина в сучасному розумінні цього слова, а разом з нею з'являється і рама, одягнена поки ще в мереживо готичної декорації.

Перші рами не протиставлялися повністю всього зображення і не відокремлювалися від нього; матеріали обох були подібні, умовна позолота фону, наприклад, давньоруської ікони або візантійської переходила на обрамлення, та й саме зображення нерідко "вихлюпувався" на нього. Потім кордону між картиною і рамою стали зізнаватися все чіткіше. Все ж як якась пам'ять про попередні століттях у рами зберігся її золотий колір. Коли з живопису зник золотий фон, що позначав світ божественного, позолочені рами стала сприйматися умовно, іншими словами - як необхідний атрибут обрамлення, який допомагав виділяти в приміщенні картину, залучати до неї погляд глядача.

В епоху Ренесансу панувало уявлення про живопис як про погляді в світ через вікно, рама своїми формами вельми ясно натякала на існувало уявлення і відповідала йому. Ці пишні, урочисті рами виготовлялися за малюнками художників в спеціальних майстернях або ж помічниками художника, які працювали в його майстерні.

В епоху Відродження живопис постійно порівнювали з дзеркалом, в якому відображається дійсність, і рама, створена на зразок орнаментальної оправи дзеркала, ще сильніше підкреслювала таке порівняння. Ця рама могла виготовлятися не тільки з дерев'яних рейок і гіпсу, а й з дорогоцінних матеріалів, включаючи срібло, слонову кістку, перламутр і т.п. Коштовність матеріалів немов відповідала коштовності живопису, посилювала її.

Старі майстри були дуже уважні до рами, враховували її вплив в процесі роботи, іноді навіть писали в готовому обрамленні, зважаючи на певних тоном і декоративним ритмом рами. Тому композиції старих майстрів часто дуже виграють в початкових рамах.

Спостереження над рамами старих майстрів дозволяють встановити ще один принцип - відповідність між профілем і шириною рами і розміром картини: так, голландські живописці мали звичай вставляти свої невеликі картини в великі рами з глибокої, стрімкої профилировкой, яка як би веде очей до центру картини і ізолює її від будь-якого впливу оточення

На початку XX століття стали лунати голоси, що закликають взагалі відмовитися від рам, як від чогось надто матеріального, "заземляющего" духовність мистецтва. Різні художники авангардистських напрямків, сприйнявши такі заклики, почали виставляти свої твори без рам. Однак в результаті такого нововведення самі їхні твори вже переставали бути картинами в тісному сенсі цього слова. Це були якісь "об'єкти", "плями", часто позбавлені ясного сенсу.

Хоча тепер немає одного стилю в оформленні рам, як було колись, але зате є більше, ніж раніше, відповідність рами індивідуальній манері художника.

В останні час на художніх виставках можна помітити, що інертність щодо оформлення рам (нехай, мовляв, буде, а яка - не настільки важливо), яка проявлялася в минулому і у наших художників, починає долатися. Рами фарбують в різні тони, на них нерідко містяться невеликі додаткові зображення і написи, живописцям допомагають скульптори - з'являються рами з багатими пластичними мотивами.

формат картин

Існують, однак, два специфічних елемента картини, які ніби створюють перехід від площини до зображення, одночасно належачи і до реальності картини, і до її фікції - формат і рама. Може здатися, що формат картини - тільки інструмент художника, але не безпосереднє вираз його творчої концепції: адже художник тільки вибирає формат. А тим часом характер формату найтіснішим чином пов'язаний з усією внутрішньою структурою художнього твору і часто навіть вказує правильний шлях до розуміння задуму художника. Як правило, формат обирається до початку роботи живописця. Але відомий ряд художників, які любили під час роботи змінювати формат картини, то відрізаючи від неї шматки, то додаючи нові (особливо охоче цей робив Веласкес).

Найпоширенішим форматом для картини є чотирикутний, причому чистий квадрат зустрічається значно рідше, ніж чотирикутник, більш-менш витягнутий вгору або вшир. Деякі епохи цінують круглий формат (tondo) або овал. Вибір формату не має випадкового характеру, формат зазвичай виявляє глибоку, органічний зв'язок як з вмістом художнього твору, з його емоційним тоном, так і з композицією картини, в ньому однаково яскраво відбивається і індивідуальний темперамент художника, і смак цілої епохи. Приховану причинний зв'язок між форматом і задумом художника ми відчуваємо перед кожною картиною, від якої виходить чарівність справжнього художнього твору. Є картини, зміст яких настільки зрослося з характером формату, що найменше переміщення пропорцій, здається, мало б порушити стилістичне і ідейний рівновагу картини.

Горизонтальний, витягнутий формат, в загальному, безумовно більш придатний для оповідної композиції, для послідовного розгортання руху повз глядача. Тому до такого формату охоче звертаються художники, налаштовані епічно, які прагнуть до активної композиції, до дії, - наприклад італійські живописці XIV і першої половини XV століття (особливо у фрескових композиціях). Навпаки, формат квадратний або такий, в якому висота дещо переважає над шириною, як би відразу зупиняє динаміку дії і надає композиції характер урочистій репрезентації - саме цей вид формату воліли для своїх вівтарних картин майстра Високого Відродження ( "Сикстинська мадонна"). У свою чергу, при значному переважанні висоти над шириною композиція знову набуває динаміку, сильну тягу, але на цей раз вгору або вниз; такий вузький формат був особливо до душі художникам аристократичним, декоративним (Кривелли) або налаштованим містично (маньєристи, Греко), які прагнуть втілити певні емоції, настрої.

Безсумнівна також зв'язок формату з індивідуальним темпераментом художника: чуттєва, динамічна фантазія Рубенса вимагає більшого формату, ніж стримана і одухотворена фантазія Рембрандта. Нарешті, формат знаходиться в прямій залежності від живописної техніки. Чим ширше, вільніше мазок художника, тим природніше його прагнення до великого формату.